Ghost in the Shell: Stand Alone Complex was a big hit in 2003 and Japanese DVD sales did great, so the creative team at Production I.G. decided to bring out a second season (titled “2nd Gig”). Now fans can look forward to another 26 episodes of cyber-political intrigue and action.
I can easily imagine that director Kenji Kamiyama was under a great deal of stress, with his work being compared with Mamoru Oshii’s Innocence, and to meet the fans’ expectations after the first season! Despite the high stakes, the young director was up to the task and I think he did a marvellous job. The “2nd Gig” is even better and more intriguing than the first season. He succeeded totally in creating his own world, telling the story in his own personal style, and we don’t even feel the need to compare his series with Oshii’s movie. Each has its own merit.
Kamiyama not only respected Masamune Shirow’s original manga, but he gave it life by detailing, even more so than Oshii’s movies did, its near-futuristic setting defined by the interaction of humanity and technology in a complex Asian geo-political environment. His strong, captivating storytelling is very well supported by the superb animation, the beautiful and elaborate artwork and an enchanting soundtrack. It is so great to see that there is such a great new talent in Japan, able to create a serious and intelligent story that can both entertain our senses and stimulate our mind. It is not surprising that both seasons of the TV series have received a great deal of acclaim, not only from anime fans, but also from those who seek serious science fiction shows.
As the “2nd Gig” starts, Section 9, which had been dissolved at the end of the 1st season, is resuming its job as an anti-cyberterrorist mobile unit. Although the team has returned, their work isn’t easy, and many difficulties lie ahead of them. The Japanese political landscape is changing and the government is keeping a close eye on their special police. The “Laughing Man” case might be solved, but it doesn’t take long for another terrorist organization, “The Individual Eleven,” to show up. Who are they? Are they the result of another “Stand Alone Complex”? They seem to be stirring up an uprising against the Asian immigrants and refugees. Could it be that simple? But some other politically-motivated forces seem to be at work. Can Major Motoko Kusanagi and her team unravel the complex overlapping political plots before they affect the nature of the government?
Technology might be omnipresent in Stand Alone Complex, but it is not overwhelming. In the “2nd Gig,” Director Kamiyama and Production I.G. keep an even greater focus on the human side of the story by exploring the characters’ hearts and emotions — even in the case of some of the terrorists. Each key member of Section 9 has a dedicated episode where we learn more about their past and personality. It is not done simply to paint a richer background; every single bit of information has its meaning. They also give a more humane face to the government (more likeable than the usual fat, corrupt, old minister) with the new Japanese prime minister, a young, good-looking lady who embodies the beauties (and sometime ineptitudes) of democracy. In contrast, there is the ugly face of Gohda, a shady character who embodies the threat of militarism. Also, the intelligent Tachikoma robots (their name means “standing, spinning top”) are back with a new, expanded sidekick role (definitely inspired by Motoko’s cute “helper” programs in the Man-Machine Interface manga). With their cute voices and comical comments, they give a human feel to the technology.
The terrorism and the Asian refugees’ problems seem to be an allusion to the Palestinian question and to some conspiracy theories that surfaced after 9/11 in Europe and in Japan (such as, American right wing groups being behind 9/11 in order to justify military action abroad and domestically limit civil liberties). But it is only used to emphasize the fact that, even in the future, terrorism — the favorite style of warfare of the 21st Century — is still omnipresent and we still haven’t found a way to deal with it. Despite all the advanced technology, humanity is still facing tremendous problems (war, pollution, corruption, poverty, overpopulation, crime). Nothing changes, and even the future’s future is still uncertain. Is there a solution to the crisis? Is there a possibility for us humans to be saved? The answer in “2nd Gig” might be in the origami cranes that appear in some episodes and that symbolize the prayers for peace and salvation. All we can do is, like Section 9, act with courage and determination (even if it means going against the rules sometimes), pray and hope for the best!
In conclusion, “2nd GIG” is even better than the first season. While still very political, dealing with terrorism and immigration problems, it also elaborates on more of the personal history of each of the main characters, including Major Kusanagi. The cyberpunk political intrigue is at moments a little complex, but it is the most intelligent anime series I have ever seen and it is superbly animated. It’s not all action, there’s also drama — and I did cry a few times. A real masterpiece! Of course, such an exceptionally excellent anime series cannot be seen only on TV. You have to purchase the DVD to watch it over and over again, to enjoy all the minute details of this superb animation and share the experience with your friends! And if after that you want more, the series was followed by a movie: Solid State Society.
With the TV version of Ghost in the Shell (Kokaku Kidotai) director Kenji Kamiyama (and his production team — including the full support of original creator Shirow Masamune) is bringing a new dimension to the standard police detective drama adding a techno-cyberpunk flavour. Not only is this a very high quality show visually (HD full-digital screen to satisfy even the most hard-core fan!), but it is also full of exciting, intelligent storytelling. You can see that the writers really put forward their best efforts to attract viewers.
The story is set in a future Tokyo populated with high-tech doohickeys, and lots of cyborgs and androids. Fans of Ghost in the Shell find out immediately that this story is quite different from the manga or games. It’s a kind of alternate world created for the TV series, closer to what was already developed for the movie. The manga is funny and set in a fictitious future (lots of made-up names) where Section 9 is an international anti-terrorist unit. The TV series’ setting feels less like a militaristic anti-terrorist outfit and more like a special police force dealing with cyber crimes. It is more serious and more realistic. Nevertheless, like the movie, which was based mostly on the manga, the TV series is using bits and pieces of the manga’s story. We could consider the TV series as a prequel to the movie, whereas the new manga, Man-Machine Interface, is the direct sequel of the original manga.
So what do they mean by “Stand Alone Complex”? It could mean that the series is mostly made of stand alone episodes (self contained stories), with a few more complex episodes (the “Laughing Man” story arc). However, episode 6 also provides another explanation: it refers to the fact that Laughing Man’s imitators are independent copycats, created without an original. To me it seems that Production I.G.’s writers want to make the point that “It’s extremely difficult and almost impossible today to stand alone in this complex society of computers and networks.” Each episode throws enormous amounts of technical information and detail about computers, science and politics for the viewer to digest. At first, for an average nincompoop like myself, the contents of this show can be too much, but with a bit of patience it’s certainly educational. I think, in a way, it’s charming to see so much information on technology. Compared to ordinary anime shows, the amount of dialogue and information is quite huge.
You really have to sit down and watch this TV show over and over again to catch the small details and to understand better. In this respect it shares much in common with its source, the manga. On the other hand, despite all this, the show can also be watched as an intelligent police/detective drama. The viewers can try to solve crimes with Section 9 members and get great satisfaction to see the conclusion of each cyber-crimes case. But don’t think that the show is as slow paced as the film — there is still a lot of action!
The characters seem to be like normal humans, but in fact most of them are cyborgs (or with some sort of cybernetic enhancement). I wonder if, in the near future, when humans begin to replace body-parts to improve their lives and live more comfortably, we’ll have different kinds of crimes? It’s the same type of premise as in Patlabor : if technology takes us there, the nature of crime will change. Of course we’re all human, but how in the world can we live and “stand” with our own personalities in this extremely complex society of the future? In this show, all criminals are making statements of a kind (politically, individually or otherwise).
This is certainly a strong series evolved from speculative fiction, with excellent (and exotic Russian sounding) music by Yoko Kannno (Cowboy Bebop, Escaflowne and Macross Plus) and viewers will enjoy this full-action crime fighting anime! In our opinion, this series clearly shows one thing: good writing and storytelling make a great difference! There are many shows with high quality visuals, but with weak stories. Ghost in the Shell is one of the best shows to come down the road in the last few years and hearkens back to a period where stories and strong characters were the main focus. I’d like to send out enthusiastic applause to the creators of this show!
Despite its high quality animation and intelligent story, the show has a few annoying details: the original opening is much better than the 3D one which starts with episode 3 and there are some technical impossibilities (like the cloaking devices which are not consistent with those in the movie).
This anime won’t disappoint you — in fact, you’ll be totally hooked! A must see show that I’d recommend to anyone. In order to understand the TV series a bit better it is recommended to have seen the movie or read the manga (you would already know the characters and technological background), but you will probably manage anyway if you just dive straight in (you’ll find some helpful information, right after the jump). The series was very well received with critics’ rating of 8.5 on IMDb and of 67% / 100% on Rotten Tomatoes. Enjoy !
This superb book is an Official Guide to the Stand Alone Complex TV series and offers an in-depth analysis of the background story as well as the production development. It features an introduction to the Ghost In The Shell’s world (manga, movies, video games, etc.), character profiles and designs, mechanical designs, synopses and background notes for the first 19 episodes, interviews with the creative staff and an essay on the science of Ghost In The Shell. It also includes an exclusive 90-min. DVD with never-before-seen footage, a documentary on the digital animation techniques used for the series and more interviews with the staff and cast.
This type of high-quality art book usually comes in a larger format, but if the 6 x 8.5 inches size is more practical it also means fewer and smaller illustrations presented in a more cramped layout. Still, the Official Log is quite useful when it comes to better understanding the complex story of the Ghost In The Shell TV series. It is a must-have for all serious anime fans!
Ghost in the Shell: Stand Alone Complex Official Log, Vol. 1 (by collective; editor, Robert Place Napton). [Cypress, CA] : Bandai / Manga Entertainment / Production I.G., October 2005. 148 pages (64 in colour) [DVD: Cat.# 25180, Subtitled, 90 min.]; Limited Edition (only 15,000 copy released), $49.98 US, rated 13+, ISBN: 1-59409-571-X.
