“Privé de la juste reconnaissance de ses faits d’armes, celui à qui l’on donne le surnom infamant de “Lance de la Trahison” continue son périple après avoir changé d’identité et d’apparence…”
“La quête de vengeance mène Köinzell à Rielde Velem, ville dirigée par le “monastère”, un groupe religieux rongé par la corruption et qui multiplie les exécutions publiques.”
Continuez après le saut de page >> Il y a quelques semaines sur NHK World, je suis tombé sur une émission de Imagine-Nation qui introduisait le manga Übel Blatt de Etorouji Shiono. Je n’en avais jamais entendu parlé mais le style me paraissait intéressant alors je me suis réservé le premier volume à la bibliothèque. Je me suis toutefois aperçu par la suite qu’il y avait un volume zéro qui introduit probablement le personnage principal et ses origines (quoique le premier volume en fait un bon résumé et je n’ai donc pas l’impression d’avoir manqué quelque chose).
Übel Blatt (???????? / lit. “journal du mal” en allemand, mais l’auteur voulait probablement dire “épée maléfique”) est un manga seinen de dark fantasy écrit et illustré par le jeune artiste Etorouji Shiono. Il a été prépublié en feuilleton dès 2005 dans le magazine Young Gangan et, depuis 2011, dans Big Gangan (tous deux publiés par Square Enix). La série comporte jusqu’à maintenant quatorze volumes qui ont presque tous été traduit en français par les Éditions Ki-oon (le volume 14 devrait paraître en décembre 2013). Il a été primé au Japan Expo de 2008 pour le meilleurs manga seinen. Un interview avec l’auteur est disponible sur Youtube, et le site de l’éditeur français offre aussi un extrait d’une vingtaine de pages du volume zéro. Ki-oon a aussi produit quelques “bande-annonces” pour le manga (l’une sur DailyMotion et une autre, plus longue, sur Youtube):
Vingt ans plus tôt, alors que les fiefs de Szaalanden sont menacés d’invasion par le royaume maléfique de Wischtech, quatorze de leur meilleurs jeunes guerriers reçoivent la mission d’y mettre fin. Trois mourront, quatre trahiront et seront exécutés, sept vaincront et deviendront des héros. Tel est la légende mais la vérité est toute autre: les quatre véritable héros ont vaincu l’ennemi pour être ensuite lâchement assassiné par leur sept confrères qui leur volèrent ainsi la gloire.
Le personnage principal, Köinzell, est en fait Ascheriit, l’un des quatres véritable héros, qui a survécu à une mort certaine en mangeant une elfe lunaire et qui s’est lui-même lentement transformé en demi-elfe par la suite. Il détient des habilités exceptionnelles en combat mais son corps d’elfe est fragile, quoiqu’il puise une grande force dans la lune. L’origine de Köinzell n’est pas expliquée dans le premier volume, mais je suppose qu’elle l’a été dans le volume zéro.
Alors qu’il arrive à la ville frontière de Rielde Velem pour pénétrer clandestinement dans le territoire des fiefs de Szaalanden, Köinzell fait la rencontre de ceux qui deviendront ses premiers compagnons: Vido, Peepi et Altea. Ils doivent d’abord affronter les moines du monastère, puis les créatures Wischtech des catacombes, avant de pouvoir “passer de l’autre côté” et rejoindre le camps des Sept Héros. Car Köinzell ne désire qu’une chose: se venger de ceux qui sont les véritables traitres!
Übel Blatt est une histoire d’héroïc fantasy sombre assez typique comme on l’a vu maintes fois en manga (voir Berserk ou Claymore par exemple): pleine de jeunes filles en détresses légèrement vêtu ou d’héroïnes à la poitrine opulente (pour justifier un peu de nudité), de grandioses combats d’épée en grande éclaboussures de sang, de techno-magie, de monstres “maléfiques” hideux, de trahisons, de courage, de sacrifices, avec un beau héros elfique adolescent! C’est tout de même bien écrit et intéressant (pour autant que je puisse juger avec un seul volume). Toutefois, ce qui a initialement attiré mon attention c’est surtout la qualité du dessin, qui est très détaillé, sombre, assez dynamique mais demeure quand même compréhensible. Le design des personnages et des créatures est attrayant. L’ensemble — le style riche et épique, une histoire captivante et prometteuse — fonctionne assez bien pour créer une lecture agréable, qui nous en fait désirer plus. Intéressant.
Übel Blatt, vol. 1, par Etorouji SHIONO (traduction: Ryoko Akiyama). Paris, Éditions Ki-oon, juillet 2007 (réimprimé en avril 2011). 13,0 x 18,0 cm, 226 pg., 7,65 € / $13.95 Can. ISBN: 978-2-915513-68-4. Lecture dans le sens japonais (de droite à gauche) et recommandé pour jeunes adultes (16+ due à du gore, de la nudité et de la violence).
Continuez après le saut de page >> J’ai déjà pas mal tout dis ce que je pensais de cette série dans mon commentaire du premier volume. Dans le second volume, Jésus et Bouddha continue leurs vacances sur terre, dans la banlieue de Tokyo. Au chapitre 9, Holy birthday, Jésus & bouddha célèbre la noël et bouddha tente de faire une surprise à Jésus pour son anniversaire mais la propriétaire de l’immeuble casse leur party. Au chapitre 10, Auto-sanctification, ils passent le jour de l’an au temple et à jouer à des jeux de société. Au chapitre 11, Hospital fever, Bouddha tombe malade après avoir médité trois heures en manches courtes dans la neige et Jésus tente de montrer qu’il est responsable en s’occupant de lui. (ci-contre, page 56) Au chapitre 12, Un prince trop bien portant, Bouddha a pris du poids durant les fêtes et le duo décide de faire de l’exercice. Au chapitre 13, Le parc le plus proche du paradis, le duo passe un bel après-midi au parc. Au chapitre 14, Pèlerinage, Bouddha amène Jésus à la terre sainte des geeks, Akihabara, où Jésus espère qu’ils achèteront un nouvel ordinateur mais Bouddha, lui, désire magasiner un autocuiseur de riz! Finalement, au chapitre 15 (Coupe, ablutions et un peu de vin), Jésus et Bouddha se coupent les cheveux mutuellement et vont ensuite au bain public où Jésus, rigolant trop suite à une de ses blagues nulles, transforme l’eau du bain en vin!
Page 12 (à gauche) et page 63 (à droite)
Bon, Les vacances de Jésus et Bouddha c’est un manga très hilarant et original au début mais on s’en lasse rapidement. Et je dois dire que j’en ai beaucoup arraché à essayer de lire les textes qui sont souvent un peu trop petits pour mes vieux yeux (il me faudrait une deuxième paire de lunettes ou une loupe!). Au point où je me trouvais des excuses pour ne pas lire (j’ai donc pris du retard dans mes lectures). J’aurais beaucoup plus apprécié ce manga s’il avait été publié dans un format un peu plus grand et avec un meilleur lettrage. Enfin, c’est tout de même rigolo et je le recommande mais, moi, j’ai abandonné l’idée de lire le volume trois et les suivants…
Les vacances de Jésus et Bouddha, vol. 2, par Hikaru Nakamura (traduction: Étienne Robert). Paris, Kurokawa, septembre 2011. 12,8 x 18,2 x 1,2 cm, 128 pg., 6,70 € / $11.95 Can. ISBN: 978-2-351-42588-6. Lecture dans le sens japonais (de droite à gauche) et recommandé pour jeunes adultes (14+).
“Une impératrice de charme au coeur d’or. XVIIIe siècle sur l’île de la Martinique, la jeune Rose Tascher de la Pagerie grandit entourée d’une famille aimante. Jeune fille issue de la noblesse, elle vit librement et simplement, bien loin des conventions et du faste de la vie parisienne. En 1779, à 16 ans, elle est mariée au vicomte de Beauharnais. Commence alors pour la jeune fille un dur apprentissage de la vie, entre un mari volage qui la délaisse et l’isolement dans un pays qu’elle ne connaît pas, la jeune femme s’endurcit sans jamais se départir de la bonté et de la générosité qui la caractérise. Elle va bientôt reconquérir sa liberté et son indépendance, mais en attendant, les prémices de la Révolution grondent déjà dans Paris…” [texte du site de l’éditeur]
“La BD s’expose au Musée: 15 artistes de La Pastèque inspirés par la collection. Dans le cadre du 15e anniversaire de la maison d’édition La Pastèque, le Musée présente une exposition gratuite et originale mettant en vedette quinze des bédéistes qui ont fait le succès de l’éditeur au fil des ans : La BD s’expose au Musée – 15 artistes de La Pastèque inspirés par la collection. Après une visite au MBAM et des recherches dans sa base de données, Isabelle Arsenault, Pascal Blanchet, Paul Bordeleau, Pascal Colpron, Cyril Doisneau, Patrick Doyon, Jean-Paul Eid, Pascal Girard, Réal Godbout, Janice Nadeau, Michel Rabagliati, Marc Simard, Rémy Simard, Siris et Leif Tande ont chacun choisi une œuvre de la collection dont ils se sont ensuite inspirés pour créer un récit inédit.”
L’exposition se tient du 6 novembre 2013 au 30 mars 2014 au Pavillon Jean-Noël Desmarais (Niveau 3). L’entrée est libre en tout temps.
Hayao Miyazaki avait pourtant annoncé sa retraite, mais deux mois plus tard on le surprend à travailler sur un manga! Je suppose qu’il prenait sa retraite de production d’animation seulement et que, maintenant qu’il du temps à lui, il se remet sur les choses qu’il voulait vraiment produire.
L’émission de télé de la NHK Professional Shigoto no Ry?gi (style de travail professionnel) a montré Miyazaki en train de dessiner un manga de samurai! “Miyazaki a affirmer vouloir dessiner des histoires sur la période des Royaumes combattants du Japon (Sengoku) et autres histoires qui ne peuvent être classifiées”. Cette histoire sera prépublié dans un magazine qui n’a pas encore été identifié [MàJ 12/09: il s’agirait de Model Graphix] et Miyazaki le fait sur une base bénévole, c’est-à-dire qu’il ne désire pas être rémunéré. Le style du manga ressemble beaucoup au style riche et chargé qu’il a utilisé pour son vieux manga de Nausicaä de la vallée du vent.
The tenth Unshelved collections, Bibliovores, “begins where Too Much Information left off, with the birth of Dewey’s adorable daughter, Trillian. It also features: The on-the-job education of Mallville Public Library’s newest employee, Dyna the clerk; Dewey explaining plagiarism to an unrepentant Merv; The mystery patron who won’t leave the bathroom; Dewey’s NDA review copy of a hot new YA novel by his favorite author; Library Day Camp; Staff self-assessments; and much more!”
“In addition to daily comic strips [published on the website between December 5th 2011 and March 28th 2013], Bibliovores features Dewey’s Secret Origin, Conference Tips, and the 12 page classic comic epic What Would Dewey Do @ BEA? It’s the same compact size as Too Much Information and Large Print, but this time around [there’s] six months worth of color strips.” [Text from the publisher’s website]
As I have previously announced, Overdue Media released in June a tenth Unshelved compilation titled Bibliovores. Unshelved is a web comic that tells the daily misadventures of Dewey and his co-workers at an American dysfunctional library. It’s a kind of sitcom in a comics format where’s the backdrop is set in a library instead of someone’s apartment. The various awkward or absurd situations are generally hilarious (even if you don’t work in a library or don’t know much about its world, although I admit it helps).
I already introduced the webcomics in 2008, then commented on Reader’s Advisory in february 2010, on Large Print in september 2010 and talked about the release of Too Much Information in january 2012, so there’s not much more I can say about this new book. It’s equal to the others, not always funny but worth reading (particularly for me since I very often recognized situations I’ve found myself in). Unfortunately, the book doesn’t feature the “Unshelved Book Club” pages, but this volume still has forty pages in color. Even if you can read this comics online, I generally order the book from Amazon just to encourage the creators.
My top ten favourites (plus one bonus): Unshelved Vol. 10: Bibliovores, by Gene Ambaum and Bill Barnes. Seattle, Overdue Media, 2013. 21.8 x 17 cm, 120 pgs., $11.95 US / $12.95 CDN. ISBN-13: 978-1-937914-04-2.
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«Papa, c’est quoi cette plante ?» (page 2-3)
Au supermarché, Hana convainc son père d’acheter un petit plant de tomate rachitique. Elle le rempote, l’arrose, le protège des chenilles et il grandit. Hana aime s’occuper des plantes, peut-être parce que son nom veut dire “fleur” en japonais. L’été venue, elle se rend chez sa grand-mère et, contre l’avis de ses parents, amène son plant avec elle. Tout de suite grand-mère lui propose de la replanter dans son jardin. Elle grandira mieux en pleine terre mais restera plus petite que les autres plants de tomates car c’est une variété de tomates cerises. Au bout de quelques jours, des fleurs jaunes apparaissent, puis deviennent de petites tomates vertes. Bientôt, elle pourrons être mangées.
Un soir, la météo annonce un terrible typhon, alors Hana et sa grand-mère plantent des piquets pour attacher les plants. Pendant la nuit, Hana est inquiète mais le lendemain le soleil est de retour et les plants, quoique secoués par les vents violents, ont survécu. Deux jours plus tard, Hana cueille et goûte à sa première tomate, toute rouge et chaude de soleil. Quand ses parents viennent la chercher, Hana et grand-mère leur prépare un merveilleux festin avec le fruit du potager: tomates, carottes, concombres, radis, et pommes accompagnés de chrysanthèmes et de sushis. Ils reviendront à la maison avec un carton rempli de tomates, et Hana se demande ce qu’elle fera pousser l’an prochain.
Gauche: “Un matin, catastrophe, Hana s’aperçoit qu’il y a de petits trous dans les feuilles” (pg 5)
Droite: «Est-ce que tu crois que les tomates ont peur, elles aussi ?» (pg 19)
C’est une très belle histoire qui enseigne aux enfants la valeur de la terre et du jardinage. C’est aussi très bien illustré, avec une technique peut-être un peu classique pour ce genre d’album mais qui donne un très beau résultat. Si l’auteur vit maintenant à Paris, elle illustre tout de même des scènes typiques de la vie quotidienne japonaise, telle que le supermarché, la campagne avec ses maisons aux toits de tuiles, les intérieurs japonais avec leur tables basses, les tatamis et les futons, l’utilisation de bambou dans le jardins et la préparation des repas où les fruits et légumes sont sculptés et présentés avec du feuillage et des fleurs. L’album peut donc aussi constituer une introduction è la culture japonaise. J’aime bien.
La fête de la tomate, écrit et illustré par Satomi Ichikawa. Paris, L’École des loisirs, octobre 2012. 22 x 27.2 x 0,8 cm, 30 pg., 13,20 € / $19.95 Can. ISBN: 978-2-211-21139-0. Recommandé pour les enfants de 5 à 7 ans.
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Situé dans l’univers de Madame Mo, créé en 2003 par Agnès Lafaye et Pascale Moteki pour illustrer des objets inspirés de la tradition japonaise, ce livre pour enfants nous introduit aux fêtes japonaises. Il y a une fête pour chacun des mois de l’année et chacune nous est présentée à l’aide d’une petite histoire, d’une activité de bricolage et d’une recette. Ainsi, pour janvier, où l’on fête le nouvel an japonais (Oshogatsu), les auteurs nous racontent ce que les personnages font cette journée là, puis nous présente le jeu Fukuwarai (où les joueurs doivent épingler les différentes parties du visage (comme les yeux, les sourcils, le nez et la bouche) sur un dessin de face vierge) et une recette de Oyako don (Omelette au poulet sur bol de riz). Les fêtes pour le reste de l’année sont en février: chasser les mauvais esprits (Setsubun); mars: la fête des poupées (Hina Matsuri); avril: fête des cerisiers en fleur (Hanami); mai: la fête des garçons (Kodomo no Hi); juin: saison des pluies (Tsuyu); juillet: fête des étoiles (Tanabata Matsuri); août: fête des ancêtres (O-Bon); septembre: fête de la lune (O-Tsukimi); octobre: fête du sport dans les écoles (Undokai); novembre: fête des enfants (Shichi-go-san); et décembre: denier jour de l’année (O-Misoka).