Review originally published in PA #87 : 63 (December 2005 / January 2006). There is also a second volume but I haven’t seen it and therefore cannot comment on it. The book is old but seems to still be available online.
I’ll continue on the thematic of Ghost in the shell for a little while… I dug out those two reviews of the original GITS manga respectively published in PA #83: 20 (March-April 2005) and PA #84: 20 (June-July 2005) — however I have relativized the original rating. Note that I had already (briefly) reviewed those manga along with the live-action movie and that I have also reviewed The Ghost in the Shell Perfect Edition, tome 1.5 : [ Human Error Processer ]on this blog.
Ghost In The Shell
A totally superb book! This second edition offers the original Japanese size (5.75” x 8.25” which is a smaller, more convenient size than the original English edition, but still easy to read contrary to the 4” x 6” of Lone Wolf & Cub) and some extra pages that were originally cut because they were too racy (hence the 18+ rating and the parental advisory for explicit content). It is a nice thick book, with glossy paper, that has a good feel when held. Shirow’s artwork might be of variable quality, varying from the beautiful colour illustrations to the sketchy SD characters, but his story is solid and profound (although a little too technical by moments). Most of this first volume offers the framework for the first movie (with some variations and more details), but you can also find a few ideas that were used for the Stand Alone Complex TV series, and the sixth chapter is the basis for the story of the second movie. A classic and a must.
Like the first volume, this one is really a superb book. Even more than the first, since there is three time more colour pages, the designs are much nicer and the art is more detailed (particularly in the colour pages – however, a problem in the reproduction of the screen-tone sometimes creates an annoying shimmering effect in the B&W art). It is a more mature work. The story is more serious and complex, to the point that it becomes difficult to follow and understand. That’s the major drawback of the book. Motoko has merged with the Puppet Master and swims freely in the virtual sea of information. She has moved to the private sector and works as the head of security for Poseidon Industrial. Her new nature allows her to move from one artificial body to another, which is quite convenient in her line of work, but makes the story even more confusing. On top of that you have Shirow’s philosophical reflection on life, intelligence and existence. Besides the main character, the story of this book has not much to do with the first part. The art is sublime and the story challenging. A must.
“Ghost in the Shell: Stand Alone Complex takes place in the year 2030, in the fictional Japanese city of New Port. The story follows the members of Public Security Section 9, a special-operations task-force made up of former military officers and police detectives. The manga presents individual cases that Section 9 investigates, along with an ongoing, more serious investigation into the serial killer and hacker known only as “The Laughing Man.””
“Volume 1: No mission too dangerous. No case too cold. When a high-ranking government official is kidnapped, the Prime Minister must call in his top crime fighting force known as Section 9. Led by the beautiful (and deadly) Major Kusanagi, the cybernetically enhanced squad must use all their skill to take down the kidnappers and rescue the hostages. But that’s only half of the mission; can Kusanagi and company find out who’s behind the kidnapping, and, more importantly, just what they’re after? Find out in this thrilling first volume of The Ghost in the Shell: Stand Alone Complex!”
“Volume 2: The best offense is a strong defence? An advanced tech tank is on the loose and appears hell bent on heading into the city. To make matters worse, it has impenetrable defenses and all conventional efforts to stop its progress have failed. Now it’s up to Major Kusanagi and Section 9 to find a way to stop the tank’s inexorable march toward an unknown fate in the city!”
“Volume 3: Identifying the enigmatic hero. Marcelo Jarti, the hero of a democratic revolution, and South American drug dealer, has been coming to Japan periodically and no one knows why. The Major and Section 9 track his movements after he makes his latest appearance in the country. They are determined to figure out the meaning of his visits, but following Jarti leads to more than they could have possibly expected …”
“Volume 4: The power of misdirection. Section 9 receives a tip that a criminal group from Henan is planning on attacking a financial institution. To prevent the attack, Section 9 infiltrates the secret base of the criminals. The mission goes well and the threat is neutralized … or is it? Something is amiss, and Major Kusanagi and Section 9 must act quickly in order to stop the criminals from achieving their true goal.”
“Volume 5: Ageless new world. 16 years ago a terrorist group called the “New World Brigade” kidnapped a young girl named Eka Tokura. However, recent photos of Eka have surfaced and she appears to look exactly as she did 16 years ago. To investigate this mystery, the special unit of the Maritime Safety Agency was dispatched to a man-made island off the coast of Okinawa that has been seized by the Brigade. However, communication with the special unit has been lost, leaving this island and the Brigade in a shroud of secrets. Section 9 is tasked with the job of finding out what happened on this man-made island and discovering the truth behind Eka’s age-defying looks.”
I have already introduced the Ghost in the shell story created by Masamune Shirow when I talked about the live-action adaptation and the book 1.5 of the manga. However, my favourite part of GITS franchise was the anime TV series Stand Alone Complex. It is a police story with lots of human drama set in a post-cyberpunk environment. The TV series format allowed to make a great deal of character development for all the protagonists, the members of Section 9 Public Security unit. Usually, an anime is based on a manga but exceptionally, in this case, it is the opposite: the anime TV series came first (in 2002-2005) and this manga is a VERY faithful adaptation of a selection of five episodes (out of the fifty-two episodes of the TV series).
I like Ghost in the shell in general because it is a great cyberpunk story: people can get cyber-enhancements, the internet (the “network”) is everything, everywhere and can be used in unimaginable ways. The story also has strong social and political aspects, as it give a glimpse of a fascinating techno-dystopian future (which seems popular in Japan). In this context the “ghost” refer to the aspect of the mind that makes it unique and self-aware (the soul) even when it is digitized and uploaded to a cyber-brain or to the net, the “shell” is the body (biological or cybernetic) and the “standalones” are those who “remain outside the system” (not cyber-enhanced? air-gapped?).
Vol. 1, p. 8
Vol. 1, p. 9
Vol. 1, p. 10
Vol. 3, p. 85
However, I prefer the Stand Alone Complex series (both anime and manga) because I feel it offers the best designs (mostly of the characters) and storytelling (its TV series format allows for more development of both the characters and storyline). The anime movie (directed by Mamoru Oshii) was awesome but really too philosophical. By side-stepping the “puppet master” story arc, SAC is able to tell more stories of the most interesting character, Major Motoko Kusanagi, and to develop her background story in a very interesting way. Similarly, the orignal manga by Masamune Shirow is superb but the art is too detailed and the story too complex to be easily enjoyed. Shirow’s art also lacks consistency, looking sometimes very serious and sometimes (to be humorous) quite caricatural. With this new manga by Yu Kinutani the art is cleaner, more serious and steady while still being detailed enough. It is therefore much more enjoyable. The storytelling and layout follow closely the TV series (often even adding more scenes to make the action easier to follow in a static medium) so it almost feels like a storyboard.
Each volume of the manga series is adapting one episode of the TV anime. Volume one retell the story from episode 1 “Section 9”, vol. 2 covers the episode 2 “Testation”, vol. 3 recount the episode 7 “Idolater”, vol. 4 is about the episode 14 “¥€$” and vol. 5 give us its take on the episode 13 “Not Equal”. Volumes 1 and 4 also include three bonus short stories from the “Tachikoma Days” manga by Masayuki Yamamoto. Those are funny episodes involving the multi-legged artificial intelligence tanks (think tanks) called the Tachikoma — echoing the capsule video at the end of each episode of the TV series.
Vol. 3, p. 205
One annoying thing from Ghost in the shell (mostly for feminists and people unfamiliar with the franchise) is the way the Major is dressing: in a very provocative and sexy way. This is part fan service, of course, but the character has also a reason to do so. A full-cyber body (even if it has a generous feminine shape) feels and looks a bit cold and asexual, therefore the Major wears very alluring clothing to claim and express her femininity.I imagine she might think something like “with a body like this it’s better to show it” or maybe, feeling a little like a doll, she wants to dress like one. It also offers an element of surprise: nobody expects someone looking like her to be so strong and kick-ass!
Finally, my greatest disappointment about the GITS Stand Alone Complex manga series is that there are only five volumes. I guess it would have taken too much work and time to adapt all fifty-two episodes of the TV series. It is just too bad. However, if you want more, you still have the TV series — which was also complemented by three novels (available from Dark Horse), two OVA (The Laughing Man, Individual Eleven) and a movie (GITS: SAC – Solid State Society)…
I am already a big fan of GITS and of cyberpunk stories, but I particularly like this manga series because it offers strong designs and art, excellent storytelling and constitute an easy read. It is quite enjoyable if you like investigative stories with lots of action (sometime quite violent), rich socio-political themes and that are set in a cyberpunk future. I must admit that it has been a long time since I took so much pleasure in the reading a manga. I highly recommend it.
For more information you can consult the following web sites:
“L’Histoire en Manga: Une collection pour découvrir toute l’Histoire en image.”
“De la guerre de Troie racontée par Homère à l’émergence de la démocratie athénienne, des conquêtes d’Alexandre le Grand à la naissance de la culture grecque, du règne de César à la naissance du christianisme, ce manga raconte… l’antiquité grecque et romaine.”
“170 pages de bandes dessinées pour plonger avec plaisir dans l’Histoire… avec en + … des pages explicatives pour chaque chapitre, un cahier documentaire en fin d’ouvrage pour restituer les évènements dans leur contexte, des frises chronologiques, et des cartes…”
L’artiste a changé et on note une amélioration dans la qualité du dessin. La narration et le découpage du récit est conçu pour son effet dramatique afin de préserver l’intérêt du lecteur malgré le sujet un peu trop académique. Cette fois, je n’ai pas noté de fautes orthographiques ou factuelles (ce qu’il ne veut pas dire qu’il n’y en a pas). Toutefois, le principal défaut de l’ouvrage réside dans le fait que l’on tente de raconter plus de trois-mille ans d’histoire en moins de deux-cent pages. On y présente donc que les faits saillants d’une histoire pourtant riche en détails. Périclès est traité en à peine deux pages! Trente-six pages pour César et la République romaine (avec quelques pages consacrées à Cléopâtre — qui faisait d’ailleurs la couverture de l’édition japonaise) et à peine vingt-cinq pages pour l’Empire romain qui n’est d’ailleurs présenté qu’à travers l’histoire du Christianisme… Un cours éclair donc.
C’est néanmoins un bon manga éducatif qui peut servir à introduire le lecteur (jeune ou adulte) à l’histoire du monde d’une façon intéressante et divertissante.
L’Histoire en Manga: T. 2, L’antiquité grecque et romaine, par Fûta Kanta (dessin) et Hidehisa Nanbô (texte) (Traduction par Aurélien Estager). Montrouge: Bayard Jeunesse, septembre 2017. 192 pages, 16 x 23.5 cm, 12,90 € / $C 24.95. ISBN 978-2-7470-8391-1. Pour lectorat adolescent (11+ ans).
Vous trouverez plus d’information sur les sites suivants:
“L’éditeur scolaire japonais GAKKEN propose une collection de 12 tomes racontant l’histoire du monde. Dessins typiques du manga, couleurs saturées, scénario avec personnages servent à illustrer les grands épisodes de l’histoire.
Dans ce premier tome on découvre les débuts de l’humanité; le big bang, puis la Préhistoire et l’Antiquité égyptienne. Des pages chronologiques encadrent l’ouvrage. Un cahier de 32 pages documentaires richement illustrées vient étoffer les informations distillées dans les épisodes, ainsi que de nombreux compléments regroupés en fin de chapitre.”
J’ai déjà mentionné dans un billet (”Educational Manga“) que les mangas, en plus d’être très divertissants, pouvaient avoir une grande valeur éducative. Au-delà des adaptations de grands classiques littéraires et des nombreux mangas historiques, il existe au Japon plusieurs séries de manga qui ont pour but d’introduire auprès d’un public jeune l’histoire du Japon ou du monde d’une manière pédagogique, voir même encyclopédique. Il s’agit des Gakushū manga ou manga d’apprentissage.
Je n’aurait jamais cru pouvoir lire ce genre de manga en traduction. Et pourtant, en novembre dernier, en périphérie du Salon du Livre de Montréal, j’ai découvert chez Bayard Jeunesse une collection qui nous raconte L’Histoire en manga(mes deux sujets favoris!). La collection comporte (pour l’instant) huit volumes: v.1 Les débuts de l’humanité, v.2 L’antiquité grecque et romaine, v.3 L’Inde et la Chine antiques, v.4 D’Attila à Guillaume le Conquérant, v.5 De l’empire mongol à la Guerre de Cent ans, v.6 La Renaissance et les grandes découvertes, v.7 L’Histoire en Europe de la Reine Elisabeth à Napoléon (incluant la révolution industrielle), v.8 De la conquête de l’Amérique à la Commune de Paris. L’édition originale japonaise comporte douze volumes (il en resterait donc quatre à paraître).
Le premier volume, originalement intitulé Gakken Manga — Nouvelle Histoire du Monde, Volume 1: Les Temps préhistoriques et l’Orient ancien [ 学研まんが NEW世界の歴史 第1卷 先史時代と古代オリエント / Gakken Manga nyū Sekai no Rekishi 1Kan: Senshi Jidai to Kodai Oriento], nous introduit à l’histoire des débuts de l’Humanité, de la préhistoire au moyen-orient ancient. Le récit utilise comme prétexte trois collégiens turbulents qui se font coller en punition un exposé sur les débuts de l’humanité qu’ils réalisent grâce à l’aide de leur professeur de physique.
Évidemment, dans ce genre de manga documentaire, la qualité graphique n’est pas vraiment une priorité alors le dessin est plutôt moyen — mais il est en couleurs. Aussi, compte tenu de l’ampleur du sujet, on nous raconte tout cela en accéléré (moins de deux cents pages pour couvrir quelques millions d’années d’histoire!). Et bien sûr on retrouve plusieurs fautes d’orthographes et quelques erreurs factuelles (ou de frappe? Possiblement due à la traduction ou au lettreur?). Par exemple, on place la révolution agricole à “59 000 ans avant notre ère” alors que l’on voulait probablement dire 9500 ans… Mais dans l’ensemble c’est assez juste et c’est complété par un dossier qui reprend l’information couverte par le manga sous forme de texte.
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Même si ce genre de manga s’adresse surtout à un public jeune (onze ans et plus), cela reste intéressant pour tout âge. Au Japon, ces mangas sont souvent utilisé comme des manuels scolaires alors pourquoi n’en ferions-nous pas autant ici? Cela reste une bonne lecture relativement divertissante et assez éducative. C’est sans aucun doute l’ouvrage idéal pour intéresser un jeune lecteur à l’histoire du monde.
L’Histoire en Manga: T. 1, Les débuts de l’humanité, par Hirofumi Katô (dessin) et Hidehisa Nanbô (texte) (Traduction par Aurélien Estager). Montrouge: Bayard Jeunesse, septembre 2017. 192 pages, 16 x 23.5 cm, 12,90 € / $C 24.95. ISBN 978-2-7470-8390-4. Pour lectorat adolescent (11+ ans).
Vous trouverez plus d’information sur les sites suivants:
“While walking home from work one evening, Jeff Manning is struck by a car and killed. Not one but two women fall to pieces at the news: his wife, Claire, and his co-worker Tish. Reeling from her loss, Claire must comfort her grieving son and contend with funeral arrangements, well-meaning family members and the arrival of Jeff’s estranged brother — her ex-boyfriend — Tim.
With Tish’s co-workers in the dark about her connection to Jeff outside the workplace, she volunteers to attend the funeral on the company’s behalf, but only she knows the true risk of inserting herself into the wreckage of Jeff’s life. Told through the three voices of Jeff, Tish and Claire, Hidden explores the complexity of relationships, our personal choices and the responsibilities we have to the ones we love.”
My wife is a member of the Montreal’s Sherlock Holmes fan club, called The Bimetallic Question. Every year in January they are holding a formal dinner to celebrate his birthday. They always have a special guest speaker to talk about his/her work and share thoughts about a Sherlockian topic. It is usually a local writer or a Gazette columnist. Last year it was Montreal mystery writer Christopher Huang (I read and commented his book A Gentleman’s murder on this blog). This year on January 18th, being available, I decided to come with my wife to this “Master’s Birthday” dinner to meet this colourful crowd I was hearing so much about but mostly to listen to the guest speaker, writer Catherine McKenzie [ Biblio • FB • Goodreads • Google • Web ].
Born and raised in Montreal, she studied law at McGill University and now practices litigation in a boutique law firm. She has published nearly a dozen books: Spin (2009), Arranged (May 2012), Forgotten (October 2012), Hidden (2013), Spun (2014), Smoke (2015), Fractured (2016), The murder game (written in 2007 but only published in 2016 under the pen name Julie Apple — and used as plot device in Fractured), The good liar (2018), and — her latest— I’ll never tell (2019). Her next book (coming in June 2020) will be You Can’t Catch Me. She has also co-written First Street, a serialized audiobook, and published short stories in a couple of anthologies (J.T. Ellison’s A Thousand doors; J. McFetridge & J. Filippi’s Montreal Noir).
A brief sample of McKenzie presentation
I chose to read Hidden by chance, selecting it among the titles available at the library (as I couldn’t get her latest title on time to start reading it before her guest appearance at the dinner). Because McKenzie was invited to speak at the club dinner, I assumed that she was a mystery or crime writer, but Hidden is neither. McKenzie started her career writing Women’s fiction (sometimes called Chick-lit). With Hidden (and later with Fractured and The good liar) she moved into Psychological fiction with a slight touch of a thriller. Although her characters often move in the legal world (law firms and courts), she starts putting elements of crime fiction into her writing only with I’ll never tell and You can’t catch me.
Hidden is very well written. It offers a compelling story about grief and adultery that knows how to keep the interest of the reader. Her characters sound quite true, so when the storytelling builds up with tension you really feel for them. She even manage a little twist at the end. I enjoyed reading this novel but couldn’t avoid being annoyed by the narration at the first person, done by three different characters — including the guy who died at the beginning of the novel! That’s rather unusual. I would have preferred that she put the name of the narrating character in the title of each chapter (I’ve seen this in other books). That way it would not have taken me a few pages into each new chapter before figuring out who the narrator was this time…
I also noticed that she “lied” in her presentation at the club. When asked if she based her characters on herself she said categorically “no”, arguing that when editors say “write about what you know“ it is a misconception that authors write about themselves. In the contrary, my experience in the literary world tells me that writers (consciously or not) always put a part of themselves into some of their characters. McKenzie characters are often working in the legal world so she clearly uses part of “what she knows” (her own experience as a woman, as a mother, as a lawyer) to create the setting of her fictions. In Hidden (p. 303), Jeff accused Tish of having lied about her golf handicap but she answers that she told him about her bad putting when they first met, adding “I have perfect recall of conversations.” McKenzie used this exact sentence, verbatim, during her presentation as she was explaining that she was sometimes using in her books real conversations she had had or had heard. I rest my case.