Ce n’est pas le genre de livre que l’on lit d’un bout à l’autre mais plutôt une référence que l’on utilise pour introduire la culture japonaise aux enfants en leur lisant une histoire chaque mois et leur présentant des activités thématiques culinaires ou ludiques en relation avec la fête du mois. C’est une très bonne façon de développer la diversité culturelle des jeunes tout en s’amusant. Les illustrations sont simples et très colorés, mais le style des personnages de l’univers de Madame Mo est un peu excentrique (“personnages dotés d’une tête surdimensionnée avec un oeil plus grand que l’autre”). C’est un livre très amusant, riche en idées et en information.
Continuez après le saut de page >> J’ai découvert Amélie Nothomb avec le superbe film Stupeur et tremblements d’Alain Corneau (IMdB, bande annonce et extraits sur Youtube). Jusqu’alors, je ne sais pourquoi, j’avais cru qu’elle était une auteur américaine ou britannique, très populaire, qui parlait bien français (un peu comme Kristin Scott Thomas) et qui était un peu dingue. Le film m’avait intrigué parce qu’il traitait du Japon et que je croyais le réalisateur québécois. Après avoir visionné le film (que j’avais emprunté à la bibliothèque) j’étais suffisamment impressionné pour faire quelques recherches et découvrir que non seulement Corneau était français mais encore que le film était basé sur le roman très autobiographique de Nothomb, qui était en fait une auteur belge, quoique plutôt excentrique et névrosée! Comme quoi qu’on ne peut pas toujours être dans l’erreur.
Son père étant diplomate belge en poste au Japon, Amélie Nothomb est née dans l’archipel nippon, plus précisément dans la banlieue de Kobe. Elle y passa les cinq premières années de son existence. Elle fut extrêmement traumatisée lorsque son père fut relocalisé en Chine, puis ailleurs, et qu’elle dû quitter ce Japon tant aimé. Pendant “les années qui ont suivi cet exil, j’ai souffert au-delà du dicible” nous dit-elle. Toutefois, vers le milieu des années ’90, elle décida d’y retourner et se trouva un emploi de traductrice dans une firme Japonaise à Tokyo. C’est là qu’elle vécu l’enfer corporatif nippon, où les salaryman et les ?eru sont cruellement abusé pendant les premières années de leur service, afin de les “briser” et qu’ils deviennent les employés serviles, malléables et robotisés typiques du Japon. Elle survécut en se jetant mentalement dans le paysage urbain tokyoïte et en découvrant l’écriture où elle épanchait ses frustrations. Elle finit par raconter cette expérience dans le roman Stupeur et tremblements (qui fut très mal reçu au Japon), qui éventuellement devint aussi un film. Elle cru qu’elle ne reviendrait jamais au Japon…
J’ai eu vent pour la première fois de La nostalgie heureuse en lisant un article dans Le Monde (et éventuellement un autre dans le Huffington Post) qui annonçait un documentaire de France 5 où l’équipe de télévision suivait Amélie Northomb alors qu’elle effectuait un retour au Japon. Intitulé “Amélie Nothomb, une vie entre deux eaux”, le reportage de cinquante-deux minutes réalisé par Luca Chiari nous montre une Amélie Nothomb qui, au printemps 2012, retrace ses souvenirs d’enfance, retrouve sa nounou Nishio-san, son fiancé Rinri, elle visite le quartier de sa jeunesse à Kobe, son école primaire, le pavillon d’or, une pièce de théâtre Nô, la corporation où elle travailla à Tokyo, et même le village dévasté de Soma près de Fukushima.
Elle se rassure: ses souvenirs, s’ils sont un peu devenu fiction par le processus littéraire, sont néanmoins réels; elle a bel et bien vécu son enfance au Japon. Et surtout, en un rare interview du genre, elle se confie. Elle nous parle de la correspondance qu’elle entretiens avec ses lecteurs, de l’agression sexuelle dont elle a été victime au Bangladesh, de l’anorexie qui l’affligea adolescente, de ses démons intérieures et que “l’écriture est un moyen de me vider de toute la souillure que je contiens.” On découvre un personnage tourmenté né de l’instabilité d’une vie nomade, en proie à une profonde crise d’identité et d’estime de soi, à des angoisses sans fin. Tout “cela a développé un attachement au langage et, par conséquent à la littérature. Le langage était ma seule conscience stable. Le mot c’est vraiment la chose. C’est aussi pour cela que j’ai tellement besoin d’écrire” L’écriture est sa thérapie, la façon d’exprimer sa musique intérieure.
La nostalgie heureuse est le pendant littéraire à ce voyage cathartique. Elle relate le déroulement du tournage, nous fait de nouvelles révélations (entre autre elle développe beaucoup plus sur ses retrouvailles avec Rinri, qui avait refusé de prendre part au reportage télévisé) mais passe plusieurs éléments du reportage sous silence. Elle entr’ouvre encore un peu le voile sur son processus de pensée intérieur, sur ses souffrances personnelles. Elle exprime une profonde nostalgie, dont on ne sais pas trop si elle est traumatique ou heureuse. Et je me demande quelle est la différence entre un roman autobiographique et une simple autobiographie. Cela veut-il dire que le récit est romancé et, si oui, dans quelle mesure?
Je comprend bien pourquoi Amélie Nothomb est une auteur si populaire. On sympathise et on s’identifie un peu à elle. Après tout nous avons tous nos moments sombres, nos craintes et nos démons intérieurs. Une douce folie. Une soif de rédemption par l’écriture passive ou active. Mais je dois toutefois avouer qu’elle est un personnage incroyablement égocentrique. Toutes ses histoires sont autobiographiques à un niveau ou à un autre, et elle fait la couverture de tout ses livres! Par contre, elle a une belle écriture, simple et fluide, qui est empreinte de beaucoup d’images. La nostalgie heureuse est un livre intime, beau et touchant que j’ai lu d’une seule traite en un peu plus d’une heure (c’est assez court, cent-cinquante-deux pages mais en caractère plutôt gros). Je le recommande. Pour ma part, je suis intrigué et aimerais bien en lire plus. Elle a écrit une vingtaine d’autres ouvrages. Trouverais-je le temps?
Continuez après le saut de page >> Le court récit de cet album pour enfants nous raconte l’histoire d’un chat errant qui avait la particularité de parfois lever la patte droite, comme si il souhaitait la bienvenue aux gens. C’était un bobtail japonais principalement de couleur blanche mais avec une queue noir et orange. Il fut recueilli par le moine d’un temple en ruines qui le nomma Tama, en souvenir de son enfance sur les rives du fleuve Tama. Un jour, durant un violent orage, un seigneur avait cherché refuge sous les branches d’un magnifique cerisier en fleur. Le cerisier lui semblait un meilleur abris que le temple délabré, mais voyant le chat sur le seuil du temple qui semblait l’inviter à entrer, il changea d’avis. Aussitôt la foudre frappa le cerisier et une grosse branche s’écrasa lourdement à l’endroit où le seigneur se tenait quelques instant plus tôt. Pour remercier le chat qui lui sauva la vie, le seigneur fit restaurer le temple et fit de généreuses donations de sorte que le moine et le chat ne fûrent plus jamais dans le besoin. Le chat porta chance et apporta le bonheur tant au seigneur qu’au moine. C’est pourquoi il est honoré en tant que Chat du Bonheur.
Cette histoire n’est qu’une des nombreuses légendes qui expliquent l’origine du Maneki Neko (??? / littéralement le “chat qui invite”) dont on retrouve la représentation dans une grande variété de formes dans la plupart des boutiques et restaurants Japonais ou même du Chinatown. L’origine du geste provient du chat qui se lave l’oreille, qui s’apparente au geste japonais d’invitation, d’où l’idée du chat qui invite le bonheur. Dans l’émission Must Love Cats (en anglais, qui donne pour origine la légende de la vieille femme d’Imado), on explique que si le chat lève la patte droite il apportera la chance et si c’est la gauche il apportera la fortune (financière) et que parfois il lève les deux (ou même les quatre pattes)! Dans la postface de ce livre pour enfants, l’auteur explique qu’elle a choisit de raconter la variante du chat du temple, qui date du début de l’ère Edo, parce que c’est la plus populaire. Le temple serait celui de Gotokuji et le seigneur serait Naotaka Ii.
C’est un beau conte, bien écrit mais illustré plutôt sobrement, qui raconte un aspect intéressant de la culture japonaise. Je le recommande. Le site de l’éditeur comporte un extrait des dix premières pages du livre si vous désirez en avoir une meilleur idée avant d’en faire l’achat — quoiqu’il est également disponible en bibliothèques.
Continuez après le saut de page >> J’ai déjà introduit dans des billets précédents la collection de classiques de la littérature de East Press, Manga de Dokuha, ainsi que le second volume de cette série, La Bible (2): Le nouveau testament (oui, je sais, j’ai lu le second volume en premier mais c’est lui qui était disponible en premier). Je serai donc plutôt bref dans mon commentaire.
La Bible (vol. 1): L’Ancien Testament (??????????? / Manga de Dokuha: Ky?yaku Seisho / littéralement “Lisez en manga: L’Ancien Testament de la Bible”) est un manga seinen publié en novembre 2010 par East Press dans la collection Manga de Dokuha. Peu de détails sont connu sur le studio Variety Art Works qui a fait l’adaptation des textes et le dessin de ce manga qui se veut, comme tout les autres volumes de la collection, une sorte de condensé (style Readers’ Digest) de la Bible pour un public japonais qui n’en connait rien. Il ne s’agit pas ici de propagande religieuse mais simplement d’une introduction au texte originale (“un écrit religieux en même temps qu’un trésor d’histoires très variées qui abondent de détails et de savoirs divers” comme le précise le manga en conclusion), qui offre au lecteur un point de départ qui lui permettra ensuite, si il le désir, “d’aller jusqu’au texte d’origine.” [à droite: page 13, Dieu crée Adam et Eve]
En occident, l’histoire de l’Ancien Testament est relativement bien connue (ne serait-ce que par les nombreux films bibliques qui jouent à la télé chaque année à Pâques ou à Noël). Je me permet néanmoins un petit rappel. L’Ancien Testament est composé de nombreux livres (dont le nombre varie selon les différents canons), divisés en quatre grandes parties: le Pentateuque (Genèse, Exode, Lévitique, Nombres et Deutéronome), les livres historiques (Josué, Juges, Ruth, Samuel, Rois, Chroniques, Esdras, Néhémie, Esther, Tobie, Judith, Maccabées), Poésies et Sagesses (Job, Psaumes, Proverbes, Ecclésiaste, Cantique des Cantiques, Sagesse de Salomon, Ecclésiastique), et les prophètes (Isaïe, Jérémie, Lamentations, Baruch, Ezéchiel, Daniel, et les Douze). Ce manga s’attarde surtout sur le Pentateuque (la Genèse et l’Exode) et les livres historiques qui racontent l’histoire du peuple d’Israël depuis son entrée en Terre Promise avec Josué jusqu’à l’exil à Babylon. [à gauche: page 19, Caïn et Abel font des offrandes à Dieu]
Le manga se divise en quinze chapitres. Il s’ouvre avec un prologue (p 5-11) qui explique brièvement ce qu’est l’Ancien Testament (un peu comme je viens de le faire), puis enchaîne avec la Génèse (p. 12-17: la création, Adam & Eve). Il poursuit avec Caïn et Abel (p. 18-25), puis l’arche de Noé (p. 26-41), la tour de Babel (p. 42-47), Abraham (p. 48-64), Sodome et Gomorrhe (p. 65-72), Isaac le sacrifié (p.73-82, où Dieu demande à Abraham de sacrifier son fils [image à droite]), Esaü et Jacob (p. 83-89), Joseph en Egypte (p. 90-113) et termine le récit du Pentateuque avec un très long chapitre sur l’Exode (p. 114-237, où Moïse libère son peuple de l’Egypte, reçoit les Dix Commandements et construit l’Arche d’Alliance). Josué (p. 238-257) lui succède et conquiert les territoires allant de Jéricho à Canaan. Puis aux temps des Juges, Gédéon (p. 258-282) poursuit la conquête de la terre promise. Un dernier gros chapitre, Le temps des Rois (p. 283-374), nous raconte brièvement l’histoire de Saul (qui défend et protège Israel), David (qui y apporte la prospérité) et Salomon (qui rend des jugement juste envers son peuple). Le tout se termine avec un prologue (p. 375-382) qui raconte en quelques pages que par la suite le royaume, affaiblit, fut divisé puis conquit par Babylone. Libéré par la conquête Perse, les israélites reprennent foi en leur Dieu qui leur envoie de nombreux prophètes et, finalement, le Messie.
Pages 194-95: Moïse sépare les eaux de la Mer Rouge pour échapper à l’armée du Pharaon
Toute cette histoire est plutôt violente et très répétitive: Dieu choisit un homme pour diriger son peuple, ce chef fait un bon travail jusqu’à ce qu’il tourne le dos à Dieu en commettant quelque péché, le chef disgracié amène la misère sur son peuple qui est conquit, puis libéré, puis le repentir amène un nouvel âge d’or. On rince et on recommence inlassablement. C’est un peu ennuyeux à lire, quoique c’est pas mauvais de se faire rappeler toute cette vieille histoire. Mais, bon, c’est pas ma période préférée. Par contre, j’ai beaucoup plus apprécié ce volume comparativement au second (le Nouveau Testament), dont j’avais trouvé le dessin plutôt moche, car justement le dessin de celui-ci est plutôt bien (bon, on s’entend, c’est tout de même pas un chef-d’oeuvre). Dans l’ensemble, c’est un manga amusant et didactique qui mérite d’être lu si vous êtes curieux ou désirez rafraîchir vos connaissances bibliques (quoique ça reste au niveau de base, la Bible 101 en quelques sortes, et en super accéléré).
La Bible (vol. 1): L’Ancien Testament, par Variety Art Works (traduction: Anne Mallevay). Toulon, Soleil Manga (Coll. Classiques), septembre 2012. 12,8 x 18,2 x 2,7 cm, 224 pg., 8,99 € / $16.95 Can. ISBN: 978-2-30202-242-3. Lecture dans le sens occidental (de droite à gauche) et recommandé pour jeunes adultes (14+).
“Le plus grand respect de l’oeuvre originale a présidé à l’édition de Gen d’Hiroshima, tant dans la première édition qu’en a proposé Vertige Graphic que dans cette édition à format réduit. Ainsi, le sens de lecture japonais a été conservé, afin de garder la conception graphique de l’auteur. Les panneaux ou bandeaux comportant des inscriptions sont restitués tels quels et traduits en note. De même, la forme des bulles originales a été sauvegardée, en dépit des problèmes posés par des bulles verticales dans lesquelles un texte plutôt horizontal doit être inséré. Cette réédition en plus petit format ne nuit nullement à la qualité de l’oeuvre, puisqu’elle se rapproche du format dans lequel Gen a été originellement publié au Japon.”
“Ce premier volume est accompagné de l’introduction qu’Art Spiegelman, le célèbre auteur de Maus, avait rédigée pour la version américaine, qui montre bien l’impact considérable de Gen d’Hiroshima lors de sa première parution en Occident.” [ Texte de l’Avant-propos de l’éditeur ]
Continuez après le saut de page >> Au début d’août, au moment de l’anniversaire du bombardement d’Hiroshima, NHK World a présenté un reportage (dans le cadre de l’émission “Today’s Close-up”) sur Gen d’Hiroshima et son créateur, Keiji Nakazawa (le reportage est disponible dans son intégralité sur Youtube). Cela m’a incité à en lire tout au moins le premier tome (ce que je me promettais depuis longtemps). Il est étrange que ce titre, pourtant considéré comme un classique, n’ait jamais été publié par les grands éditeurs de manga mais par de petits éditeurs ou des éditeurs mainstream qui n’ont pas su en faire la mise en marché proprement — et ce tant en français qu’en anglais. Je possède l’une des premières éditions anglaise du premier tome (New Society Publishing, 1987), mais j’ai préféré en emprunter la version française à la bibliothèque afin de la commenter car je la considère plus intéressante et plus respectueuse de l’original.