Hidden was a very good reading. I enjoyed it greatly. It’s nice sometimes to read a simple book about the complex life of everyday people. I’ll certainly try to read more of Catherine McKenzie’s work.
Hidden, by Catherine McKenzie. Toronto: HarperCollins, June 2013. 360 pages, 14 x 21.5 in, $C 19.99. ISBN 978-1-44341-190-5. For young adult (16+).
For more information you can consult the following web sites:
“Visionary filmmaker Peter Jackson presents a startling new adventure unlike any you’ve seen before. Hundreds of years after our civilisation was destroyed, a new world has emerged. A mysterious young woman named Hester Shaw leads a band of outcasts in the fight to stop London — now a giant predator city on wheels — from devouring everything in its path.”
In an improbable but quite beautiful steampunk future, cities made themselves mobile in order to gather more ressources and survive the man-made apocalypse. Not much of the technology displayed seems realistic. I doubt that putting the city of London on wheels would be physically possible as the mechanical parts of the engine would crumble under its own weight… Despite the very simple and unoriginal story (young rebels, full of love and thirsty for vengeance, trying to defeat evil and power hungry madmen) the superb background settings and great special effects make this movie very entertaining. Unfortunately, it seems that it was not enough for the audience as it failed at the box office and received low ratings from the critics (6.1 on IMDb, 27% / 49% on Rotten Tomatoes). Interesting facts, the movie is directed by Christian Rivers but has the marks of Peter Jackson all over it (as one of the script writers and producers, sfx by Weta). It is also based on a series of YA novels written by Philip Reeve.
Some critic called it a “steampunk Star Wars”. I see it more as an allegory alluding to western societies which consume (in both meaning of eating and destroying) everything in their path, as opposed to more peaceful and nature-friendly eastern societies. Mortal engines is an intriguing movie that will feed your imagination and provide great entertainment. It’s certainly worth seeing.
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Je continue de passer en revue pour vous quelques périodiques intéressants, cette fois-ci consacrés à la bande dessinée et aux littératures de l’imaginaire…
Dans le cahier critique je remarque le tout dernier Naoki Urasawa, Asadora ! t.1 chez Kana (Top! “Urasawa démontre une nouvelle fois toutes ses qualités d’écriture et de mise en scène dans un premier volume qui s’annonce très prometteur”) ainsi que les deux premiers tomes de Jujutsu Kaisen, par Gege Akutami chez Ki-oon (Super, un shonen supernaturel par “un jeune mangaka qui publie son premier récit en France (…) c’est bien écrit et dialogué, les personnages secondaires sont intéressants et la mise en scène nerveuse à souhait”).
Un numéro informatif mais qui n’offre rien de trop excitant…
Dans le volet fiction, ce numéro nous offre d’abord six histoires courtes:
“Chasseuse de soleil”, par Chloé Jo Bertrand. Ce texte est le lauréat du Prix Joël-Champetier 2019, décerné à un auteur francophone non-canadien. Dans un futur affligé par un hiver nucléaire qui a recouvert la planète d’une couche nuageuse, une jeune femme parcours l’Europe à la recherche du soleil. C’est un super beau récit, bien écrit et captivant.
“Monstresse”, par Sylvain Lamur. Une femme enceinte à bord d’un vaisseau spatial fait des cauchemars… C’est bien écrit mais j’ai pas trop compris ce qui se passait…
“Parler aux murs”, par Geneviève Blouin. Dans la vague des télé-réalités de rénovation et du mouvement KonMari, on trouve ici un petit récit humoristique où une thérapeute immobilier “parle” aux habitations (et non à leurs occupants) pour améliorer leur bien-être. Amusant sujet et intéressante narration.
“Nouvelle Représentation”, par Frédéric Parrot. Les Baïlorms sont une forme d’amibe/céphalopode télépathe en mission de reconnaissance sur Terre. Comme couverture, ils dansent au théâtreLudoscole pour le plaisir des humains qui ne se doutent de rien. Mais la représentation tourne mal… Intéressante scènette mais la fin demeure un peu obscure.
“Une table vide…”, par Michèle Laframboise. Une petite bande dessinée de deux pages rendant hommage à Joël Champetier, un “auteur accueillant et sympa (…) avec toujours un bon mot pour nous redonner courage.”
“Une nouvelle fantastique”, par Hugues Morin. Un homme tente de ressusciter son meilleurs ami mort de la leucémie… Très beau texte en hommage à Joël Champetier (le titre de chaque chapitre fait référence à une oeuvre de Joël). L’écriture est une bonne façon d’affronter le deuil en exprimant nos souhaits et regrets…
Dans le volet documentaire, on retrouve les incontournables Carnets du Futurible (par Mario Tessier) qui abordent cette fois le sujet de “la transmission sans-fil ou la radio en science et en fiction“. En bon historien, le Futurible commence par nous parler de l’invention de la TSF ou de la radio, puis il développe en expliquant comment celle-ci a été anticipée, puis utilisée en fictions, et surtout quelle a été l’importance et les conséquences des développements subséquents: télévision, radar, télécommande, téléphonie cellulaire, bluetooth, wi-fi, RFID, CB, baladodiffusion, radiodrame, radioastronomie, etc. Et, en bon bibliothécaire, le tout est très bien documenté. Tout à fait fascinant !
Le volet documentaire se poursuit avec les commentaires de lectures (critiques) qui se divisent en deux segments: l’un consacré aux ouvrages publiés au Québec (“Les Littéranautes”) et l’autre aux ouvrages publiés ailleurs (“Lectures”). Sur la trentaine ouvrages commentés (voir le sommaire en ligne pour la liste), je remarque surtout Oshima (Serge Lamothe, Alto), GEIST: Les héritiers de Nikola Tesla (Sébastien Chartrand, Alire), Pierre-de-vie (Jo Walton, Lunes d’encre), Trois Hourras pour Lady Evangéline (Jean-Claude Dunyach, L’Atalante), Or et Nuit (Mathieu Rivero, Les Moutons électriques), Le Temps de la haine (Rosa Montero, Métailié), et The Empire of Corpses (Project Ito & Toh Enjoe, Pika Roman, à ne pas confondre avec la version manga).
Comme je l’ai mentionné par le passé, je trouve dommage que les commentaires de lectures ne soient pas accompagnés d’un système de pointage (rating) numérique ou étoilé qui permettrait aux lecteurs d’avoir une idée immédiate et précise de ce que le critique pense de l’ouvrage qu’il commente. C’est une façon succincte pour le commentateur de résumer son évaluation comparative de l’intérêt (le sujet), de la qualité (technique d’écriture) et de la performance (divertissant ou non) du texte critiqué. C’est sans doute une politique éditorial raisonnée mais je suis en désaccord…
Solaris se présente dans un intéressant format de poche qui offre un contenu hybride entre une revue et une anthologie (Solaris se proclame d’ailleurs comme étant “l’anthologie permanente des littératures de l’imaginaire”). Personnellement, je n’aime pas trop lire des nouvelles (histoires courtes) car quand on viens à peine de se familiariser avec les personnages, le sujet et le monde où le récit se déroule, c’est déjà fini… Par contre, je comprend bien l’importance de ce format pour les auteurs (débutants ou pros) qui veulent fourbir leur talent ou expérimenter avec un genre ou des idées. Il faut bien que ces textes là soient publiés quelques parts et c’est pourquoi des revues comme Solaris sont essentielles à la bonne santé d’une littérature, quelle qu’elle soit. Toutefois, moi, je préfère lire Solaris pour ses articles et commentaires de lectures. En ce sens, la revue joue un rôle tout aussi essentiel d’aide au lecteur.
Comme toute revue, le contenu est plutôt inégal d’un numéro à l’autre. Dans ce cas-ci je suis un peu déçu car on ne retrouve que deux très bon ou excellent textes et un seul article (quoique le Futurible est toujours constant dans son excellence) — et rien sur le cinéma ou la BD. C’est la dure réalité économique des revues papiers qui sont limités par l’espace du contenu ou leur périodicité. Toutefois, ce numéro reste une très bonne lecture: divertissante, intéressante, enrichissante et qui offre quelques découvertes aux lecteurs avides de littératures de l’imaginaire… À lire absolument si vous en êtes.
Solaris #213, collectif édité par Jean Pettigrew et coordonné par Jonathan Reynolds. Lévis: Publications bénévoles des littératures de l’imaginaire du Québec, janvier 2020 (trimestriel: Hiver). 162 pages, $C 13.95, ISSN 0709-8863. Pour lectorat adolescent (14+).
“JJ, aka John Shaft Jr (Usher), may be a cyber security expert with a degree from MIT, but to uncover the truth behind his best friend’s untimely death, he needs an education only his dad can provide. Absent throughout JJ’s youth, the legendary lock-and-loaded John Shaft (Jackson) agrees to help his progeny navigate Harlem’s heroin-infested underbelly. And while JJ’s own FBI analyst’s badge may clash with his dad’s trademark leather coat, there’s no denying family. Besides, Shaft’s got an agenda of his own, and a score to settle that’s professional and personal.”
JJ Shaft (Jessie T. Usher) is an FBI analyst. When his childhood friend Karim dies in strange circumstances, he decides to investigate despite his boss opposition. He has no choice but to ask the help of his estranged father, former NYPD detective and private investigator John Shaft (Samuel L. Jackson) — which greatly displeased his mother (Regina Hall). With the extra help of his girlfriend (Alexandra Shipp) and his grand-pa, John Shaft, Sr. (Richard Roundtree), they will attempt to solve the murder and avenge Karim’s death…
This is a funny movie with a high (very high) count of bullets and profanities. It offers a thin and rather unoriginal story wrapped in a series of very entertaining and quite violent action sequences. It is a sort of hommage to a classic blaxploitation legend (four previous movies — three in the 70s with Richard Roundtree [1971, 1972 and 1973] and a 2000 remake with Samuel L. Jackson — and a TV series). That’s it.The movie was not profitable and was scorched by the critics (32% on Rotten Tomatoes) but the viewers seem to have liked it (rated 6.4 on IMDb and audience score of 94% on Rotten Tomatoes). Brainless comedy or outdated reboot, I found it entertaining. Check it out and be the judge — but watch it at your own risk, motherf**ker.
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“Le rabbin revient sur un élément ancien, fondateur du principe de départ de la série mythique de Joann Sfar. Le jour de l’enterrement de sa femme, il décide de garder un chat. Le chat. Pour Zlabya. Pour ne pas « être deux ». Des années plus tard, le chat se mit à parler. Un événement hors du commun qui questionna le rabbin sur sa foi, ses croyances, autant qu’il joua un rôle dans le désir de liberté et d’indépendance de la jeune Zlabya. Nous suivons Zlabya dans une aventure située entre le tome 1 et 2.”
Le Malka des Lions raconte à des enfants incrédules l’histoire du chat du rabbin. Comme preuve il leur présente la longue tresse coupée de Zlabya, puis raconte l’histoire du jour où, se sentant incomprise, elle avait fugué de la maison et s’est fait passé pour un homme afin de pouvoir sortir avec sa copine Oreillette sans se faire emmerder par les hommes. Une fable féministe où Sfar ne manque pas, comme toujours, d’écorcher la religion (particulièrement la sienne, le judaïsme) au passage. Il discours sur l’absurdité de la religion et sur la névrose du juif, qui étouffe car il se sent pris entre les règles religieuses qui interdisent trop de choses et l’étrange hostilité du monde (l’antisémitisme). Si la situation est oppressante pour le juif Maghrébins, elle l’est d’autant plus pour la femme juive…
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J’avais peur que le chat du rabbin n’ait plus rien à dire mais, rassurez-vous, Sfar a plus d’un tour dans son sac. Grâce à un judicieux retour en arrière le félin philosophe retrouve toute sa verve. Il récapitule d’abord l’histoire du chat, et donc l’album est un peu lent à partir, mais dès la page quarante-six c’est le début du véritable récit. J’aime bien l’écriture de Sfar qui aborde des sujets difficiles avec humour. Il y a toujours quelques bon gags dans ses albums. J’adore l’épisode où, tant bien que mal, le rabbin essai de donner son sermon à la synagogue et ses ouailles n’arrêtent pas de l’interrompre: “C’est vrai peut-être que les juifs c’est les meilleurs pour raconter les histoires juives. Mais raconter une histoire juive à des juifs, pardon, mais c’est la croix.”
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J’avais trouvé les derniers albums un peu décevants mais celui-ci nous offre à nouveau un récit fort, intéressant, intriguant et divertissant. Par contre, j’ai toujours des réserves quand au style de Sfar, caractérisé par les planches à six cases (il s’y tient les trois-quart de l’album), son dessin ondulant qui donne aux planches une apparence un peu brouillonne et criarde, de même que le texte des bulles parfois difficile à déchiffrer. Mais, bon, c’est son style: avec le temps on s’y habitue et ce n’est plus une distraction. Ses histoires sont suffisamment enrichissantes et amusantes pour qu’on lui pardonne cet écart.
Comme toujours (et même plus) c’est une excellente lecture. À lire absolument, surtout pour les amateurs de chats et de métaphysique! Et Sfar nous annonce déjà un dixième album intitulé “Retournez chez vous!”
Le chat du rabbin, 9: La Reine de Shabbat, par Joann Sfar. Paris: Dargaud (Coll. Poisson Pilote), octobre 2019. 76 pages. 22.5 x 29.8 cm, 15,00 € / $C 26.95, ISBN 978-2205-07950-0. Pour lectorat adolescent (12 ans et plus).
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“Certaines choses devraient rester cachées pour l’éternité…
En 1935, au fin fond de l’Australie, le Pr Nathaniel Peaslee recherche avec frénésie les traces d’une civilisation inconnue. Il ne comprend pas pourquoi, mais il connaît ces lieux, comme si un autre avait implanté des souvenirs en lui. Il sait que quelque chose d’aussi mystérieux que terrifiant se tapit, là, dans les profondeurs du sable du désert…
Son monde a été chamboulé près de 30 ans plus tôt. À l’époque, il enseigne à la prestigieuse université de Miskatonic. Il mène une vie paisible, entouré de sa femme et de ses enfants… jusqu’au jour où il s’effondre en plein cours. À son réveil, personne ne le reconnaît. Il a toujours la même apparence, mais semble avoir perdu la raison ! Il parle un dialecte inconnu et se comporte comme un étranger. Pire, il se prend de passion pour les sciences occultes, allant même jusqu’à se plonger dans l’étude du Necronomicon, ouvrage maudit entre tous…
Gou Tanabe reprend la plume pour offrir une nouvelle adaptation d’un chef-d’œuvre de H. P. Lovecraft ! Dans l’abîme du temps est une référence de la science-fiction, combinant avec maestria deux de ses thèmes majeurs : le voyage dans le temps et le transfert de personnalité. Mais surtout, l’auteur y crée un vaste univers oppressant et fantastique, où l’homme n’est pas le seul à être terrifié par l’inconnu…”
Dans l’abîme du temps (時を超える影– ラヴクラフト傑作集 / Toki o koeru kage– ravukurafuto kessaku-shu / lit. “Ombres au fil du temps – chefs-d’œuvre de Lovecraft”) a d’abord été publié en feuilleton dans Comic Beam (avril à décembre 2018), un magazine mensuel de Enterbrain (Kadokawa), avant d’être compilé en deux volumes. Ce manga seinen adapte une longue nouvelle du maître de la littérature fantastique et d’horreur,H.P. Lovecraft. Écrite entre novembre 1934 et février 1935, elle fut l’un des derniers textes à être publié du vivant de Lovecraft, en juin 1936 (dans Astounding Stories). La traduction française est paru chez Ki-oon.
Comme j’ai déjà commenté tant la nouvelle de Lovecraft elle-même que l’adaptation en bande dessinée par I.N.J. Culbard (chez Akileos), je ne m’attarderai donc pas sur l’histoire. Ce texte est considéré comme un des récits les plus accompli de Lovecraft, quoi que personnellement je lui préfère Les Montagnes hallucinées, auquel il fait suite en quelque sorte. Ces deux textes forment le coeur du mythe des Grands Anciens de Lovecraft.
L’adaptation qu’en fait Tanabe est fidèle et excellente. Le récit est fluide et captivant. Toutefois, ce qui rends cet ouvrage tout à fait indispensable c’est sa qualité graphique. La qualité de l’objet, d’abord, car Ki-oon a mis un grand soin à produire un beau livre avec une couverture simili cuir semblable à celle de l’édition des Montagnes hallucinées (mais grise au lieu de brune). Cependant, ce qui ressort avant tout, c’est le travail d’illustration de Tanabe qui est absolument sublime. Il est difficile de faire un dessin sombre (avec beaucoup d’encre sur la page) où les détails restent précis. Dans son adaptation précédente, l’excès de détails donnait une impression confuse aux planches. Mais ce n’est pas le cas ici, car Tanabe se surpasse. Il réussi à visualiser de façon originale l’imaginaire de Lovecraft, ce qui est tout un exploit étant donné que celui-ci n’est pas toujours très précis dans ses descriptions.
Tanabe nous offre plusieurs illustrations double-page:
Pages 98-99
Pages 158-159
Pages 184-185
Dans l’abîme du temps offre donc une excellente lecture qui permet de découvrir cette oeuvre de Lovecraft d’une façon très agréable. Je recommande très chaudement.
Dans l’abîme du temps (Les chefs-D’Oeuvres de Lovecraft, 3), par Gou TANABE (dessin) et H.P. Lovecraft (histoire). Paris: Ki-oon (Coll. Seinen), septembre 2019. 368 p. 15 x 21 cm, 17 € / $C 31.95. ISBN 979-10-327-0489-9. Pour lectorat jeune adulte (16+).
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“Brad Pitt gives a powerful performance in the “absolutely enthralling” (Peter Travers, Rolling Stone) sci-fi thriller set in space. When a mysterious life-threatening event strikes Earth, astronaut Roy McBride (Pitt) goes on a dangerous mission across an unforgiving solar system to uncover the truth about his missing father (Tommy Lee Jones) and his doomed expedition that now, 30 years later, threatens the universe.”