Gen d’Hiroshima (?????? / Hadashi no Gen / lit. “Gen aux pieds nus”) voit le jour au Japon lorsque Keiji Nakazawa (qui est déjà un mangaka professionnel depuis 1963) publie Ore wa mita [“Je l’ai vu”, qui sera publiée en anglais par EduComics en janvier 1982], un court récit autobiographique d’une cinquantaine de pages, dans le numéro d’octobre du magazine Monthly Sh?nen Jump. L’histoire est si bien reçu que l’éditeur lui propose d’en faire une série qui sera prépublié en feuilletons dans Weekly Sh?nen Jump (1973-74). Cependant, après avoir été abandonné par Shueisha, son éditeur, c’est Chuokoron-Shinsha qui le publiera en volumes (tank?bon) en 1975 et la prépublication en feuilletons se poursuivra dans divers petits magazines intellos (1975-85, Shimin [Citoyen], Bunka Hy?ron [Critique Culturelle] et Ky?iku Hy?ron [Critique d’Éducation]).
Gen d’Hiroshima a d’abord été traduit en anglais par Project Gen, un groupe d’étudiants pacifistes de Tokyo formé en 1976 (Yukio Aki, Alan Gleason [fondateur du groupe qui fera plus tard, entre autre, des traductions pour Dark Horse, tel que Oh My Goddess!], Ann Gleason, Yuko Kitaura, Katsuhiko Mochizuki, Hiroyo Mori, Masahiro Oshima, Noriko Oshima, Leonard Rifas [fondateur du petit éditeur EduComics], Frederik L. Schodt [auteur d’ouvrages sur les manga et sur Osamu Tezuka, traducteur des romans de Gundam, entre autres], Akiko Sugiura, Toshihide Suzuki). Il est publié pour la première fois en anglais par EduComics (et c’est d’ailleurs le premier manga a avoir été traduit dans une langue européenne [Schodt, Manga! Manga!, p. 238]) mais seulement deux fascicules en format “comics” paraitront (1980-81). Cette publication connait un succès critique fracassant mais cela fut loin d’être une réussite commerciale. EduComics eut un peu plus de succès avec la publication de I Saw It (1982), en y ajoutant de la couleur et des ombrages pour y donner une apparence plus familière au public américain, mais toute la controverse autour du sujet a presque détruit le petit éditeur [Schodt, Dreamland Japan, p. 309]. La publication fut reprise plus tard (1987-88) par New Society Publishing, cette fois en format livre (graphic novel), mais s’arrêta après seulement quatre volumes [Adams, p. 94]. Penguin en publia aussi quelques volumes. L’édition actuelle par Last Gasp (2003-10), qui y ajouta une introduction par Art Spiegelman, est finalement complète (dix volumes, quoique le premier est pour l’instant épuisé).
Pour ce qui est de l’édition française, Gen d’Hiroshima fut d’abord publié par Les Humanoïdes Associés en 1983 (mais seulement un volume de deux-cent pages). Ce fut d’ailleurs le premier manga publié en France. Albin Michel fit également une tentative (un volume titré Mourir pour le Japon) en 1990. C’est finalement Vertige Graphic qui publiera la série au complet (2003-11), à la fois en grand format (17 x 24 cm) et en format poche. Certains tomes de la version poche sont manquants mais on me dit qu’ils seront réimprimés en 2014. Je ne peux malheureusement pas vous donner de lien direct vers le catalogue de Vertige Graphic car leur site est en construction et, pour l’instant, seulement une vingtaine de titres y apparaissent (il en manque encore une bonne centaine, dont Gen d’Hiroshima) mais le site devrait être à jour vers la fin octobre.
Inspiré par Shin Takarajima de Tezuka, Keiji Nakazawa commence à dessiner dès le milieu des années cinquante, vers l’âge de quinze ans. Il déménage à Tokyo en 1961 pour devenir mangaka et se trouve un travail d’assistant. Il publie sa première histoire, Spark 1, dans Sh?nen Gah? en 1963. Il publiera dans d’autres magazines mais sans beaucoup de succès. Ce n’est qu’en 1966, à la mort de sa mère, qu’il revient à Hiroshima et découvre sa vocation. Il est choqué tant par le fait que le US Atomic Bomb Casualty Committee avait réquisitionné le corps de sa mère pour en faire l’autopsie afin d’étudier les effets des radiations [Adams, p. 92], que par la constatation qu’après la crémation il ne restait plus que des cendres de ses os (un effet du césium qui affaiblit la structure osseuse). “Je me sentais comme si ma mère me disait de transmettre au monde entier la vérité sur la bombe” [Gravett, p. 57]. Il confronta donc ses souvenirs et utilisa son travail de mangaka pour décrire l’indicible horreur d’Hiroshima et de ses conséquences.
Nakazawa commence donc à produire des histoires anti-guerres. Il en publiera huit, dont Kuroi ame ni utarete (Sous la pluie noire, 1968), Aru hi totsuzen (Soudain un jour, 80 pages, 1970) et Ore wa mita (Je l’ai vu, 46 pages, 1972). Avec cette dernière, il en vient à un point tournant où, après avoir raconté des histoires de survivants (appelés hibakusha), il nous offre son propre témoignage et décrit comment, à l’âge de six ans, il a survécu au bombardement d’Hiroshima, la perte son père, son frère cadet et de sa soeur dans l’incendie qui suivi, et comment tout cela l’amena à devenir un mangaka anti-guerre [Schodt Manga! Manga! p. 155]. Après avoir écrit des histoires de plus en plus longues, Nakazawa s’attaque maintenant à une série. Avec Hadashi no Gen (1973-85) il reprend sa propre histoire mais en se concentrant seulement sur son enfance. Il modifie le récit, l’étend considérablement (totalisant près de deux mille pages!) et change les noms [Adams p. 90]. Keiji devient alors Gen, qui signifit “racine”. Nakazawa espère ainsi que son récit fera germer chez ses lecteurs une compréhension de la guerre et de ses atrocités, les inspirant à travailler pour la paix. Le manga engendrera également trois long-métrages, un film d’animation et même un opéra.
L’histoire du premier volume de Gen d’Hiroshima est entièrement consacrée à décrire les conditions de vie quotidienne de la population japonaise durant les dernier moments de la guerre: le rationnement et la pénurie de nourriture, la pauvreté et la misère, les entrainements quotidiens (et futile) avec des lances de bambou, la constante propagande et répression militaire, la cruauté des entrainements militaires, le mépris pour la vie des jeunes soldats et l’entêtement dans une guerre sans espoir [Schodt Manga! Manga! p. 75; Thompson p. 21]. La souffrance de la famille de Gen est d’autant plus grande que le père est un artiste ouvertement pacifiste qui s’insurge contre le privilège des riches, l’injustice faite aux coréens et critique le militarisme excessif, ce qui, en temps de guerre, équivaut à la trahison. Ils seront donc ostracisés et persécutés tant par leur voisins que par la police [Schodt Manga! Manga! p. 238]. Je ne doute pas de la véracité de ces dures conditions car ma femme m’a raconté que la famille de son père (heureusement trop jeune pour être conscrit) devait cultiver du riz pour les soldats mais ne pouvait en manger car la population n’avait droit qu’aux patates!
Les volumes subséquents traitent surtout de la souffrance des hibakusha. Les “chanceux” qui ont survécu à l’explosion et aux radiations doivent maintenant faire face à la famine, au désordre social (incluant la monté du crime organisé et les marchés noirs qui en découlent), à l’indifférence de l’occupant américain et, surtout, à la discrimination que leur condition de “contaminés” leur fera subir pour le reste de leur existence [Schodt Manga! Manga! p. 238]. Par la suite, dans l’espoir sans doute d’accroitre la popularité de son oeuvre, Nakazawa consacre un peu plus de temps aux gamineries espiègles des jeunes survivants désoeuvrés. Malgré cela, la représentation réaliste et parfois trop “graphique” de la dureté des conditions des survivants et des effets de la bombe [Schodt Manga! Manga! p. 238], de même que la critique qu’il fait tant du militarisme japonais que des comportements de l’occupant lui vaudront des objections sérieuses venant des deux côtés du Pacifique [Adams p. 92], ce qui nuira beaucoup à la diffusion de son oeuvre. La controverse se poursuit même de nos jours, alors qu’une commission scolaire du sud-ouest du Japon a décidé de retirer le manga des bibliothèques de ses écoles primaires et secondaires à cause de la représentation de la brutalité commise par les troupes japonaises (certains d’ailleurs nient que ces atrocités aient même eu lieu) [ANN, The Asahi Shimbun].
Gen d’Hiroshima est un drame historique, un manga documentaire, qui nous offre une histoire extrêmement émouvante ainsi qu’un message pacifiste puissant et universel [Schodt Manga! Manga! p. 238; Thompson p. 21]. On y retrouve le même style caricatural que chez les autres mangaka de sa génération (Ishinomori, Mizuki, Tatsumi, Tezuka), simple mais très expressif, “stylisant les émotions les plus dramatiques” [Manga Dico p. 372], mais qui n’est pas apprécié de tous puisque certains qualifient son dessin de “médiocre et empesé” [Groensteen p. 112]. Son style narratif est assez fluide. Malgré le sujet, il ne cherche pas a impressionner mais présente simplement les faits, variant les éléments de l’histoire pour conserver l’attention du lecteur. Il évite la dramatisation outrancière en contre-balancant d’une bonne dose d’humour, certaines scènes de bagarres approchant même le burlesque, et sait faire preuve de techniques narratives plus complexes (comme lorsqu’il marque le temps en représentant régulièrement le soleil–symbole impérial japonais–qui emplit la case).
L’édition anglaise de Last Gasp offre une excellente traduction, une bonne qualité d’impression et de papier mais malheureusement les planches ont été inversées afin de présenter l’histoire dans le sens de lecture occidental (de gauche à droite). Pour cette raison, je préfère l’édition française en format de poche de Vertige Graphic, qui nous présente le manga dans sa forme originale. La traduction, par Koshi Miyoshi et Vincent Zouzoulkovsky, est toute aussi bonne (quoique la qualité du papier et de l’impression laisse un peu à désirer). Un seul bémol cependant: pour une raison étrange l’édition française comporte douze pages de moins en fin de volume (j’espère qu’elles se retrouvent au début du volume suivant!).
Nakazawa a conçu Gen d’Hiroshima comme un manga pour enfant (sh?nen), mais la complexité, le sérieux et la dureté du sujet font qu’il est souvent considéré en occident comme un manga seinen, voir un gekiga. Quoiqu’il en soit c’est une lecture incontournable tant par son importance dans l’histoire du manga, que par la valeur didactique de son message pacifiste. Donc, à lire absolument.
Gen d’Hiroshima, vol. 1 (de 10), par Keiji Nakazawa. Paris, Vertige Graphic, 2007. Format poche (13 x 18 x 2 cm), 275 (+ XIII) pg., 9.00 € / $14.95 Can. ISBN: 978-2-8499-9051-3. Sens de lecture Japonais. Recommandé pour adolescents (14+ à cause du language, l’humour grossier, nudité et violence).
Aussi disponible en version anglaise:
Pour plus d’information vous pouvez consulter les sites suivants:
Pour en savoir plus sur ce titre vous pouvez également consulter les entrés qui lui sont consacrées (en anglais) sur Anime News Network, The Comic Journal (un interview et une nécrologie), Goodreads et Wikipédia. En français, j’ai également trouvé un interview et une biographie bien illustrée.
Autres sources:
ADAMS, Jeff. Documentary Graphic Novels and Social Realism. Bern, Peter Lang (Série “Cultural Interactions: Studies in the Relationship between the Arts, vol. 7”), 2008. 214 pg, ISBN 978-3039113620. [cet ouvrage est disponible en partie sur Google Books; voir particulièrement les pages 90-109]
FINET, Nicolas et al. Dico Manga: Le Dictionnaire encyclopédique de la bande dessinée japonaise. Paris, Fleurus, 2008. 624 pg, ISBN 978-2-2150-7931-6.
GRAVETT, Paul. Manga: Sixty Years of Japanese Comics. New York, Harper Design International, 2004. 176 pg, ISBN 978-1-8566-9391-2.
GROENSTEEN, Thierry. L’Univers des mangas. Tournai, Casterman, 1996. 144 pg, ISBN 978-2-2033-2606-4.
SCHODT, Frederik L. Dreamland Japan: Writings On Modern Manga. Berkeley, Stone Bridge Press, 1996. 360 pg, ISBN 978-1-8806-5623-5.
SCHODT, Frederik L. Manga! Manga! The World of Japanese Comics. Tokyo, Kodansha International, 1983. 260 pg, ISBN 0-87011-752-1.
THOMPSON, Jason. Manga: The Complete Guide. New York, Ballantine Books/Del Rey, 2007. 560 pg, ISBN 978-0-345-48590-8.
Finalement, pourquoi ne pas visionner le reportage de NHK World disponible sur Youtube:
The work of Jir? Taniguchi has been repeatedly recommended to me and I must admit that I was bewitched from my first reading. Its superb, precise and poignant style as well as his concise and clever narrative–which always move forward at a very slow and almost contemplative pace–make him a must-artist and the most zen of all mangaka I know! And it is precisely his detailed craftsmanship and profound stories that closely resembles European comics (of which he acknowledges the influence) and that’s probably why he is much more popular in Europe that America.
The Ice Wanderer [????? / T?do no Tabibito / lit. “the tundra’s traveler”], first published in 2004, is no exception and is a superb example of Taniguchi’s talent. It is a collection of six short stories. The overall general theme of this collection is very Japanese and a very dear subject to the author: the respect and communion with nature. This is particularly evident in the last story, “Return to the Sea”. A man is studying whales in Alaska. Following an accident, the whale known as Old Dick saves his life. In fall, after the start of the great seasonal whales migration, Old Dick stayed behind and, like told in Inuit folklore, returned to his origin in the deep sea abyss. The man follow the whale to witness this “death rite” and almost dies himself. This story was first published in Japan in Big Comic Spirits (March 28th, 1994).
As for the first three stories, they deal more with the confrontation against wilderness and the fight for survival. In “The Ice Wanderer”, two men, who are lost in the Klondike region (Yukon) in 1897, owe their survival only to the providential appearance of an old hunter, who tells them a strange legend (first published in Big Comic Original Extra Edition, on July 2nd, 2003). In “White Wilderness”, two explorers travelling in the Yukon river basin (Alaska) to bury one of their companions, are struggling to survive as they are surrounded by wolves (this is a retelling of the first part of Jack London’s White Fang; first published in Big Comic Original Extra Edition, on December 28th, 2003). In “Our Mountains”, at the beginning of the Showa period (in the 20s) in the Senhoku district (Akita prefecture), a man goes on the trail of the bear that killed his son (first published in Big Comic Special Extra Edition, on December 1st, 2002).
The two remaining stories of the collection are distinguishing themselves by focusing more on another theme very dear to the author: they are touching stories telling every day’s life with a kind of urban nostalgia which sometimes feels autobiographical. In “Kaiyose-Jima” (“The island where the wind brings the seashells“, first published in Big Comic Original Extra Edition, on July 1st, 2004) we already find a more human environment. Following his parents’ divorce and his mother’s illness, the young Takashi spends the summer with his uncle in a small fishing village. With Yae-chan, an orphan taken in by his uncle and who taught him to swim, he gradually forgets the grief caused by his mother’s absence. One day, as they were gathering seashells together, a storm pushed their boat out to sea and they have to spend a terrible night on a small island.
In “Sh?kar?” (first published in Big Comic, January 10th, 1998), the story takes place in a more urban environment. Set in the 45th year of the Showa period (1970), it tells of a young mangaka who is influenced by the atmosphere of his new apartment, located in a former brothel. I do not think these two stories break completely with the theme of nature, because here Taniguchi seems to tell us that we can always communicate with our environment, whether it’s natural or urban.
Excerpts from “Our Mountains”; above: pages 127-28; below: pages 129-30
All in all, although this collection of short stories is a bit uneven, it is nevertheless a very good reading. It is worth noting that the work done by Fanfare (for the editing, translation and notes) and Ponent Mon (for the publishing) is excellent. I particularly appreciate that they respected the original format (reading from right to left) and did not flip the art (which unfortunately seems to happen often in North American editions). This is a high quality book (fine printing, good paper and binding) that everyone should read, as it is perfect to get acquainted with the work of Taniguchi.