In a “near future”, astronaut Roy McBride is told that his father — Clifford McBride, lost in a failed intelligent life-seeking mission around Neptune and presumed death — could still be alive. Powerful particules’ flares are hitting Earth and causing dangerous power surges and the authorities think that his father could be creating the flares with the “Lima Project” ship propulsion system which is using dark matter (!). He is sent to Mars, via the Moon, to record a secret message for his father but discovers that the authorities intentions are far more nefarious than he was told. Despite the lack of trust on both side, he manages to board the Cepheus on its way to Neptune in order to find his father and resolve the situation…
The movie is very slow and has little action (mostly when he falls from the “tower” (space elevator?), when he is attacked by pirates on the Moon, when he boards the distressed Norwegian biomedical research space station and when he tries to escape the “Lima Project” ship). It is also filmed in a very theatrical way, with little dialogues as most of the movie is narrated in voice-over by the main character. Therefore it feels a lot like 2001: A Space Odyssey with some influences from Philip K. Dick (the use of mood altering drugs and the constant psych eval — like seen in Blade Runner 2049).
The director, James Gray, said that he wanted a movie with a “realistic depiction of space travel” but I think he was not very successful. The movements of the characters seemed sometime a little odd and often the laws of physics were broken: a twenty-day trip to Mars? Eighty days to Neptune? You can sure have ships with bigger acceleration but I doubt that human would be able to survive them (and they didn’t look like accelerating a lot in the movie). Also, no matter what kind of radio communication you are using (even with a laser beam) you are limited to the speed of light and transmitting a message to Neptune would take some time (certainly over three hours in each direction), therefore you cannot get an immediate response !
It is said that the movie is set in the “near future” and that also is doubtful. Space elevator, significant bases on the Moon, a base on Mars, all this cannot happen in a few decades. Maybe in a couple of centuries, considering how slow humanity has been doing space exploration lately. Also, the world in which the movie is set seems quite interesting — even if it is barely glimpsed at. Everything looks computer controlled, people are kept on a tight leash with constant psych eval and mood altering drugs to keep them “happy” and well behaved. It is maybe a 1984-style dictature? Everyone seems to have strong religious belief, so maybe a very conservative and fundamentalist world? The movie doesn’t offer enough clues to say so with certainty. Or maybe the Millenials / strawberry generation needed this level of protection and control to survived and feel safe in a “difficult” future?
However, despite its slow pace, technical flaws and lack of action, Ad Astra remains a beautiful movie, with great photography, excellent special effects, good actors and acting (Brad Pitt, Tommy Lee Jones, Ruth Negga, Liv Tyler, and Donald Sutherland) and a very interesting subject (solitude, family bonds and commitment). The movie made a slim profit at the box office and was well-received by the critics (with a rating of 6.6 on IMDb and 84% on Rotten Tomatoes) but was not as well appreciated by the public (audience score of 40% on Rotten Tomatoes). People probably found it not as exciting as they were expecting because it feels more like a psychological drama than a sci-fi action movie. It is stimulating to the mind, but only mildly entertaining…
All in all, I found Ad Astra disappointing but still worth watching. Anyway, catch it on TV or on DVD (maybe from the library) and be the judge yourself.
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Dans les adaptations canoniques du neuvième art, on retrouve principalement la série britannique écrite par Ian Edginton et illustrée par Ian Culbard qui a été publiée en anglais chez SelfMadeHero (2009-2011), puis traduite en français chez Akileos (2010-2011).
La vallée de la peur
““J’ai été dans la Vallée de la Peur…“
“Un – Danger…” Le message d’alerte décrypté par Sherlock Holmes arrive trop tard pour sauver John Douglas, du Manoir de Birlstone, dans le Sussex, un gentleman américain horriblement assassinée dans son bureau par un ou plusieurs personnages inconnues. Mais qui était John Douglas, pourquoi ne portait-il pas son alliance et quelle est la cruciale signification de l’haltère disparu?
Un message codé urgent que Holmes reçoit de la part d’un contact au sein de l’organisation de Moriarty l’averti qu’un certain Douglas, de Birlstone House, est en danger. Mais avant qu’il n’ait le temps de faire quoi que ce soit, Holmes reçoit la visite de l’inspecteur Macdonald qui vient lui demander s’il ne l’accompagnerait pas pour enquêter sur l’assassinat d’un Monsieur Douglas, du Manoir de Birlstone!
Holmes, Watson et Macdonald se rendent sur les lieux pour enquêter sur les circonstances du crime, en compagnie d’un inspecteur des forces de police locales, M. White Mason. Ils interrogent la femme de Douglas, les domestiques ainsi que son associé et ami, M. Cecil Barker. Puis Holmes essaie d’en apprendre plus sur la passé de la victime, qui était un américain devenu riche après avoir été prospecteur d’or en Californie. Il aurait subitement quitté les États-Unis pour l’Angleterre. Une sorte de société secrète semblait être à ses trousses pour l’assassiner. Holmes se lance ensuite dans son lot habituel de questions et de comportements bizarres, puis finalement révèle qui est le coupable. Les aveux de celui-ci finissent d’éclaircir le mystère…
La vallée de la peur, publié en 1915, est le quatrième et dernier roman de la série Sherlock Holmes. L’adaptation qu’en fait Edginton est excellente et demeure très proche du texte original. J’ai déjà mentionné le travail de Culbard (pour ses adaptations de H.P. Lovecraft). Son style sobre (à la fois très British mais influencé par la BD Franco-Belge) et son utilisation d’une palette de couleurs glauque se prête bien à l’atmosphère victorienne des aventures de Holmes. Cette bande dessinée est une très bonne lecture et offre un raccourci pratique pour ceux qui veulent découvrir Sherlock Holmes d’une façon succincte et agréable.
La vallée de la peur : une histoire illustrée de Sherlock Holmes (t.4), écrit par Arthur Conan Doyle, adapté par Ian Edginton et illustré par Ian Culbard. Talence: Akileos, avril 2011. 130 pages couleurs (122 planches), 16.5x 24 cm, ISBN 978-2-35574-078-7.Inclus quatre pages de croquis et dessins préparatoires. Pour un lectorat adolescent (14+).
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Il est impossible d’aborder La vallée de la peur sans mentionner l’adaptation en dessin animé Sherlock Holmes and The Valley of Fearréalisé pour la télévision australienne en 1983 par Burbank Films. Le film de 50 minutes a été produit par Tom Stacey et George Stephenson, adapté par Norma Green, animé sous la direction de Warwick Gilbert, et l’on note les voix de Peter O’Toole (Sherlock Holmes), Earle Cross (Dr. Watson) ainsi que Brian Adams, Colin Borgonon et Judy Nunn. Ce dessin animé faisait partie d’une série où Burbank Films avait adapté pour la télévision les quatre romans de Sherlock Holmes. L’animation est plutôt moyenne — quoique typique pour les années ’80 (loin de nos standards actuels) — mais l’adaptation est assez fidèle. On en trouve encore une version (d’assez mauvaise qualité) sur Youtube. [ IMDb ]
Le chien des Baskerville
““Que signifie toute cette histoire, Holmes?”
Un bâton de marche noueux; une botte disparue; un portrait de famille négligé; un détenu criminel en cavale… et l’ancestrale malédiction d’un chien fantôme… Le grand détective Sherlock Holmes a besoin de toutes se forces de déduction “élémentaires”, ainsi que le soutien sans faille de son ami le Dr Watson, pour résoudre le terrifiant mystère de sa plus fameuse affaire…
Le chien des Baskerville est le troisième roman de Sherlock Holmes écrit par Doyle en 1902, après qu’il ait tué son personnage. C’est un récit où le duo de détectives célèbres doit résoudre plusieurs mystères: le meurtre d’un riche propriétaire terrien sur les landes du Devonshire, protéger son successeur d’une menace surnaturelle — qui s’avère bien réelle — lié à une malédiction qui afflige sa famille, ainsi que quelques autres intrigues périphériques (un prisonnier évadé, les comportements étranges des domestiques ou des voisins, etc.) plus ou moins reliés au cas.
C’est la première adaptation de Sherlock Holmes en bande dessinée par le duo Edginton/Culbard. L’adaptation est bien réussie car elle demeure assez fidèle au texte original tout en rendant la lecture agréable. L’ouvrage est complété par des croquis de travail où Culbard explique la genèse du design des personnages dont il exagère les traits tels que décrit dans le récit (ou dans d’autres histoires du canon de Sherlock Holmes) — dont le menton “proéminent et carré” de Holmes — ce qui les rends un peu caricatural. Il conservera plus ou moins ces designs pour les trois autres adaptations.
Comme dans le cas de La vallée de la peur, c’est une histoire intrigante et divertissante qui nous offre une très bonne lecture.
Le chien des Baskerville : une histoire illustrée de Sherlock Holmes (t.1), écrit par Arthur Conan Doyle, adapté par Ian Edginton et illustré par Ian Culbard. Talence: Akileos, juillet 2010. 138 pages couleurs (125 planches), 16.5x 24 cm, ISBN 978-2-35574-068-8.Inclus quatre pages de croquis et dessins préparatoires ainsi qu’un extrait de quatre pages de Une étude en rouge. Pour un lectorat adolescent (14+).
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““Le fil rouge du meurtre se mêle à l’écheveau incolore de la vie…”
Le corps d’un homme mort est retrouvé dans une pièce maculée de sang… alors même qu’il n’y a aucune trace de blessure sur celui-ci. Un nom a été partiellement écrit en lettres de sang sur le mur. Une alliance de femme a été trouvée… La sensationnelle histoire que Sherlock Holmes suit à la trace, d’un immeuble miteux de Londres aux plaines sauvages de l’Ouest américain, offre un cas de jurisprudence à sa “science de déduction”… alors que pour son nouvel ami le Dr Watson, la plus grande énigme c’est Sherlock Holmes lui-même.