The Ice Wanderer and other stories, written & illustrated by Jiro Taniguchi, translation by Elizabeth Tiernan and Shizuka Shimoyama. Rasquera (Tarragona, Spain), Fanfare/Ponent Mon, October 2007. B&W, 5.8 x 8.25 x .75 in, 240 pgs. £11.99 / $21.99 US. ISBN: 978-84-96427-33-4. Original Japanese format (right to left). Recommended for older teens (16+).
Also available in French: L’Homme de la Toundra, par Jir? Taniguchi. Casterman (Coll. Sakka), 2006. B&W, 15 x 21 cm, 248 pgs. 11.50 € / $23.95 Can. ISBN: 9782203373846. Recommandé pour jeunes adultes (16+).
For more information you can check the following sites:
To know more about this title you can also check articles on about.com and Anime News Network.
I was recently reminded of the existence of this collection because one of its titles, The Future Is Japanese, is featuring a short story that just won the 2013 Hugo Award for Best Short Story at LoneStarCon 3, in San Antonio, Texas. The short story is “Mono no Aware” by Chinese-American science fiction writer Ken Liu. It “tells the tale of the last Japanese survivor aboard an American space habitat after an asteroid has destroyed the Earth. This is the second story for which Ken Liu has won a Hugo Award”.
The Future Is Japanese, “edited by Nick Mamatas and Masumi Washington, is an anthology collecting science fiction from, and about, Japan, by some of the world’s best genre writers” (Pat Cadigan, Toh EnJoe, Project Itoh, Hideyuki Kikuchi, Ken Liu, David Moles, Issui Ogawa, Felicity Savage, Ekaterina Sedia, Bruce Sterling, Rachel Swirsky, TOBI Hirotaka, Catherynne M. Valente). Published in May 2012, it is available from most major North American book retailers (and an eBook edition is also available for the Amazon Kindle, Apple’s iBooks Store, the Barnes & Noble’s Nook Books Store, and the Sony Reader™ Store).
The Future Is Japanese. San Francisco, Haikasoru, 2012. 365 pages, 5 1/4 x 8 in., $14.99 USA / $17.99 CAN / £9.99 UK (iTunes & Kindle eBook: $8.99 USA), ISBN: 978-1-4215-4223-2.
In fact, Fanfare/Ponent Mon is not really one publisher but two small publishers, from United Kingdom and Spain, working together “to bring quality storytelling in the comic medium”. So small that Fanfare is actually a one-person company, where Stephen Robson is owner, publisher, and editor (see his interview on Manga Worth Reading)! According to their website, they focused at the beginning mostly “on the French and Japanese alternative scene through Frédéric Boilet´s “Nouvelle Manga” movement” but are now widening their interest, although always selecting and publishing the best original works they can find.
This selection represents indeed the best of Taniguchi. Their latest release is the fourth volume in the superb Summit of the Gods manga series (£14.99 / $25.00 US, ISBN 9788492444632).
So far, I’ve talked and commented mostly on the french edition of Taniguchi’s manga, but I also want to comment on the english books and I will–as soon as I get my hands on more of them (I have already a few of them but I’d like to have more than one volume of a series in order to have a better idea of the story before commenting on it).
Trouble is my business avait pourtant été <a href="http://www.kana.fr/actu-manga/trouble-is-my-business, document.write(“”); 1040″ target=”“new””>annoncé par Kana dès octobre de l’an dernier. Il s’agit encore une fois de la publication d’un oeuvre de jeunesse, parue dans les années ’80. Trouble is my business ( ????? / Jiken-ya kagy? / lit. “profession des incidents” ), écrit par Natsuo SEKIKAWA (Au temps de Botchan) et illustré par Jir? Taniguchi, est un manga seinen policier inspiré des films noirs américains. Il a été pré-publié en feuilletons dans plusieurs magazines entre 1979 et 1994 (principalement dans l’hebdomadaire Manga Goraku de Nihon Bungeisha et Manga Gang de Futabasha) avant d’être compilé en volumes d’abord en 1981, dans une édition révisée en 1989 et une édition définitive en 1996. La collection “Made In” de Kana (Dargaud) nous l’offre en six volumes dont les trois premiers sont déjà disponibles (le vol. 1 en février, le vol. 2 en mai et le vol. 3 en août 2013). Le volume quatre paraitra en novembre.
La série est décrite ainsi sur le site de Kana: “Jotaro Fukamachi est un détective privé et a la réputation de fin limier. Plutôt pingre, il se montre souvent intéressé. D’un autre côté, il a des principes auxquels il se tient. Le principal étant de « tenir toujours une promesse ». Du coup, il lui arrive de s’investir dans des affaires qui ne lui rapportent rien. À travers les affaires de disparitions, d’enquêtes de proximité, il fait face aux côtés sombres de l’être humain. Pourtant, il ne perd pas son humour et sa confiance en l’humanité.”
Les enquêtes du limier ( ???? / Ry?ken tantei / lit. “détective de chien de chasse”) est quant à lui un manga récent, originalement publié en 2011-2012. Basé sur le roman de Itsura Inami St Mary no ribbon ( ??????????? / Sento Mer? no ribon / lit. “Ruban de Sainte-Marie”), ce manga est publié en deux volumes dans la collection Sakka de Casterman: Chien d’aveugle (paru en mars) et Pur-sang en cavale (paru en juin).
Le premier volume est décrit comme suit sur le site de Casterman: “Dans une région montagneuse de la province japonaise, Taku Ryûmon vit en reclus dans son immense domaine en compagnie de son fidèle compagnon, le chien Joe. Passionné de chasse, il gagne sa vie en tant que détective privé spécialisé dans la recherche de chiens de chasse perdus ou volés. Toutefois, sa rencontre avec des membres de la mafia l’amènera à traiter un nouveau type d’affaire. Engagé pour retrouver le chien guide d’une jeune fille aveugle, il découvrira l’entrainement et la relation unique qui lie ces chiens et leurs maitres. A l’issue de cette enquête, il aidera une famille démunie à obtenir un précieux chien guide d’aveugle, le beau labrador noir Mary.”
Je commenterai ces volumes dès que j’aurai eu le temps de les lire (et ma pile de manga à lire qui est déjà pas mal haute…)
Buddha (???) is a sh?nen manga written and illustrated by Osamu Tezuka. It was successively serialized in Ushio Shuppansha’s magazines Kibo-no-tomo, Shonen World and Comic Tom between September 1972 and December 1983, before being compiled in fourteen volumes. It has been translated in french by Tonkam and in english by Vertical.
Osamu Tezuka did not limit his manga writing to stories for children, like Astro Boy (Tetsuwan Atom) or Kimba the White Lion (Jungle Taitei). He also wrote very serious stuff, like his manga adaptation of Dostoyevski’s Crime and Punishment, Faust, Tell Adolf (Adolf ni Tsugu), Phoenix (a spiritual allegory told through the entire human history), and Buddha, a fictionalized biography of Siddhartha Gautama.
Buddha is Tezuka’s longest continuous story, spanning eight volumes for a total of three thousand pages! With this story, he wanted to tell the human side of the life of Buddha. It is not a reference book on Buddhism (although the book is endorsed by several Buddhist groups), but it is a very good introduction to Buddhist ideas—at the same time Tezuka expresses his own moral views of the world, deeply rooted in humanism and the respect of life, which happen to be similar to Buddhist philosophy. Volume one of Buddha tells the story of Chapra, a young man who tries in vain to elevate himself from his status of shudra (slave caste). In his endeavor he meets with the monk Naradatta and with the pariah Tatta. In this volume, we also see the birth of Siddhartha (but not until page 267!!).
Tezuka’s style is very old-fashioned and naïve, yet very cinematic at the same time. It is not surprising to learn that his strongest influences, as he admitted himself, were old Disney and Fleischer animations. However, despite his cartoonish art, he succeeds in telling a very serious story, while keeping it simple and accessible—even to children (however, parental discretion is advised since there’s some nudity and violence). Tezuka is an excellent storyteller, keeping the reader constantly captivated throughout this spiritual and historic fresco. He successfully balances the depth and drama of the story with a good dose of humor and poetry. It is a fascinating work that deserves to be considered his masterpiece. I am glad that Vertical chose to publish this title, first in hardcover, and later in paperback. My only regret is that they decided to publish it in the western left-to-right format and not in its original Japanese right-to-left version.
Buddha, vol. 1: Kapilavastu (of 8), story & art by Osamu Tezuka, New York, Vertical, may 2006. 400 pages, 6 x 8 in., B&W, flipped, paperback, $14.95 US ($21.00 CND), rated 8+, ISBN 978-1-932234-56-5. Winner of the 2003 and 2004 Eisner Awards for Best Foreign Work. A twelve-page preview is available on Vertical website.
Also available in french from Tonkam:
Bouddha, vol. 1: Kapilavastu (de 8), par Osamu Tezuka. Paris, Éditions Tonkam (Tsuki Poche), Octobre 1997. 11.4 x 17.0 x 2 cm, 400 pg., 8.40 € / $16.95 Can. ISBN: 2-912628-01-6. Flipped. Recommended for children (8+). Republished in a deluxe edition in may 2004 as “La vie de Bouddha, vol. 1: Kapilavastu” (135x195mm, 15.50 € / $26.95 Can., ISBN 9782845805279).
Dororo (???) est un manga sh?nen écrit et illustré par Osamu Tezuka. Il a d’abord été prépublié en feuilleton dans le Weekly Shonen Sunday de Shogakukan (entre le 27/08/1967 et le 22/07/1968) avant d’être compilé en quatre Tankoubon (volumes). Il a été traduit en français par Delcourt et est maintenant également disponible en anglais chez Vertical.
Ce manga a connu de nombreuses adaptations. Il a d’abord été adapté en une série télé d’animation de 26 épisodes, intitulé Dororo et Hyakkimaru (???????). Produit par Mushi (le studio de Tezuka) sous la direction de Gisaburo Sugii, il a été diffusé sur Fuji TV (le dimanche à 19h30 entre le 06/04/1969 et le 28/09/1969). En Septembre 2004, Sega a aussi produit un jeu vidéo pour PS2 intitulé “Blood Will Tell”. Finalement, le manga a été adapté au cinéma par Toho en 2007 avec Akihiko Shiota à la réalisation, ainsi que Kou Shibasaki (Dororo) et Satoshi Tsumabuki (Hyakkimaru) dans les rôles principaux. C’est une étrange adaptation (l’histoire se déroule dans le futur) qui se voulait la première partie d’une trilogie (la suite n’a jamais été produite) mais qui respecte bien l’esprit du manga (pour plus de détails voir, en anglais, les sites de Anime News Network, AsianWiki et IMdB).
Le père de Hyakkimaru, Daigo Kagemitsu, était un seigneur de guerre de l’époque Sengoku. Un jour, il se rendit à un temple connu comme le “pavillon des enfers” et demanda à y passer la nuit, seul. Afin de devenir le maître du pays tout entier, il promit à chacun des quarante-huit démons du temple (représentés par des statues) une partie de son fils. Ainsi, son fils naquît muet, sourd, aveugle, sans aucun membres. Il lui manquait quarante-huit parties du corps (incluant nez, nombril, cheveux, etc.). Éplorée, la mère due, malgré elle, abandonner à la rivière cet enfant considéré non viable. Il fut toutefois recueilli par une sorte de médecin de campagne un peu sorcier qui en prit soin et, contre toute attente, il survécu. Le médecin lui fabriqua des prothèses qui lui donnèrent une apparence plus humaine et il développa des habilités surnaturelles (télépathie, fort instinct et “sixième sens”) qui lui permirent de se déplacer et de communiquer comme un être humain normal.
Cependant, sa nature surhumaine attirait démons, spectres et fantômes ce qui s’avérait dangereux pour son père adoptif. Il décida donc de quitter sa maison à la recherche d’un lieu mieux adapté à sa nature. Avant son départ, le médecin le dota d’un sabre, caché dans l’un de ses bras artificiels, et le baptisa Hyakkimaru, l’enfant-aux-cent-démons. Une nuit, un esprit lui avoua que s’il pourchassait et tuait les quarante-huit démons qui lui avaient volé son corps il pourrait peut-être un jour redevenir normal. Plus tard il sauva une jeune voleur (peut-être avait-il senti que, comme lui, l’enfant était plus que ce qu’il prétendait) qui devint son compagnon de route et ainsi tous deux sillonnent les campagnes à la recherche de démons.
Dororo a été créé à l’origine pour bénéficier de l’immense popularité des histoires de fantômes et de monstres (dans la tradition de l’oeuvre de Shigeru Mizuki), mais a fini par devenir plus une quête héroïque. Hyakkimaru et Dororo (dont le nom vient du mot japonais pour voleur, “dorobo”) sont tous deux à la recherche de ce qu’ils ont perdu: les parties du corps dispersés de Hyakkimaru et le trésor du père de Dororo. Toutefois, ce manga est bien plus qu’une histoire de samouraï et de voleur sur une mission de pogrom démoniaque. Il s’agit plutôt d’une quête de découverte de soi, sur un fond de lutte de classe (un thème certainement inspiré par l’idéologie de l’époque, notamment le “Zenky?t?”, ou le mouvement de protestation étudiants, entre les années 1965 et 1972, particulièrement dans les universités de Nichidai et Todai à Tokyo). Comme la plupart des manga de Tezuka, celui-ci est très bien écrit. Le récit est captivant et, en dépit de l’aspect cartoonesque des protagonistes, très sérieux–mais jamais dénué d’humour.
Les protagonistes : Daigo Kagemitsu, le docteur, Hyakkimaru et Dororo Sans être une oeuvre majeure de Tezuka, cette brève série de manga mérite tout de même notre attention. Cela vaut certainement la peine d’être lu.
Dororo, vol. 1 (de 4), par Osamu Tezuka. Paris, Éditions Delcourt (Label Akata, Coll. Fumetsu), avril 2006. 12.7 x 18.0 x 2 cm, 220 pg., 7.99 € / $13.95 Can. ISBN: 978-2-7560-0154-8. Sens de lecture Japonais. Recommandé pour jeunes adolescents (10+).
Aussi disponible en version anglaise chez Vertical:
Dororo, vol. 1 (of 3), écrit et illustré par Osamu Tezuka, New York, Vertical, avril 2008. 312 pages, 6 x 8 in., B&W, unflipped, paperback, $13.95 US ($15.95 CND), rated 16+, ISBN 978-1-934287-16-3. (Vol. 2: 2008/06/24, ISBN 978-1934287170; Vol. 3: 2008/8/26, ISBN 978-1934287187). Il a été réédité en mars 2012 en un énorme volume de 848 pages (U.S. $24.95 / CAN $29.95, ISBN: 978-1-935654-32-2). Gagnant du Eisner Award en 2009.
Pour plus d’information vous pouvez consulter les sites suivants:
Pour en savoir plus sur ce titre vous pouvez également consulter les entrés qui lui sont consacrées (en anglais) sur Anime News Network, Tezuka in English et le site officiel de Tezuka.
Une autre version de cet article a été préalablement publié dans Protoculture Addicts #96 (May/June 2008): 37.
Kirihito (?????? / Kirihito Sanka / lit. “éloge de Kirihito”) est un manga seinen relativement obscure écrit et illustré par Osamu Tezuka. Il a été prépublié en feuilleton dans le magazine Big Comics de Shogakukan entre Avril 1970 et Décembre 1971. Il a été compilé en un nombre de volumes qui varie beaucoup selon l’éditeur (de deux à cinq volumes) mais l’édition complète de l’oeuvre de Tezuka par Kodansha en 1977 le met en quatre volumes.
C’est un manga très complexe qui représente un point tournant important dans l’oeuvre de Tezuka. Il s’agit de sa première histoire de suspense médical (lui-même médecin, Tezuka va perfectionner ce genre pour sa série Black Jack (1973-83) et utilisera également une thématique médicale pour L’arbre au soleil (1981-86), une chronique biographique qui retrace la vie de son arrière-grand-père, Ryoan Tezuka, aussi un médecin). C’est également sa première oeuvre influencée par le gekiga et offrant une forte thématique sociologique. Même son style graphique, qui apparait moins cartoonesque et caricatural qu’à l’habitude, subit l’influence du gekiga, un genre de récit graphique plus sombre, plus dramatique et réaliste, par opposition au manga qui est un genre généralemenet considéré plus léger et comique.
Le jeune docteur Kirihito Osanai étudie une maladie énigmatique qui transforme les humains en créatures d’une apparence quasi canine. Recherchant les causes de cette maladie, qu’il croit d’origine environnementale, il se rend dans un village reculé du Japon où il en devient lui-même victime. Il réussi à en contrôler le développement mais doit aussi faire face à une conspiration orchestrée par son propre patron. Il est fait prisonnier par un cirque chinois, mais réussi à s’échapper. Cependant l’avion qui l’amène de Taiwan aux Pays-Bas est détourné et il se retrouve bloqué au Moyen-Orient.
Préfigurant étrangement son Bouddha (1972-83), Tezuka explore les valeurs morales fondamentales du christianisme en utilisant un personnage qui a une vie de souffrance comme l’a fait Jésus-Christ (et le nom du personnage est un jeu de mot sur le nom du “Christ”, qui se prononce “Kirisuto” en japonais, et peut-être aussi sur “hosanna” qui est une exclamation de louange à Dieu en araméen et en hébreux). Le message humaniste de Tezuka (fait de compassion et de non-violence) commence à prendre forme. Au premier niveau, l’histoire offre un commentaire social sur l’ostracisme et le racisme, l’enseignement de l’acceptation de toutes les différences et le fait que, peu importe la façon dont nous nous regardons, nous sommes tous humains. Pour cela, Tezuka pourrait avoir utilisé une maladie comme la lèpre, mais cela n’aurait pas eu un effet aussi spectaculaire qu’une maladie fictive comme celle de Monmô, ce qui lui permet aussi d’ajouter, à un second niveau, un commentaire moral sur la nature humaine. Il dénonce ainsi les vices humains, démontrant que nous devons constamment nous battre pour rester au-dessus de la bête. Sur le rebond, il critique également la médecine moderne, qui est souvent plus préoccupés par la politique, les récompenses, les subventions et la promotion personnelle des ses chercheurs que de la santé réelle des patients.
Ce manga nous propose une histoire plutôt sérieuse qui se déroule lentement, ce qui ne plaira sans doute pas aux fans de Tezuka habitués à des récits plus légers. C’est toutefois superbement écrit et assez captivant. L’édition française de Delcourt/Akata honore bien cet excellent ouvrage avec une présentation attrayante et respectueuse: bonne traduction, sens de lecture original, répartie sur quatre volumes — contrairement à l’édition anglaise de Vertical qui renverse les planches pour les présenter dans le sens de lecture occidental, en un seul volume énorme et encombrant.
Je n’ai lu que le premier volume mais l’ensemble de la série m’apparait d’un grand intérêt et je m’efforcerai sûrement d’en lire la suite dès que possible. Même si ce n’est pas une oeuvre très connue de Tezuka, j’en recommande la lecture car je crois que c’est un manga important pour comprendre et apprécier la travail du maître.
Kirihito, vol. 1, par Osamu Tezuka. Paris, Éditions Delcourt (Label Akata, Coll. Ginkgo), août 2005. 12.7 x 18.0 x 1.8 cm, 220 pg., 7.99 € / $13.95 Can. ISBN: 978-2-8478-9892-7. Sens de lecture Japonais. Recommandé pour jeunes adultes (16+).
Aussi disponible en version anglaise chez Vertical:
Ode To Kirihito, story & art by Osamu Tezuka, New York, Vertical, 2006. 828 pages, 6 x 8 in., B&W, flipped, paperback, $24.95 US ($37.95 CND), rated 16+, ISBN 1-932234-64-0. (La réédition de 2010 est en deux volumes: Part 1, 978-1-934287-97-2, 480 pages; Part 2, 978-1-934287-98-9, 352 pages; U.S. $14.95 / CAN $18.95 chacun).
Vertical avait mis en ligne un preview (qui est encore disponible) pour les pages 50, 51, 52, 53, 54, 55, 56, 57, 58, 59, 60, 61, 62, 63, 64 et 65 de leur édition anglaise.
Pour plus d’information vous pouvez consulter les sites suivants:
Pour en savoir plus sur ce titre vous pouvez également consulter les entrés qui lui sont consacrées (en anglais) sur Anime News Network et Tezuka in English.
Une autre version de cet article a été préalablement publié dans Protoculture Addicts #89 (Fall 2006): 78.
“Cette œuvre réalisée au tout début des années 1960 témoigne de ce que les spécialistes japonais désignent comme «l’Âge d’or» d’Osamu Tezuka, période qui le voit s’affranchir de l’influence de Walt Disney et inventer les codes de la bande dessinée japonaise moderne. Le Château de l’Aurore n’est que l’un des nombreux joyaux méconnus dont regorge l’œuvre pléthorique de ce génie du 9e Art.” [ Texte tiré du blogue de l’éditeur ]
Continuez après le saut de page >> Le Château de l’aurore (???? / Yoake Shiro) est un manga seinen écrit et illustré par celui qui est connu au Japon comme le “dieu du manga,” Osamu Tezuka. Prépubliée en feuilletons dans les magazines de l’éditeur GakkenChûgaka Ichinen Course et Chûgaka Ninen Course (de septembre 1959 à mars 1961), l’histoire fut finalement compilée en un seul volume en mai 1961 par l’éditeur Suzuki. Il a été réédité en août 1978 par Kodansha, en juin 1997 et décembre 1998 par Sh?gakukan (deux différent formats), puis par Gakken en août 2003. La traduction française est paru chez Cornélius en mars 2008. Il a été nominé pour le prix jeunesse du Festival de bande-dessinée d’Angoulème en 2008.
Il est toujours difficile de parler d’un monument comme Osamu Tezuka (1928-1989). Considéré comme l’un des pères du manga (ou même un “dieu”), il a fortement contribué à établir les règles du genre, il a eut une influence énorme sur la culture japonaise et s’est révélé un mangaka versatile et extrêmement prolifique (il a produit environ sept-cent oeuvres soit plus de 150,000 pages!). Il est quasi impossible de vraiment exprimer l’importance qu’il a eut dans l’histoire du manga. On connait tous bien sûr des titres comme Astro Boy, Le Roi Léo ou Princesse Saphir mais ceux-ci ne sont qu’une goutte d’eau dans l’océan de sa production et cela même si on ne compte que la cinquantaine de titres traduit en français (dont plusieurs sont disponible en bibliothèques).
Ces titres qui nous viennent facilement à l’esprit donnent l’impression qu’il dessinait surtout pour les enfants (et son style simple et souvent caricatural renforce ce sentiment) alors que son oeuvre est pourtant très diversifié tant dans les genres (drame ou comédie, que ce soit fantastique, historique ou science-fiction) que dans les thèmes abordés (nature, technologie, médecine, politique, philosophie, religion, etc.). Il a produit de nombreux manga pour adultes, avec des histoires très sérieuses (ne serait-ce que L’Histoire des 3 Adolf, M.W. ou Kirihito), mais tout au long de son oeuvre (peu importe laquelle) il a toujours conservé la volonté d’être didactique et de promouvoir la connaissance ainsi qu’un profond humanisme (après tout il avait fait ses études en médecine).
Le Château de l’aurore est une oeuvre plutôt mineure de Tezuka. La plupart des ouvrages consacré au maître n’en parle même pas. C’est pourtant une oeuvre charnière mais qui demeure tout de même assez typique. Lorsqu’elle est publiée, Tezuka a trente-et-un ans mais cela fait déjà treize ans qu’il a publié sa première histoire, Maachan no Nikkich? (1946). Entre temps il a principalement produit Shin Takarajima (1947, son premier succès), Metropolis (1949), Le Roi Léo (1950), Captain Atom (1951-52, où Astro fait sa première apparition), Astro Boy (1952-68), Princesse Saphir (1953) et il a débuté les quatre premiers chapitres de Phénix (1954-57). Lorsqu’il débute Le Château de l’aurore (1959-61), il a finalement atteint sa maturité artistique et perfectionné un style qui lui est propre.
Le Château de l’aurore est un récit historique avec une touche de fantasy. C’est-à-dire que le contexte historique est véridique mais les personnages principaux et les lieux sont fictifs. Comme nous l’apprend la postface de la traductrice Nathalie Bougon, Tezuka a choisit de situer son récit dans “l’une des époques les plus fascinantes de l’histoire du Japon”: l’ère de Momoyama (1568-1603). Marquée par trois grands généraux, ce sera une période de transition entre l’ancien Japon féodal (l’époque Sengoku / Muromachi) et l’ère d’Edo. D’abord Nobunaga Oda entreprend l’unification du Japon. À sa mort, Hideyoshi Toyotomi lui succède et continue l’unification qui sera complétée en 1591 par l’alliance avec son adversaire d’antan, Ieyasu Tokugawa. Toutefois, à la mort de Toyotomi en 1598, Tokugawa s’oppose rapidement à la régence de son fils Hideyori et, après la fameuse bataille de Sekigahara en 1600, prend le contrôle du pays tout entier (quoique Hideyori ne sera complètement vaincu qu’en 1615 avec le siège et la destruction du château d’Osaka). Tokugawa instaure le Bakufu en 1603 et ce sera le début du shogunat Tokugawa, qui règnera sur un Japon unifié, pacifié et refermé sur lui-même jusqu’à la restauration Meiji en 1868.
Le récit débute avec un mystérieux personnage qui entre au château du seigneur Muneharu Matsunoki. Le fils du seigneur, Midori-maru, surprend son père en réunion avec celui-ci, qui se révèle être l’architecte Ugetsu-saï. On y apprend que le shogun Toyotomi, inquiet de mouvements de troupes dans le Kanto (possiblement une manigance de Tokugawa), a demandé au seigneur de faire construire en secret un château-fort sur ses terre. Cela devra être le plus beau château du monde, construit dans un style anglais pseudo-élisabethain (un peu comme le château de Disney). Le château doit être secrètement construit en surplomb d’une vallée qui appartient au domaine public et non au seigneur. Une jeune femme, O-tae, y construit une école pour jeune paysans pauvres. Midori-maru tente de la convaincre de quitter mais, lorsqu’il échoue, il fera tout son possible pour l’aider et la protéger.
La supervision de la construction du château est confié au maître d’armes To-no-suké Murasaki, mais les travaux sont constamment perturbés par le sabotages des espions de l’ennemi et des intrigues politiques. De plus, Yayoï–la fille du ministre, secrètement en amour avec Midori-maru–est jalouse de la relation de celui-ci avec O-tae et fera tout pour leur nuire. Lorsque les villageois sont expulsés de leur terres et que la maîtresse d’école est condamné à mort, Midori-maru sauve celle-ci et s’enfuit avec elle. Il se révolte contre son père en s’opposant à la poursuite travaux dont le coût humain est trop élevé. Le ministre est assassiné par un traitre déguisé en oni, mais Midori-maru, déguisé en ouvrier, le confronte et le blesse. Yayoï, avec l’aide de To-no-suké, sur qui elle a maintenant dévolu son affection, cherche désespérément à venger la mort de son père. Lorsqu’elle découvre que le traitre n’est nul autre que To-no-suké, elle se suicide. To-no-suké, rongé par le remort, se repent. Le château est finalement complété mais, à la mort de Toyotomi, le nouveau shogun Tokugawa assiège le château. Midori-maru revient pour aider son père, qui a décidé de saborder le château à l’aide d’explosifs. Mais, piégés, le père et le fils réconciliés meurent dans sa destruction–une fin où Tezuka veut sans aucun doute rappeler la destruction du château d’Osaka et la mort de Hideyori.
Le Château de l’aurore est un oeuvre plutôt typique de Tezuka. Son style y est très simple (trop pour certains) mais assez efficace. S’il commence vraiment à maîtriser son art, ce n’est pas encore parfait au niveau de la narration qui manque un peu de fluidité. Malgré le sérieux apparent du sujet, Tezuka laisse toujours une bonne place à l’humour. Un bon exemple est la scène où Midori-maru affronte To-no-suké, qui lui lance un bâton de dynamite dont il tranche la mèche de son sabre. “Bravo! Je vois que tu maîtrises l’art du sabre!” s’exclame To-no-suké. Midori-maru lui répond, “Et toi l’art du calunar! Je te rappelle que la dynamite n’existe pas à notre époque!”
Cornélius nous offre ici une publication d’excellente qualité (tant au niveau de l’impression que du choix du papier), notamment par la restauration des planches originales (par l’utilisation de différentes éditions ils ont pu ainsi recréer les trames de gris de façon à éviter un effet de moiré embarrassant). Ce n’est certes pas le meilleur manga de Tezuka mais c’est tout de même un ouvrage intéressant. Ce n’est pas une lecture indispensable mais si, comme moi, Tezuka vous intéresse je vous le suggère tout de même.
Extraits des pages 51 et 132 Un extrait de vingt-huit pages (en format PDF) est disponible sur le site de l’éditeur mais, comme ce site est programmé en Flash, il est impossible de vous y rediriger par un simple lien alors vous en trouverez une copie ici.
Le château de l’aurore, par Osamu Tezuka. Paris, Éditions Cornélius (Coll. Paul), mars 2008. 15 x 21 x 2 cm, 160 pg., 15.50 € / $26.95 Can. ISBN: 978-2-9154-9249-1. Sens de lecture Japonais. Recommandé pour jeunes adultes (14+).
Milo Manara est un artiste de renom et de grand talent, qui se consacre surtout à la bande-dessinée érotique. Il n’est donc pas surprenant qu’il ait choisi d’illustrer l’oeuvre d’Apulée dont le sujet se prête très bien à l’érotisme. Il n’en est d’ailleurs pas à sa première adaptation (il a auparavant réalisé le Décaméron de Boccace, les Voyages de Gulliver de Jonathan Swift, Vénus et Salomé de Pierre Louÿs, ou même le Kama-Sutra). L’âne d’or n’est pas exempt d’influences, car certains décors (grosses têtes de statues en arrière-plan) ne sont pas sans rappeler le Satyricon de Fellini, un cinéaste qui l’a d’ailleurs souvent inspiré et avec qui il a parfois collaboré. L’âne d’or a d’abord été publié aux Humanoïdes Associés en 1999. Il a connu une second édition en 2007 sous le titre “Le Métamorphose de Lucius,” puis a été réédité en 2011 sous le titre original.
L’album nous raconte les mésaventures de Lucius qui voyage en Thessalie pour affaires. Arrivé à Hypata, il loge chez l’avare Milon dont la femme Pamphile est réputée magicienne. Il se rend aux bains où il rencontre son ancienne nourrice, Byrrhène, qui l’invite à une fête le lendemain. Il retourne chez Milon pour le repas et, le soir venu, la servante Photis le rejoins dans sa couche pour un accouplement torride (la seule véritable scène de sexe de l’album, qui pour le reste offre surtout beaucoup de nudité). Le lendemain, Lucius se rends à la fête que Byrrhène donne à l’occasion des Lupercales (célébrant la fécondité, bacchus et le dieu des rires). Le banquet dégénère en orgie et Lucius revient complètement ivre. Croyant voir des brigands dans la nuit, il les attaque de son glaive. On l’arrête et le juge pour avoir tué d’innocents citoyens mais finalement tout cela n’est qu’une supercherie pour se moquer de lui. De retour chez Milon, Lucius retrouve Photis qui a reçu une belle fessée, car on croit qu’elle a trahit les secrets de sa maîtresse (ici la raison de la fessé diffère du récit original). Lucius, curieux, espionne la sorcière avec l’aide de Photis. Il la voit s’enduire d’un onguent et se transformer en oiseau de nuit. Il désire faire de même mais se voit plutôt transformé en âne!