Une étude en rouge est le premier roman de Sherlock Holmes d’abord publié dans le magazine Beeton’s Christmas Annual en novembre 1887, puis en volume l’année suivante. C’est le récit initial qui forme la genèse des personnages. Doyle introduit d’abord le Dr Watson qui revient blessé d’Afghanistan et arrive à Londres où il se cherche un logis. Un de ses subalternes, rencontré par hasard, l’introduit à Holmes avec qui il pourrait partagé un appartement. Stamford le décrit comme un chimiste aux idées bizarres dont les recherches désordonnées et fantasques lui ont permis d’amasser d’énorme connaissances! Le personage intrigue Watson et il découvre que ce qui intéresse surtout Holmes c’est la science de la déduction. Lorsqu’un nouveau cas se présente, une affaire de meurtre bizarre sur lequel les deux inspecteurs en charge — Gregson et Lestrade — lui demandent conseil, Holmes invite Watson à se joindre à l’enquête. Avec la méthodologie qui le rendra célèbre (observation, filature — parfois en utilisant les “irréguliers de Baker Street”, déduction d’une rigueur scientifique) Holmes a tôt fait de mettre la main sur le coupable. Ce dernier raconte alors son histoire: comment il échappe à la secte des Mormons en Utah, la mort de celle qui aime, la poursuite de ses enemies en fuite et sa vengeance.
Doyle réutilisera souvent la même structure de narration (dans La vallée de la peur par exemple) et, même si il l’utilise ici pour la première fois, ayant lu les histoires dans le désordre, j’ai l’impression que ce récit manque d’originalité — d’autant plus que Doyle s’est fortement “inspiré” d’une nouvelle de R.L. Stevenson pour l’épisode sur les Mormons. Il me semble que cette histoire manque de mordant et qu’elle est un peu maladroite — ce qui est possible puisque c’est la première aventure de Sherlock Holmes — sans que je puisse vraiment mettre le doigt sur le problème… Toutefois, Edginton et Culbard font — quant à eux — un excellent travail d’adaptation, sur le même niveau que les deux précédentes. Le mystère et l’intrigue est bien rendu. Le style caricatural et la palette de couleurs glauques de Culbard expriment bien l’atmosphère victorienne du récit. Malgré une impression un peu décevante, Une étude en rouge reste donc une bonne lecture, à la fois intéressante et divertissante. Une bonne façon de découvrir sans trop de tracas l’oeuvre de Doyle.
Une étude en rouge : une histoire illustrée de Sherlock Holmes (t.2), écrit par Arthur Conan Doyle, adapté par Ian Edginton et illustré par Ian Culbard. Talence: Akileos, août 2010. 138 pages couleurs (127 planches), 16.5x 24 cm, ISBN 978-2-35574-069-5.Inclus deux pages de croquis et dessins préparatoires ainsi qu’un extrait de quatre pages pour Le signe des quatre. Pour un lectorat adolescent (14+).
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Quand Mlle Mary Morstan passe au 221B Baker Street, l’histoire “totalement inexplicable” qu’elle raconte chamboule le coeur du Dr John Watson, et sort son ami Sherlock Holmes de la léthargie dans laquelle il s’était plongé. Qui d’autre que le seul détective en consultation de Londres pourrait résoudre le mystère de l’officier de l’armée disparu, de l’unijambiste, de son complice aux pieds nus, du coffre au trésor disparu et du… “signe des quatre” ?
Alors que l’absence de défis et “d’exaltation mentale” pousse Holmes vers les stimulants (une solution de sept pour cent de cocaïne), il passe le temps en démontrant à Watson son talent de déduction (en utilisant sa montre) et parle de ses recherches et publications. Le duo de détective est sauvé de l’ennui par la visite de Mlle Morstan qui leur expose un mystère (depuis la disparition mystérieuse de son père elle reçoit chaque année une perle par la poste) et demande leur aide. Holmes résout une partie du mystère mais cela les mène vers le cas d’un meurtre en chambre close et du vol d’un trésor. Le coupable est vite identifié (un homme avec une jambe de bois et un complice de petite taille qui va pied nu) et, avec ses techniques habituelles (déguisement et surveillance à l’aide des “irréguliers” de Baker Street), Holmes ne tarde pas à lui mettre le main au collet. Celui-ci comble les dernières lacunes du cas en racontant son histoire et ses motivations. Le Dr Watson, impressionné par Mlle Morstan, lui demande sa main en mariage!
Le signe des quatre est le second roman de Sherlock Holmes écrit par Doyle en février 1889 sur une commande de Joseph Stoddart, directeur de la revue américaine Lippincott’s Monthly Magazine, suivant un dîner littéraire où Stoddart avait rencontré Doyle et Oscar Wilde (ce dernier écrira Le Portrait de Dorian Graypour le même magazine). Le récit sera réédité en volume en octobre 1890. C’est un excellent récit d’aventure qui comporte certes quelques incohérences (il a été écrit à la hâte en moins d’un mois) mais nous offre beaucoup d’action en peu de pages ainsi qu’une narration plus linéaire que le récit précédent. Doyle est plus intéressé à écrire des récits historique et considère ses romans policier plus comme de la littérature “alimentaire” et c’est pourquoi il décide, pour sauver du temps, de simplement réutiliser les personnages d’Une étude en rouge… Ce sera le début d’une série dont la popularité forcera Doyle à la continuer bien malgré lui.
L’adaptation qu’en font Edginton et Culbard est très bonne tant sur le plan du récit qui reste très fidèle à l’original que sur le plan graphique. Le travail d’illustration de Culbard est à la hauteur des autres volumes de la série. C’est sans aucun doute l’un de mes épisodes favoris de cette série (avec La vallée de la peur). Comme pour le reste de la série, c’est donc une bonne lecture, à la fois intéressante et divertissante qui nous offre une façon de découvrir aisément l’oeuvre de Doyle.
Le signe des quatre : une histoire illustrée de Sherlock Holmes (t.3), écrit par Arthur Conan Doyle, adapté par Ian Edginton et illustré par Ian Culbard. Talence: Akileos, janvier 2011. 130 pages couleurs (122 planches), 16.5x 24 cm, ISBN 978-2-35574-074-9.Inclus un extrait de quatre pages pour La vallée de la peur. Pour un lectorat adolescent (14+).
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L’adaptation de Edginton & Culbard n’est plus disponible en volume individuel mais il existe maintenant une compilation qui regroupe les quatre romans:
Les Aventures illustrées de Sherlock Holmes (L’Intégrale), écrit par Arthur Conan Doyle, adapté par Ian Edginton et illustré par Ian Culbard. Talence: Akileos, novembre 2015. 536 pages, 16.5 × 24.1 cm, 29,50€ / $C 55.95. ISBN 978-2-35574-232-3. Pour un lectorat adolescent (14+). Voir la couverture arrière.
This is a very good and touching biopic about the genesis of J.R.R. Tolkien’s universe (what he called his legendarium, set in the Middle-Earth, which includes novels like The Hobbitand Lord of the rings) without really talking about it. It is quite subtle and interesting. Very well done. Although, I am a little disappointed as I was under the impression that the movie was about the Inklings, aliterary club that Tolkien (played by Nicholas Hoult) was a member of at Oxford along with C.S. Lewis. The movie is actually about another club, the T.C.B.S. (Tea Club and Barrovian Society), where he pledged with his college friends Rob (Patrick Gibson), Geoffrey (Anthony Boyle) and Christopher (Tom Glynn-Carney) to change the worlds through their art (literature, painting, music and poetry). His writing was greatly influenced by his experiences in World War I, his interest in philology (particularly in creatingnew languages) and in European mythologies (Norse, Germanic and Finnish), as well as by the love for his wife (Edith Bratt played by Lily Collins).
The movie was not endorsed by the Tolkien Estate (which considered it inaccurate) and received mixed reviews (it was rated 6.8 on IMDb and 50% / 73% on Rotten Tomatoes) but I nevertheless found it quite interesting. The movie is mostly criticized for lacking imagination, but I disagree: it has plenty, but it just requires a little effort from the viewers. While entertaining, it offers great (but subtle) insights on the life of Tolkien and his creation. Whether you’re a fan or not, Tolkien is worth watching.
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J’avais déjà eut l’intention de visiter ce café bien particulier quand il a ouvert en 2014 mais les aléas de la vie m’en ont empêché et cela m’est sorti de l’esprit. L’existence du café m’a récemment été rappelé par un article dans The Concordian (v.37, #19: p. 6, chronique “Yum or Yikes”). J’étais familier avec le concept de café où l’on peut relaxer en compagnie de chats grâce à des reportages sur la télé japonaise (NHK) puisque ce type d’établissement est assez populaire au Japon (mais apparemment c’est une création taïwanaise). Le café Chat l’Heureux est le premier de plusieurs “neko café” à avoir ouvert leurs portes à Montréal (mais peu ont survécu aux limitations du concept — le Café des Chats, le Café Venosa, Aline Féline ont tous éventuellement fermés, le seul autre café du genre qui semble encore ouvert est le Café Chato.