Ainsi débutent véritablement les tribulations de Lucius. Photis le cache dans l’écurie et il lui suffira de manger quelques roses fraîches au matin pour faire disparaitre le sortilège. Toutefois, des brigands dévalisent la villa de Milon durant la nuit et l’âne (Lucius) est réquisitionné pour porter le butin. Il s’échappe du repère des brigands avec une de leur captives mais ils sont recapturé. Toutefois, ils sont libéré par l’époux de celle-ci qui s’était secrètement joint au groupe. On le confit aux soins d’un jeune garçon qui se révèle très cruel et torture Lucius. Il s’échappe à nouveau mais se retrouve vendu aux enchères à une secte de Cybèle. Puis devient une bête de somme chez un meunier. Puis est acheté par un couple de patriciens qui le traite fort bien, mais dont la maîtresse s’offre à lui et, ne pouvant refuser, il la prends avec son gros phallus d’âne! (Ici Manara montre tout de même un certaine pudeur: s’il n’hésite pas à montrer le membre viril de Lucius lorsqu’il est avec Photis, les scènes de bestialité, elles, sont savamment cachée par les bulles!) Ayant prouvé sa valeur, il se retrouve à jouer l’époux d’une condamné dans un spectacle du cirque. Mais réalisant qu’ils seront tous deux livrés aux fauves, il s’enfui à nouveau. Il court jusqu’à la mer où il implore la miséricorde de Cerès (Isis). Celle-ci lui apparait et promet sa rédemption. Au matin, il rencontre une procession et le prêtre porte une couronne de roses. Il en mange et redevient enfin un homme!
Le récit de Manara est assez fidèle à l’histoire d’Apulée, non pas tant par son exactitude que par son esprit. En effet, Manara choisit judicieusement les scènes qu’il illustre, ne sélectionnant que celles qui sont le plus propice à son sujet préféré: l’érotisme. Il omet le récit des contes intercalaires (l’histoire de Thelyphron ainsi que celle d’Eros et Psyché) et quelques une des tribulations de Lucius (ou en altère certains événements). Toutes ces omissions et changements rendent le récit un peu saccadé et anecdotique. En fait, l’histoire que Manara nous raconte est une sorte de condensé de lecture (Reader’s digest) érotique!
Manara illustre son récit à l’encre (qu’il utilise aussi pour certaines textures et ombrages), qu’il colore ensuite à l’aquarelle avec une sélection limitée de couleurs qui s’approche presque de la bichromie. En effet, il n’utilise que des gris bleutés ou violet, des tons de brun ou de sépia et surtout la couleur chair, qui, en un merveilleux stratagème, se distingue particulièrement sur ce fond de couleurs délavées et discrètes. Les seules couleurs vives sont utilisées pour représenter un peu de sang (celui des flagellants de Cybèle) ou les dieux (rose et bleu pour Aurore, jaune pour Isis). Manara m’apparait au sommet de son talent et fait preuve d’une grande sensualité, non seulement dans la représentation de belles femmes, mais aussi dans l’illustration de la vie quotidienne à l’époque romaine.
Une très bonne bande-dessinée que je recommande tant pour son adaptation de ce classique de la littérature latine que pour son érotisme.
Extraits: pages 14 et 30; Attention: des scènes de nudité y sont représentées! Un extrait comprenant les huit premières pages est aussi disponible sur le site de l’éditeur.
L’âne d’or, par Milo Manara. Paris, Les Humanoïdes Associés, janvier 2011. 24 x 32 x 1 cm, 56 pg., 18.99 € / $29.95 Can. ISBN: 978-2-7316-2318-5. Recommandé pour adultes (18+).
Cet album est également disponible en format digital (4.99 € aux Humanos, 5.99 € ou encore 2.49 € en location (10 jours) chez izneo.com).
“When Roman architect Lucius is criticized for his “outdated” thermae designs, he retreats to the local bath to collect his thoughts. All Lucius wants is to recapture the Rome of earlier days, when one could enjoy a relaxing bath without the pressure of merchants and roughhousing patrons. Slipping deeper into the warm water, Lucius is suddenly caught in the suction and dragged through the drainage at the bottom of the bath! He emerges coughing and sputtering amid a group of strange-looking foreigners with the most peculiar bathhouse customs…over 1,500 years in the future in modern-day Japan! His contemporaries wanted him to modernize, and so, borrowing the customs of these mysterious bath-loving people, Lucius opens what quickly becomes the most popular new bathhouse in Rome—Thermae Romae!” ( from the manga publisher’s website )
Thermae Romae (???? · ??? / Roman thermal baths in Latin), was written and illustrated by Mari Yamazaki. It was first serialized by Enterbrain in their monthly seinen manga magazine Comic Beam (between February 2008 and April 2013) before being compiled into six volumes. The French translation is published by Casterman (Sakka Collection, the first five volumes have already been published) and the English translation is published by Yen Press (two volumes published so far).
Thermae Romae is a rather wacky and sometimes coarse fantastic comedy. But this is obviously not a simple comedy. This would be a average manga (good because hilarious, but no more) if it were not for its rather ingenious premise. The story is well written and supported by sound research to detail. Drawings (especially the faces and backgrounds) are in a realistic style, which is rare for a manga (especially for a comedy). Each chapter is followed by comments and explanatory notes by the author. This manga, in addition to being a pleasant entertainment, gives us a lot of information on both Japanese and Roman cultures (which, strangely, appear to have much in common).
After the first two volumes, the time traveling of Lucius whenever he quickly needs new ideas become tiresome. Fortunately, the author introduces some new elements to enliven the story (introducing a semblance of political intrigue and addressing the issue of Hadrian‘s succession, for example). Yamazaki’s story therefore avoid running out of steam by bringing Lucius to discover a little more of Japanese culture. By comparing the two cultures, she reflects upon the experience of discovering a different culture and on how the West has perceived Japanese culture. With the fourth volume, the manga take a different direction that breaks Lucius’ temporal back-and-forth cycle and gives a new life to the story. Lucius meets the brilliant Satsuki Odate, an highly educated spa geisha who is interested in ancient Rome and can speak Latin! Having an interpreter will allow Lucius to discover more aspects of modern Japanese culture. The fifth volume is less about Roman baths than various small aspects of Roman culture. The presentation of the spatio-temporal travel (which remains unexplained) is refined and the volume ends with a suspense that makes us yearn for the next and final book! A very good manga! You can read more on this manga (in french) in a previous entry of this blog.
Thermae Romae Vol. 1-5, by Mari Yamazaki. Paris, Casterman (Coll. Sakka). Vol. 1: March 2012, 186 pg., ISBN: 978-2-2030-4909-3; Vol. 2: March 2012, 202 pg., ISBN: 978-2-2030-4910-9; Vol. 3: June 2012, 194 pg., ISBN: 978-2-2030-5082-2; Vol. 4: October 2012, 194 pg., ISBN: 978-2-2030-6040-1; Vol. 5: January 2013, 194 pg., ISBN: 978-2-2030-6206-1. 13.2 x 18.1 x 1.8 cm, 7,95 € / $13.95 Can. For young adult (14+). Vol. 6 coming around the end of summer 2013.
Thermae Romae Vol. 1-2, by Mari Yamazaki. New York, Yen Press. Vol. 1: November 2012, 352 pages, ISBN: 978-0-316-22919-7; Vol. 2: May 2013, 352 pages, ISBN: 978-0-316-23219-7. 7”x 10.125, $34.99 US ($38.99 Can). For Older Teen (14+). Vol. 3 coming in February 2014.
The Thermae Romae animation was produced by DreamLink Entertainment (DLE Inc.) studio under the direction of Azuma Tani with scripts by Mamoru Nakano and character designs by Toshimitsu Takechi. The three 24-min. episodes (or six 12-min. episodes) aired on Fuji TV’s Noitamina block between January 12 and January 26, 2012. The series has been licensed for released in North America by Discotek Media.
“Ancient Roman architect Lucius is too serious. His inability to keep up with the fast-moving times costs him his job. When a friend takes the dejected Lucius to the public bathhouse to cheer him up, Lucius accidentally slips through time and resurfaces in a modern-day public bath in Japan. There, he meets aspiring young manga artist Mami, along with others of the “flat-faced clan”. Shocked by the many inventive aspects of Japan’s bathing culture, Lucius returns to ancient Rome and garners tremendous attention when he implements these novel ideas back in Rome. As he time-slips back and forth between ancient Rome and modern-day Japan, Lucius’ reputation as the ingenious, new bath architect begins to grow.” (from IMDb)
The Thermae Romae movie is an excellent production. First, it includes a cast of very good actors (strangely the fact that most of the roman roles are played by Japanese actors with “less japanese faces” doesn’t make the movie feel less realistic). Second, the sets and costumes are superbs (it helps that they used the specialized facilities of Cinecitta studio in Rome, as well as some barely noticeable computer animation). Finally, it offers an interesting story, full of intrigue and good natured comedy. All in all, it is quite entertaining.
Unfortunately, if you know anything about roman antiquity or if you have previously read the manga, you’ll probably be very disappointed. First, emperor Hadrian is presented as a tyrant while he was in fact one of the most benevolent, cultured and caring emperor (as they said in the manga and anime: one of the five “good” emperors). Also, Ceionius (Aelius) is presented as an horrible womanizer and an incompetent which was most probably not the case. Secondly, I understand that a movie adaptation must take some liberty with the original story, but I felt in this case that it was diverging a little too much. The female character of Satsuki Odate, a scholarly spa geisha in the manga, is replaced by wannabe mangaka Manami Yamakoshi which opens for an entirely new story line. Lucius keeps meeting her in every of his time travelings (from the very beginning), until she finally comes back to Rome with him by accident. Her knowledge of history ends up changing the course of events and they must find a clever way to change things back as they should be happening. I am sure that in itself it is an interesting story but I was nevertheless quite disappointed. However, I still thinks it’s funny and I nevertheless recommend it.
Ma lecture récente de La Bible (2): Le Nouveau Testament m’a fait découvrir la collection Manga de Dokuha (et c’est sans doute la seule bonne chose que m’a apporté la lecture de ce manga).
J’ai souvent entendu parlé de classiques de la littérature adaptés en manga (ça n’a rien de nouveau: Tezuka a adapté Crimes et châtiments de Dostoïevski et le classique japonais Le dit du Genji [Genji monogatari] a aussi connu maintes adaptations). Mais quand il était question de titres comme Das Kapital de Marx ou Mein Kampf d’Hitler, je me disais qu’il fallait vraiment que je lise ça. Ce que j’ignorais c’est que la plupart de ces adaptations manga de grands classiques appartiennent en fait à une seule et même collection! Pour en faire la découverte…
La Bible (vol. 2): Le Nouveau Testament (?????? ???? / Manga de Dokuha: Shin’yaku Seisho) a été publié en novembre 2010 par East Press en tant que numéro 73 (MD073) de leur collection de classiques de la littérature (Manga de Dokuha / “Lisez en manga”–je reviendrai sur cette importante collection dans un prochain billet). Je n’ai trouvé pratiquement aucune information sur le studio Variety Art Works qui adapte et illustre les titres de cette collection (il y a bien un site en japonais, alors j’en saurai peut-être un peu plus quand j’en aurai traduit l’essentiel). [À droite: le baptême de Jésus par Jean le Baptiste, pg. 36]
L’histoire, nous la connaissons déjà tous, est plutôt simple: c’est la vie de Jésus et ce manga la parcourt en accéléré (c’est un peu comme visionner un film en “fast-forward”). Les chapitres se divisent comme suit: “La Bible” (un bref rappel de ce que c’est), “L’Annonciation” (un ange vient dire à Marie qu’elle est enceinte), “Jean le Baptiste” (celui-ci prêche la venue du Messie et baptise Jésus qui part ensuite subir les tentations de Satan dans le désert), “Les débuts du ministère” (Jésus commence à se faire connaitre par de premiers miracles et rassemble ses disciples), “Les Enseignements de Jésus” (il prêche en usant parfois de paraboles mais ça ne marche pas partout et il risque de s’attirer la colère des puissants, comme Jean le Baptiste qui fut exécuté par le roi Hérode), “Les miracles de Jésus” (il voyage, prêche et fait d’autres miracles comme la multiplication des pains, marcher sur l’eau, ressusciter Lazare et il prédit sa propre mort, car le nombre grandissant de ses disciples ennui les prêtres et les pharisiens qui complotent sa perte), “La Passion du Christ” (Jésus se rends à Jérusalem où il chasse les marchands du temple et continue de prêcher alors que des pharisiens tentent de le piéger par des questions; après la dernière cène et un dernier discours à ses douze disciples les plus proche sur le mont des Oliviers, il est trahi par Judas et arrêté; il subit un procès sommaire et est crucifié), “La Résurrection et l’Ascension” (Marie-Madeleine découvre le tombeau vide; Jésus apparait à ses disciples et les enjoins à porter sa parole à travers le monde, puis il monte au ciel) et finalement “Le Nouveau Testament” (contient les actes des apôtres — ayant reçu de l’esprit saint le don de glossolalie, les apôtres prêchent la parole du Christ et baptisent les fidèles; le pharisien Saul de Tarse se convertit et devient Paul, l’un de ses plus fervent apôtres–les épitres et l’Apocalypse). [À gauche: sur la montagne, Jésus prit et confère avec Moïse et Élie, pg. 95]
Jésus ressuscite Lazare, pg 108, et meurt sur la croix, pg 163
Que l’on soit d’accord ou pas avec le texte original, l’adaptation qui en est faite n’est pas si mal. Si j’ai l’impression que cela a été produit sans grands efforts pour faire connaître ce “classique de la littérature” à un public japonais qui n’en connait rien, je dois admettre qu’on y donne tout de même l’essentiel de la doctrine de Jésus, sans plus ni moins, dans sa plus simple expression (en lisant les textes du manga, ça me rappelait étrangement Jésus de Montréal ou le monologue d’Yvon Deschamps sur “Le p’tit Jésus”). Toutefois, j’ai plus à me plaindre du côté artistique: la qualité du dessin est pauvre, plutôt simple et bâclé. Les personnages sont caricaturaux, souvent laids et avec des expressions d’illuminés fous furieux. Pas surprenant que les responsables veulent rester anonymes! Si je suis surpris par l’adaptation, je suis extrêmement déçu par l’illustration du sujet. Ce n’est pas un très bon manga et n’a de l’intérêt que pour les curieux.
La Bible (vol. 2): Le Nouveau Testament, par Variety Art Works (traduction: Anne Mallevay). Paris, Soleil Manga (Coll. Classiques), septembre 2012. 12,8 x 18,2 x 1,6 cm, 192 pg., 6,99 € / $12.95 Can. ISBN: 978-2-3020-2243-0. Lecture dans le sens occidental (de droite à gauche) et recommandé pour jeunes adultes (14+).
Sei Onii-san (??????? / Saint Young Men) est prépublié dans le magazine Morning 2 de Kodansha depuis 2007 et a, jusqu’à maintenant, été compilé en huit volumes (entre janvier 2008 et décembre 2012). C’est une comédie pour jeunes adultes (seinen) écrite et illustrée par Hikaru NAKAMURA, une jeune mangaka de vingt-neuf ans qui n’en est qu’à son second manga. Elle avait auparavant publié Arakawa Under the Bridge (?????? ? ????), une comédie romantique prépublié depuis 2004 dans le magazine de Square Enix Young Gangan, compilée en treize volumes et qui a été adapté en une série animée. Saint Young Men a été traduit en français par Kurokawa (cinq volumes de disponibles depuis mars 2011, le plus récent étant paru en mars 2013). En 2009, ce manga s’est classé à la dixième position du palmarès japonais Oricon des meilleurs vendeurs et a également reçu le Prix Culturel Osamu Tezuka pour une histoire courte. Le manga a également été adapté en un long métrage d’animation (une production du studio A-1 Pictures, avec un scénario de Rika NEZU et une réalisation de Noriko TAKAO) qui est sortie dans les salles de cinéma japonaise en mai 2013.
[ Page 54 — C’est en format japonais: Lire les bulles de droite à gauche ! ] J’ai récemment découvert ce manga et, comme ça m’avait l’air tellement hilarant, je n’ai pas pu résister à l’emprunter à la bibliothèque pour y jeter un coup d’oeil! C’est effectivement très drôle. Siddh?rtha Gautama, dit “L’Éveillé”, et Jésus de Nazareth, le “fils de Dieu”, décident de prendre un repos bien mérité et louent un petit appartement dans le quartier de Tachikawa à Tokyo. Bien sûr, après avoir vécu au Paradis, la vie dans la société moderne Japonaise nécessite une certaine adaptation.
Une bonne partie de l’humour léger que l’on retrouve dans le manga provient de ce contexte très propice à la comédie de situation (sit-com). Cette interaction, pour ne pas dire confrontation, entre le divin et le quotidien trivial est aussi une occasion de ridiculiser certaines moeurs et habitudes de notre mode de vie moderne. De même, d’une façon un peu plus sérieuse, le manga offre une sorte de critique sociale, en utilisant le regard extérieur de nos deux vacanciers (qui, pour cet aspect du récit, auraient pu être n’importe quels jeunes touristes américains ou européens). On peut aussi dire que, par la bande, il permet aux lecteurs occidentaux de découvrir plusieurs aspects de la société nippone.
Ainsi l’auteur joue avec les apparences (Jésus est comparé à Johnny Depp, Bouddha se plaint de sa coiffure qui ressemble à une permanente ou des statues qui le représentent obèse) ou avec leur attributs divins (les stigmates de Jésus saignent et il change l’eau en vin et autres miracles, Bouddha se sort de situations difficiles en utilisant son “Buddha smile” et brille d’une aura de sainteté lorsqu’excité). Chacun se trouve des aspirations: Bouddha, ayant découvert Tezuka, est inspiré et se met à produire un manga plein d’inside joke célestes et Jésus, pour réaliser un vieux rêve, convint Bouddha de former un duo de standing comics!
La représentation de Jésus me semble toutefois plus caricaturale que celle du Bouddha, probablement parce que l’auteur à une meilleurs connaissance de ce dernier. D’ailleurs j’ai aussi l’impression qu’une partie de l’humour généré par Bouddha se perd soit dans la traduction ou dans l’ignorance des traditions bouddhistes inévitable chez la plupart des lecteurs occidentaux.
Si l’humour des Vacances de Jésus et Bouddha est léger et tout à fait anodin, il est toutefois risqué de jouer avec des icônes religieuses. Nos deux anti-héros se voient la proie de nombreuses tentations de la vie moderne (commercialisme, jeunes collégiennes, etc.) et les mettre face à ces dilemmes et indignités irrévérencieuses pourrait en choquer plus d’un chez les extrémistes religieux. L’auteur aurait aussi pu créer un trio de personnages en y ajoutant le Prophète musulman, mais cela aurait représenté un risque trop grand car l’on sait que les fondamentalistes (quels qu’ils soient) ne badinent pas avec l’humour. Si le manga n’a pas généré de tollé, il a tout même essuyer quelques critiques mais, étrangement, jusqu’à maintenant surtout de la part d’organisations bouddhistes conservatrices. L’absence de traduction anglaise explique sans doute pourquoi la droite chrétienne n’a pas encore crié au scandale… Mais au Japon peu de gens se soucient de la religion, les pratiques religieuses étant plus considérées comme des coutumes que l’expression d’une ferveur croyante. On y mélange sans peine shintô et bouddhisme en un syncrétisme insouciant, où les esprits sont toujours présents dans la vie de tout les jours. Pourquoi n’en irait-il pas de même pour le “fils de Dieu”?
Si l’artiste porte beaucoup d’attention aux détails (comme les textes sur les t-shirts des personnages par exemple), son style reste encore un peu brouillon. Mais c’est un trait qui est commun à la plupart des manga d’humour léger. Toutefois, mon reproche principal (et cela vaut pour beaucoup de manga publié ces derniers temps), est l’utilisation d’une typographie minuscule dans les textes exprimant les pensées des personnages, ainsi que pour les notes explicatives. Les éditeurs devraient réaliser qu’il n’y a pas que les jeunes qui lisent les manga, mais aussi des vieux aux yeux fatigués!
Quoiqu’il en soit, j’ai beaucoup rigolé en lisant ce premier tome des Vacances de Jésus et Bouddha et j’ai bien l’intention de lire les volumes suivants. Je vous le recommande donc.
[ Pages 24, à droite, et 55, à gauche ] Les vacances de Jésus et Bouddha, vol. 1, par Hikaru Nakamura (traduction: Étienne Robert). Paris, Kurokawa, mars 2011. 12,8 x 18,2 x 1,2 cm, 144 pg., 6,70 € / $11.95 Can. ISBN: 978-2-351-42587-9. Lecture dans le sens japonais (de droite à gauche) et recommandé pour jeunes adultes (14+).
Ma soeur m’a fait cadeau de ce livre il y a plus de dix ans et je n’ai jamais vraiment eu le temps de le lire. Toutefois, comme je viens de lire et commenter un manga traitant d’Hokusai, il me semblait tout à fait opportun d’enchaîner avec ce magnifique album illustré pour enfant qui nous offre aussi, à sa manière, une biographie de ce grand maitre de l’estampe que l’on appelait aussi le “vieux fou de dessin” (ou de la peinture).
François Place est un auteur et illustrateur de grand talent. Il a illustré, depuis 1983, au moins une demi-douzaine de livres, mais dès 1992 il commence à écrire (et illustrer) ses propres livres. Il en a maintenant publier plus d’une dizaine, incluant Les Derniers Géants et l’Atlas des Géographes d’Orbae, qui lui ont valu de nombreux prix. Son style clair, simple mais expressif est fort apprécié tant des jeunes lecteurs que des parents et instituteurs.
Le vieux fou de dessin est d’abord paru en 1997 chez Gallimard dans la collection Folio junior Drôles d’aventures sous la forme d’un roman illustré (en noir et blanc). Il a été réédité en 2001 sous la forme d’un album cartonné, cette fois avec des illustrations couleurs à l’aquarelle, et à nouveau en 2008, avec une couverture souple. Il a également été traduit en anglais chez D. R. Godine en 2003 (traduction par William Rodarmor) sous le titre The Old Man Mad About Drawing. En 1999 François Place a reçu pour ce titre le Prix Chronos de littérature pour la jeunesse.
Au travers des yeux d’un petit vendeur de gateaux de riz devenu apprenti du peintre, et de la relation que ceux-ci développent peu à peu, le lecteur découvre non seulement la vie et l’oeuvre d’Hokusai, mais aussi de très nombreux aspects de la culture Japonaise: la société japonaise telle qu’elle était à Edo au 18e siècle, les techniques de gravure et d’estampe, le kabuki, les samouraïs, les sumos, les temples shintô, etc. C’est un voyage initiatique et formateur tant pour le jeune Tojiro que pour le lecteur, alors qu’ils découvrent ensemble l’importance d’observer en silence et le plaisir d’apprendre. Par les leçons de son vieux maitre, Tojiro apprends à lire, à dessiner, à penser pour lui-même, à apprécier la beauté et l’art. Hokusai lui raconte un peu sa vie et, à travers ces récits, nous découvrons toutes les étapes importantes de la carrière du peintre.
C’est une lecture agréable et très enrichissante, agrémentée de superbes illustrations (on trouve aussi tout au long du texte des reproductions d’oeuvres d’Hokusai). L’ouvrage se termine avec un glossaire très utile. Toutefois la narration manque un peu de fluidité et il est important de préciser que, malgré les affirmations faites par l’éditeur, Hokusai ne fut certainement pas l’inventeur des mangas. À l’origine, “manga” signifiait “dessin dérisoire”, fait dans un but divertissant, des croquis, voir des caricatures, que l’on retrouvait sur les emaki (rouleau manuscrits) dès le 11e siècle. Hokusai n’a donc rien inventé; il n’a fait que contribuer à populariser le terme qui ne prendra son sens actuel de “bande dessinée” japonaise qu’au 20e siècle.
Malgré ces quelques petits irritants, c’est un très bon livre, une oeuvre charmante, que je recommande chaudement.
Continuez après le saut de page >> Hokusai (??) est un manga seinen de Sh?tar? Ishinomori originalement publié au Japon en février 1987 par Sekai Bunka-sha, puis réédité en 1996 par Futabasha et par Kadokawa Shoten en 2005. Il a été traduit et publié en français dans la collection Sensei (dédié aux grands maîtres du manga) de Kana (Dargaud) en juin 2010 et réédité avec une couverture légèrement différente en août 2011. Aussi incroyable que cela puisse paraître pour une telle oeuvre, il ne semble pas y avoir eut jusqu’à maintenant de traduction anglaise.
Parlons d’abord ici de l’auteur. Sh?tar? Ishinomori est né Onodera Sh?tar?, mais a publié sous le pseudonyme de Ishinomori (d’après sa ville natale dans le district de Tome, préfecture de Miyagi). Comme l’orthographe de son nom [??] était trop souvent prononcé “Ishimori” par erreur il le changea en 1984 [???]. Il est décédé en 1998 à l’âge de soixante ans. Il fait partie de la première génération de mangaka et peut ainsi être considéré comme l’un des grands maîtres du manga. Il a fait ses débuts en 1954 en participant à un concours pour “dépister” des artistes débutants organisé par le magazine Manga Sh?nen. Remarqué par Osamu Tezuka, il devient brièvement son assistant pour Astro Boy et, dès la fin de son secondaire en 1956, il le rejoint à Tokyo dans le fameux Tokiwas? (une sorte de commune de mangaka fondé par Tezuka) où il demeure jusqu’à la fin de 1961. Son premier gros succès a été Cyborg 009 en 1964, prépublié dans le Weekly Shonen King de Kodansha pour être finalement compilé en trente-six volumes et pour lequel il a reçu le prix Kodansha en 1967 (disponible en français chez Glénat, collection Vintage).
Ishinomori est surtout connu pour ses histoires de science-fiction destinées à un jeune public (Cyborg 009 en 1964, Genma Taisen en 1967 ou The Skull Man en 1970) et ses séries télévisées de sentai (super-héros) tokusatsu (effets spéciaux) comme Kamen Rider (1971) et Kikaider (1972). Plusieurs de ces titres sont disponible en anglais chez le fournisseur de digital comics ComiXology. Un autre de ses titres sh?nen, Ry? no Michi (1969, Le Voyage de Ryu), est disponible en français chez Glénat (Coll. Vintage).
Ishinomori a toutefois produit des histoires réalistes plus sérieuses, destinées à un public plus âgé, comme Sabu to Ichi Torimono Hikae (Weekly Sh?nen Sunday: 1966-68 et Big Comic: 1968-72, Prix Sh?gakukan en 1968, traduit en français chez Kana, collection Sensei, en quatre volumes), Kuzuryû (1974, l’histoire d’un vendeur ambulant de médicaments, traduit en français chez Kana, coll. Sensei), Miyamoto Musashi (1974, l’histoire du célèbre ronin, également traduit en français chez Kana, coll. Sensei), Sandarobotchi (Big Comic: 1975-81, une histoire sans beaucoup d’action qui se concentre sur le développement des personnages et la description de la vie quotidienne d’un fabriquant de jouets en bambou qui fait aussi du recouvrement de créances dans le quartier Yoshiwara d’Edo, la Tokyo du 18e siècle) ou Hotel (1984-98, prépublié dans Big Comic, compilé en 25 vols, gagnant du Prix Sh?gakukan en 1988, raconte la vie quotidienne du personnel et des clients d’un hôtel). Hokusai appartient à cette partie de l’oeuvre de Ishinomori mais demeure un ouvrage mineure dont on parle peu.
Ishinomori a également produit quelques ouvrages plus didactiques: Manga Nihon keizai ny?mon (1986, 4 vols., partiellement traduit en anglais par University of California Press sous le titre Japan Inc et en français chez Albin Michel sous le titre Les Secrets de l’économie japonaise en bande dessinée), Kurodaiku (publié dans Business Jump et qui se déroule dans le monde des affaires), ou encore Manga Nihon no Rekishi (une histoire ambitieuse du Japon publiée chez Chuo Kohron depuis 1989 mais qui reste malheureusement inachevée).
Sh?tar? Ishinomori a été un auteur polyvalent tant dans la diversité de ses sujets que de son style et surtout un mangaka très prolifique (il est connu pour avoir dessiné parfois plus de cinq cent pages en un seul mois et produit au-delà de 70,000 pages de manga durant les trente premières années de sa carrière–un exploit rendu possible en partie par la simplicité de son dessin et par l’utilisation d’assistants [Thierry Groensteen, L’univers des mangas, pp. 98-100; Frederik Schodt, Manga! Manga!, p. 139]). Il a eut une grande influence sur le genre (on retrouve parmi les nombreux artistes a avoir été ses assistants des noms comme Go Nagai ou Keiko Takemiya).
Il est malheureux de constater que l’ensemble de l’oeuvre des membres de cette première génération de grands mangaka, à laquelle appartient Ishinomori, a longtemps été ignoré par l’occident, probablement à cause de son style graphique qui, à l’opposé de la profondeur de ses sujets, était perçu comme trop simple (sinon enfantin et parfois caricaturale) pour être prit avec sérieux. Toutefois, ces dernières années, le public occidental (jusqu’à maintenant surtout en France) a finalement commencé à s’intéressé à ces auteurs qui ont définit le genre du manga, surtout grâce au travail d’éditeurs comme Glénat (avec sa collection Vintage) et Kana (avec sa collection Sensei). Dans le monde anglophone le réveille semble un peu plus lent mais des éditeurs indépendants comme drawn and quarterly ou Vertical semblent ouvrir la voie.
Hokusai est un personnage complexe qui est certes difficile à cerner dans le cadre d’un manga mais Sh?tar? Ishinomori réussi très bien à la faire (quoiqu’en près de six-cent pages!). La preuve de cette complexité, comme le dit lui-même Ishinomori dans sa postface, c’est que durant son exceptionnellement longue existence (en effet il était rare à l’époque de vivre jusqu’à quatre-vingt-dix ans), Hokusai a utilisé une cinquantaine de noms (ou variantes de noms) différents, a déménagé plus de quatre-vingt-dix fois et était presque constamment sur la route, à la recherche de nouveaux paysages à mettre sur papier ou d’une façon de se ressourcer. Cette étonnante vitalité a fait de lui un artiste très prolifique (environ 30 000 dessins!), ce qui lui a fait connaître de son vivant la notoriété mais jamais le succès financier et il vivra donc dans la pauvreté.
Ironiquement, comme c’est souvent le cas pour les grands artistes, c’est la postérité qui lui donnera le succès et lui conférera une grande influence sur l’ensemble du monde artistique (tant au Japon que dans le reste du monde, notamment sur les impressionnistes français avec le japonisme). Hokusai nous donnera donc des oeuvres iconiques tels les “Hokusai Manga” (1814-1834, 12 vols., ces carnets de croquis, illustrant la vie quotidienne de l’époque, auraient popularisé le mot “manga” mais il signifit plutôt ici des “esquisse spontanée”), “Le rêve de la femme du pêcheur” (c. 1820, une scène érotique [shunga] où une poulpe caresse une femme, réputée pour être à l’origine du concept de shokushu ou hentai tentaculaire), “La grande vague de Kanagawa” (1831, de la série Fugaku Sanj?rokkei, “Trente-six vues du mont Fuji”), ou encore les “Cent histoires de fantômes” (Hyaku monogatari, 1830-35).
Ishinomori précise toutefois qu’il a tenté d’esquisser une biographie romancée de Hokusai: “j’ai essayé plus ou moins de respecter les étapes de la vie de Hokusai, mais j’ai préféré mettre l’accent sur les zone d’ombres qui la composent” dit-il dans la postface, et il a donc “créé pour cela une sorte de personnage imaginaire.”
Le nom de Katsushika Hokusai (1760-1849), avec ceux de Utamaro et de Hiroshige, est devenu synonyme d’estampes japonaises (Ukiyo-e). Très jeune Hokusai, alors nommé Tetsuz?, s’intéresse à la peinture. Toutefois Ishinomori ouvre son récit non pas avec la naissance d’Hokusai mais avec les derniers moments de celui-ci, puis enchaîne avec l’instant où (en 1799, au seuil de la quarantaine), contemplant la constellation de la Grande Ourse (appellé hokutosei au Japon, où “hoku” signifit “nord”), il décide de changer son nom, maitre S?ri, pour Hokusai afin de “repartir à neuf.” Il a de la difficulté à faire accepter ce nouveau nom et doit réaliser des exploits publiques (comme peindre en 1804 un portrait géant du maitre zen Daruma) pour s’imposer à nouveau sur la scène artistique. Ce n’est qu’à la page soixante-treize qu’Ishinomori utilise un flashback (en fait un cauchemar) pour raconter l’enfance de l’artiste où il travaille comme livreur de livres, puis apprenti dans un atelier de gravure (1775), chez un fabriquant de miroir (son beau-père) et finalement auprès de l’artiste Katsukawa Shunsh? (1778-92) où il prend le nom de Shunr?.
Avec l’aide d’un autre flashback, Ishinomori poursuit son récit de la vie de Hokusai. Sa femme étant partie avec les enfants et renié par l’école Katsukawa, Hokusai connait des temps difficiles. Il reprend alors le nom de l’artiste décédé Tawaraya S?ri (1795-98) et continue sa recherche artistique en étudiant de nombreux styles (kano, Sessh?, la peinture chinoise, la gravure sur cuivre, etc.). Après avoir peint une décennie sous le nom de Hokusai (1799-1810) il n’est toujours pas satisfait de son style. Ayant atteint une grande notoriété, il organise des expositions et accomplit de nouveaux exploits (peindre sur un grain de riz, faire de nouvelles peintures géantes, performer pour le shogun), mais réalise qu’il a cessé de progresser. Il a cinquante ans. Il prends donc le nom de Taito (1811-19) et entreprends de nombreux voyages, observant les paysages de la campagne nippone, les habitations, et surtout les gens, dans leurs gestes de la vie quotidienne, qu’il esquisse sans cesse dans ses fameux “Hokusai Manga.” Il peint parfois sous le pseudonyme de Gaky?jin, c’est-à-dire “vieux fou du dessin!” Ishinomori nous décrit plusieurs anecdotes et mésaventures que Hokusai aurait vécu sur sa route.
Par la suite, le récit de Ishinomori est plus décousu et anecdotique. Dans le chapitre cinq, “Mon ami Hokusai (50 ans),” il raconte la collaboration houleuse entre Hokusai et l’écrivain Bakin. Dans le chapitre six, “Honjo Warigesui (85 ans)” [le titre réfère au quartier où est né Hokusai], alors qu’il est harcelé par le serviteur d’un riche seigneur qui désir lui passer une commande, Hokusai (alors nommé Miuraya Hachiemon) raconte les origines de sa famille et son enfance. Dans le chapitre sept, “Les trente-six vues du mont Fuji (67 ans),” Ishinomori revient sur les voyages de Hokusai avec une anecdote où un mystérieux individu attente à sa vie et l’accuse du meurtre de sa femme. Dans le chapitre huit, “Manji (74 ans),” Hokusai est troublé par de nombreux cauchemars (qui lui inspirent sans doute ses “Cent histoires de fantômes”) et harcelé par son petit-fils Eikichi qui lui réclame de l’argent. Dans le dernier chapitre, “Miroir de la Chine et du Japon (80 ans),” Hokusai passe ses journées à observer la mer et à dessiner inlassablement; il a la vision d’une jeune femme à demi-nue qui sort de la mer. Ishinomori clôt sont ouvrage avec un épilogue où il revient sur les derniers moments de Hokusai en 1849.
Hokusai est un excellent manga. Le dessin est simple mais efficace et s’apparente beaucoup à celui de Tezuka (c’est normal puisqu’il l’admirait et a été son assistant). Bien sûr, les nombreux changements de nom et flashbacks peuvent créer de la confusion chez le lecteur mais on s’habitue vite aux techniques narratives de Ishinomori. Le récit est empreint de beaucoup d’humour et serait un livre accessible à tous si ce n’était des nombreuses frasques amoureuses de Hokusai qui sont autant d’opportunité pour illustrer de la nudité (ce qui est habituel pour les japonais). Un aspect que j’apprécie particulièrement est le fait que Ishinomori introduit beaucoup de reproductions des dessins de Hokusai pour illustrer et jalonner le récit. Finalement, malgré qu’il semble prendre beaucoup de liberté avec la vie de Hokusai, Ishinomori en livre l’essentiel d’une façon agréable qui impressionne probablement plus l’esprit du lecteur que ne le ferait une lecture plus académique. Tout cela en fait une lecture incontournable et je le recommande chaudement.
Hokusai, par Sh?tar? Ishinomori. Bruxelles, Kana (Coll. Sensei), juin 2010. 18,0 x 12,7 x 3,5 cm, 592 pg., 15,00 € / $26.95 Can. ISBN: 978-2-5050-0893-4. Recommandé pour “public averti” (14+ à cause de scènes de nudité).
Continuez après le saut de page >> “Mugumogu” a d’abord mis un video de son chat, Maru, sur YouTube. Avec plus de 100 millions de visionnements ce fut un grand succès. Puis, il a créé un blog pour son chat où il postait toute sorte de photos de Maru, chroniquant ses exploits et mauvais coups. Finalement, il a prit toutes ces photos et en a fait un livre illustré qui s’est vendus à 30 000 exemplaires au Japon. Ce livre a été traduit en anglais chez Harper Collins et est disponible depuis peu en français. Maru a ainsi acquit le même notoriété que le “Keyboard Cat”, Nora le félin pianiste ou encore “Grumpy Cat”.
C’est un livre de table tout à fait charmant. L’auteur explique un peu l’histoire de ce scottish fold tigré marron à chaussettes et gants blancs, né le 24 mai 2007. Il lui donne la parole et lui fait raconter de nombreux anecdotes sur sa vie de félin, ses lubies, ses coups de coeur. Bon, les textes n’ont pas vraiment d’importance puisque ce sont les photos qui font le charme de ce livre illustré. Ce chat est vraiment mignon. Je suis sûr que vous craquerez pour lui.
“De retour en Écosse, Yoko et Emilia reçoivent une étrange visite. Un notaire vient leur annoncer que l’arrière-grand-tante d’Emilia lui a légué son cottage… pour la remercier de lui avoir sauvé la vie en 1935 ! Intriguées, les deux amies se rendent sur place pour y trouver le fiancé de l’arrière-grand-tante qui leur explique son histoire. En 1934, il a inventé une machine à remonter le temps et l’a utilisée pour voyager dans le futur afin d’y trouver un médicament contre la tuberculose, mal dont se meurt sa promise. Mais resté coincé au XXIe siècle, il lui a fallu du temps pour réparer sa machine et, trop vieux pour faire le voyage-retour, il demande à Yoko et à Emilia de porter le remède dans le passé. Les deux amies n’ont pas le temps d’hésiter: piégées, elles se retrouvent dans les années 30 où elles auront affaire à des comploteurs russes et une étrange pierre précieuse au pouvoir maléfique.”
In 2019, the Japanese government (following a trend that we start seeing today in many developed societies) pass a very strong censorship law in order to protect the country but it has the adverse effect of dangerously diminishing the freedom of expression. An armed force is created to search and eliminate any documents that contravene the law. However, libraries in Japan have their own law that gives them freedom in collecting and offering their materials, guaranteeing privacy to their users and categorically opposing any type of censorship (it’s based on the Statement on Intellectual Freedom in Libraries, a real law passed in 1954 and amended in 1979). Therefore, an armed force is created to protect libraries against such censorship. The story follows Iku Kasahara, a young woman who had always dreamed to join the Library Defense Force, as she becomes a recruit and discovers all the challenges of a paramilitary life.
Yesterday, we’ve learned from Anime News Network that “Montreal’s Fantasia International Film Festival will screen the Canadian premiere of the live-action Library Wars film this summer”. Fantasia’s scheduling is yet to be announced.
In the meantimes, you can have a quick look on the movie’s trailer Dailymotion:
Les Métamorphoses ou l’Âne d’or (Metamorphoseon / Asinus aureus) a été écrit par Apulée (125-180) au IIe siècle et raconte les tribulations de Lucius. Celui-ci est de bonne condition: il vit avec aisance et le fait qu’il voyage en Thessalie pour affaires en compagnie de son cheval et d’un esclave le démontre bien. Sa trop grande curiosité à l’égard de la magie mettra cependant fin à sa bonne fortune. Il se verra plongé dans une honteuse déchéance lorsque, document.write(“”); transformé en âne, il vivra de multiples mésaventures à la recherche de sa forme originelle. Ce n’est qu’après ces nombreuses aventures, certaines heureuses mais la plupart malheureuses, où il change souvent de propriétaire et échappe sans cesse au trépas, que Lucius redeviendra un homme, non sans avoir subit une profonde transformation.
Les métamorphoses est non seulement un excellent ouvrage qui rend bien compte de l’imaginaire romain mais il se lit avec aisance et est d’une modernité étonnante tant dans la clarté de son action, le réalisme de ses descriptions ou l’absence de fausse pudeur dans ses scènes érotiques (c’est le cas aussi pour le seul autre roman de l’antiquité à nous être parvenu: le Satyricon de Pétrone). Il est toutefois surprenant de constater que l’on retrouve dès l’antiquité, dans ce roman d’Apulée, des thématiques typiques du merveilleux. Roman satirique ou conte fabuleux, Les Métamorphoses est donc une histoire de fantasy avant la lettre.
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La thématique la plus constante dans le roman d’Apulée est celle de la magie (ou sorcellerie) que l’on retrouve plus particulièrement sous ses aspects d’altération (la sorcière se changeant elle-même, ou une autre personne, en animal), d’enchantement ou de divination. Elle concurrence sérieusement la thématique plus classique de l’intervention divine, qui n’apparait d’ailleurs que dans les fables insérées dans le récit. À part ces quelques réminiscences de la mythologie classique, la tradition populaire est nettement dominante. Il faut croire que le folklore des campagnes n’a guère changé en deux-mille ans.
D’autres thématiques typiques de la fantasy sont également présentent, comme celle du “bestiaire” surnaturel. Orcus, un dieu mineur des morts chez les romains (et un célèbre démon dans Dungeons & Dragons) est mentionné une demi-douzaine de fois. Il est question de divers types de fantômes: les lémures (des âmes sans corps), les lares (démons protecteurs), les larves (damnés errants) et les mânes (morts de condition incertaines). On y voit aussi une sorte de loups-garou: les versipelles (des hommes qui peuvent se changer en bêtes à volonté). Et des dragons apparaissent à plusieurs reprises dans le récit: les soeurs de Psyché imaginent son invisible amant comme un reptile monstrueux, la source du Styx où Psyché doit puiser une eau sombre pour Vénus est défendue par des dragons dotés de mâchoires aux dents cruelles et d’une langue à triple fourche (VI, XV, 5: inter genas saevientium dentium et trisulca vibramina draconum), un compagnon de voyage de Lucius est dévoré par le dragon monstrueux qui est le gardien d’un bois, et Lucius, lors de son initiation isiaque, porte une robe ornée de figures de dragons de l’Inde et de griffons hyperboréens.
On rencontre souvent dans le récit des personnages ou des lieux dotés d’attributs fabuleux ou magiques: des gens qui peuvent parler aux plantes, aux animaux ou même aux objets inanimés; des palais somptueux emplis de serviteurs invisibles et où les tables demeurent toujours garnies (le palais de Cupidon); et l’existence de lieux “autres” tels que l’Enfer, le Tartare, l’Olympe, et même le palais de Cupidon est situé dans un “ailleurs” où l’on est transporté par le vent Zéphir (la mythologie semble généralement laisser croire que cet “ailleurs” est géographique — l’Olympe dans le ciel et l’Enfer dans le sol — mais par moment on semble y déceler une notion primitive de plan dimensionnel).
Plus que la thématique, la structure même du récit d’Apulée l’apparente au roman de fantasy. Les Métamorphoses offre un aspect féerique du fait que la narration principale est régulièrement interrompue par le récit de divers contes, fables ou légendes, ce qui n’est pas sans rappeler les Mille et une nuits, écrit au Moyen-âge, ou même Le seigneur des anneaux de J.R.R. Tolkien. Le récit est savamment entrecoupé de ces contes fabuleux: on y retrouve trois histoires racontant les exploits d’un groupe de brigands, trois histoires d’amour (Cupidon et Psyché, Plotina, Charité) et enfin le récit de trois adultères qui se terminent en crimes monstrueux. Le conte de Psyché est particulièrement connu: Vénus, jalouse de Psyché, charge son fils Cupidon (Eros) de l’éliminer mais celui-ci l’amène plutôt dans son palais en lui cachant sa véritable identité (ce conte s’apparente à un autre récit ancien: un jeune prince, changé en dragon par un maléfice, ne pouvait rejoindre sa bien-aimée qu’à la nuit tombante et à condition de lui demeurer invisible et qu’elle en conserve le secret).
De plus, le récit adopte aussi la forme d’une quête: c’est l’histoire typique du héros qui, confronté à une tâche ou à des épreuves, doit surmonter une série d’obstacles, ce qu’il ne réussit qu’après avoir mis à jour les faiblesses qui le rendaient vulnérable. Toutefois, Lucius n’est pas seulement à la recherche du bouquet de roses qui annulera le charme qui l’a transformé: il vit un véritable voyage initiatique et purificateur qui lui gagnera les faveurs de la déesse Isis. Celle-ci non seulement le délivrera de l’enchantement et le prendra sous sa protection divine mais, après lui avoir révélé les mystères de son culte, lui offrira une vie nouvelle au sein de son clergé. Cette transformation et son initiation au culte d’Isis lui offrent le salut éternel. Lucius voit donc son quotidien exploser, il vit des expériences totalement différentes de ce qu’il a connu jusqu’alors, qui le changent profondément et puis le font renaître (On note que les cultes initiatiques ou dit “à mystères” greco-romains avaient plusieurs aspects communs avec le Christianisme). Ce genre de quête initiatique est un élément propre à la fantasy.
Allégorie morale et religieuse sur la souffrance et le salut (quoique pleine d’humour), Les Métamorphoses me rappelle un peu, entre autres romans de fantasy, Le château de Lord Valentin de Robert Silverberg, où un prince déchu et amnésique retrouve son pouvoir (et bien plus) après une sorte de quête initiatique.
Ce roman, donc, non seulement nous instruit agréablement des moeurs et des croyances de la Rome antique, mais encore constitue un étonnant récit de fantasy. C’est une lecture pour les gens curieux. À lire (ou à relire).
Les Métamorphoses ou l’Âne d’or par Apulée. Traduit par Olivier Sers, Paris, Les Belles Lettres (Coll. Classiques en poche, #82), juin 2007. 10,8 x 17,8 cm, 576 pg., 19,30 € / $32.95 CDN. ISBN 978-2-251-79993-3. Edition bilingue (Français et latin).
Ceci n’est pas l’édition que j’ai consulté. Si je ne m’abuse j’ai lu celle de la Collection des Universités de France (dite “Collection Budé”), toujours aux Belles Lettres, en trois volumes (1940-45, multiples rééditions, traduit par P. Vallette, avec texte latin en regard). Mais l’édition ci-haut est plus intéressante et plus récente. Pour une édition plus abordable, je recommande soit celle de Folio Classique, soit l’édition anglaise de Penguin Classics. (Apparemment il en existe aussi une adaptation graphique, aux allures érotiques, par Milo Manara aux Humanoides Associés. C’est à voir!)
Pour plus d’information vous pouvez consulter les sites suivants:
Ce billet est une version légèrement corrigée et augmentée d’un article paru dans Samizdat #11-12 (Avril 1988): 11-13.
“If you are cold, tea will warm you; if you are too heated, it will cool you; If you are depressed, it will cheer you; If you are excited, it will calm you.” ― William Ewart Gladstone
“La légende raconte que pour lutter contre une terrifiante armée des ténèbres, document.write(“”); l’empereur missionna 14 vaillants guerriers à qui il confia 14 lances sacrées. 3 d’entre eux, “les glorieux guerriers sans retour”, périrent au combat. 4 autres, surnommés “les lances de la trahison”, furent exécutés par leurs compagnons pour félonie. Les 7 derniers accomplirent leur mission et furent accueillis en héros à leur retour.”
Il y a quelques semaines sur NHK World, je suis tombé sur une émission de Imagine-Nation qui introduisait le manga Übel Blatt de Etorouji Shiono. Je n’en avais jamais entendu parlé mais le style me paraissait intéressant alors je me suis réservé le premier volume à la bibliothèque. Je me suis toutefois aperçu par la suite qu’il y avait un volume zéro qui introduit probablement le personnage principal et ses origines (quoique le premier volume en fait un bon résumé et je n’ai donc pas l’impression d’avoir manqué quelque chose).
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Ce manga 
Clodjee's Safe-House 