Bonne ambiance
172 Duluth Est dans le Plateau
Café Chat l’Heureux
Réception
Le Café Chat L’Heureux est situé sur le Plateau (au 172 Duluth Est) à environ douze minutes de marche du métro Mont-Royal (ouvert du mardi au jeudi de 11h à 20h, vendredi & samedi de 10h à 22h et dimanche de 10h à 20h). En plus d’une ambiance chaleureuse et des opportunités de rencontres félines (une dizaine de chats pour vous relaxer et vous divertir), le café offre un menu santé (d’où le slogan “café et collations en compagnie de chats / coffee and snacks in the company of cats”) qui comporte surtout des “grilled cheese”, des sandwichs, des salades, des gâteries dessert et une bonne variété de smoothies, cafés & thés. Des plats réconfortants (comfort food), quoi. Le service est bon, les serveuses sont charmantes et aimables. Comme on peut s’y attendre dans un établissement aussi spécialisé, les prix sont un peu chers ($10-$30) mais, bon, on va là pour l’ambiance pas pour la bouffe (qui est tout de même assez bonne). Par exemple, j’ai pris un succulent brownie (avec caramel et pacanes grillées, $6.52) avec un latte (petit mais excellent, $4.55) et ça m’a coûté $13 (plus le pourboire évidemment). Il y a cependant beaucoup de règles à respecter pour préserver la santé et l’intimité des chats (toutefois, je me demande bien où sont les litières…). Somme toute, c’est un peu comme un bar de danseuses mais avec des chats…
Sheldon
Luzerne
Malheureusement, lors de mon passage en début d’après-midi, la plupart des chats faisaient la sieste. Ils semblent tous très sociables mais moi je les ai trouvé plutôt gênés et aucun n’a accepté mes invitations de venir me voir à ma table — sauf celui qui voulait absolument licher le caramel dans mon assiette (il a eut plus de succès avec les voisines). Sans trop de surprise, la clientèle est surtout féminine et semble plus appréciée de la gente féline. Petit conseil, si vous passez faire une visite en hiver, amenez vos pantoufles (quoi que une sélection est offerte par le café) car il faut enlever nos bottes avant d’entrer.
Un excellent concept qui mérite d’être vue (ou expérimenté) au moins une fois de temps en temps… Surtout pour les personnes qui aiment les chats mais ne peuvent pas en avoir chez eux. Moi j’en ai déjà deux (cinq avec ceux de ma soeur) alors ce genre de café me laisse plutôt indifférent mais j’y retournerai sans aucun doute un jour avec un bon livre pour passer le temps…
“Egyptian mummies: Exploring ancient lives” is the North American premiere of an exhibition created by the British Museum. Using digital image projections, explanatory videos and over two-hundred objects from ancient Egypt, it “reconstructs the lives of six people who lived along the Nile”. It tells the story of each of those individuals, their beliefs and the diseases they suffered from.
The original British Museum exposition (opened to the public from May to November 2014) was showcasing eight mummies, one-tenth of their Egyptian mummies’ collection. However, for its international tour the exhibition was limited to six mummies. It first opened at the The Powerhouse Museum in Sydney, Australia (from December 2016 to Avril 2017) before moving to Hong Kong in 2017, then Taipei, Taiwan (from November 2017 to February 2018) and it is now at the Museum of Fine Arts in Montreal from September 2019 to March 2020. The next stop will be in Toronto at the Royal Ontario Museum from May to September 2020.
In the early days of Egyptology, the only way to learn about mummies was to unwrap them. 19th century European collectors were even turning this into a social event with lavish “unwrapping parties.” However, the British Museum, with its strong ethics about artifact preservation, always refused to perform any invasive intervention on its mummies and its collection is therefore in excellent condition. Since the 1970s the development of cutting-edge technology, like combining x-ray devices with high-resolution three-dimensional computerized imaging (computerized tomography (CT) scanning) in order to create detailed 3D visualizations of the internal structures, has revealed much more informations that a simple unwrapping would have provided — while still preserving the mummies’ integrity. Combining the resources provided by medical science with those learned from anthropology and archaeology, has allowed the egyptologists to learn a tremendous amount of information about the life and death of ancient Egyptians: not only their culture and way of life, but also their biology, genetics, diet, diseases, burial practices and embalming techniques. This exhibition is illustrating all this through the exemples of six in dividuals (and their mummies) who lived in the Nile valley between 900 BCE and 180 CE.
It is a superb and fascinating exhibition, rich in informations and artifacts. I enjoyed it greatly and everyone must absolutely see it. When I visited, in early January, the museum was packed (so, PLEASE don’t bring your five or six year-old Kids, as they might not be old enough to understand the complexity of such subject, and don’t bring your crying baby in its giant stroller !!!).
“L’Antarctique. À la tête d’une mission scientifique française, le professeur Simon fore la glace depuis ce qui semble une éternité. Dans le grand désert blanc, il n’y a rien, juste le froid, le vent, le silence. Jusqu’à ce son, très faible. À plus de 900 mètres sous la glace, quelque chose appelle. Dans l’euphorie générale, une expédition vers le centre de la Terre se met en place.
Un roman universel devenu un classique de la littérature mêlant aventure, histoire d’amour et chronique scientifique.”
Une expédition scientifique en Antarctique qui découvre sous la glace des ruines et un artefact remontant à la nuit des temps — ce qui semble une impossibilité (une civilisation humaine avancée datant de 900,000 ans!) —pourrait constituer les prémices d’une nouvelle de H.P. Lovecraft. Et pourtant, Barjavel en a fait une double histoire d’amour au-delà du temps. Une sorte de drame shakespearien, à la Roméo et Juliette, ou similaire au mythe médiéval de Tristan et Iseut. Une histoire d’amour qui ultimement exprime un esprit de révolte bien de son époque, puisque le livre a été écrit en 1968 — mais bien avant que les manifestations étudiantes ne commencent, ce qui en fait un peu un ouvrage prophétique…
Le roman fait le récit d’une mission de relevé géologique française en Antarctique qui sonde le sol sous-glacière à l’aide de radar et qui découvre une anomalie qui s’apparente à des ruines. Sous 980 mètres de glace, il y avait là quelques choses qui dormait depuis 900,000 ans et qui émettait un signal en ultra-son! L’histoire nous est racontée du point de vue de Simon, le docteur et le chef de mission. Il se rend à Paris pour faire son rapport au chef des Expéditions Polaires Françaises. On décide de révéler la découverte et l’UNESCO organise une Expéditions Polaire Internationale qui construit une base sur le site (doté d’un ordinateur qui traduit toutes les conversations en dix-sept langues) et entreprend de forer un puit dans la glace vers le sol antarctique d’où provenait le signal.
À dix-sept mètres sous-terre, on découvre une sphère en or de presque trente mètres de diamètre! Celle-ci s’avère creuse et contient une construction ovoïde où l’on découvre, allongé sur deux socles d’or, les corps nus d’un homme et d’une femme, congelés dans le zéro absolu. La femme est d’une extraordinaire beauté. On décide de tenter de la réanimer en premier. Avec succès. Il faut cependant beaucoup de temps avant que la machine-traductrice réussisse à percer le mystère de la langue de la jeune femme et que l’on puisse finalement communiquer avec elle. Son nom est Eléa. Elle leur raconte et leur montre (à l’aide d’un appareil qui lui permet de projeter ses pensées et souvenirs) son histoire. Elle vient d’un monde très avancé technologiquement mais déchiré par la guerre. Une guerre sans merci qui oppose le peuple de Gondawa (l’Antarctique) et de Enisoraï (les deux Amériques incluant un vaste continent disparu qui occupait la majorité de l’océan Atlantique). La sphère contient le secret de toute la science et la technologie Gondawa: de quoi créer de l’énergie à l’infini, de la nourriture à partir de rien (de simple atomes), de quoi mettre fin à la pauvreté, à la famine, à toute les iniquités sur la planète…
Eléa leur décrit sa société, son amour pour son conjoint Païkan, et le fait qu’elle a été choisi pour accompagner le savant Coban dans l’Abris, la sphère, conçu pour résister à tout, même à la fin du monde, dans le cas où Gondawa utiliserait en dernier recourt l’Arme Solaire, une sorte de bombe à fusion… Apparement ce fut le cas: Enisoraï a été anéanti dans un choc si violent que la planète entière a été secoué et a pivoté sur son axe, détruisant les deux civilisations, et presque toute vie sur terre. Et Eléa se réveille, presqu’un million d’années plus tard, alors que tout ce qu’elle a connu — et aimé — n’est plus… Mais Simon l’aime. Toutefois ce n’est pas assez pour empêcher la tragédie…
J’ai lu ce roman pour la première fois quand j’étais adolescent ou jeune adulte (je ne me souviens plus). Je l’avais dans ma bibliothèque mais ne le trouve plus (j’ai dû le prêter à quelqu’un et en perdre la trace) alors il a fallut l’emprunter à la bibliothèque pour le relire. J’ai longtemps considéré que c’était le meilleurs roman de science-fiction française que j’ai lu. Évidemment, avec le recul des années, je me rends compte de ce n’est pas si génial que cela mais c’est tout de même une très bonne lecture. Ce roman nous offre une belle histoire, pas trop compliquée — mais tout de même avec ses surprises et rebondissements — et une narration plutôt simple, qui fait que le roman se lit très bien.
Quand on s’arrête pour y penser, La nuit des temps a de nombreux défauts. Le narrateur (et par extension, j’imagine, l’auteur) a une attitude très sexiste (les femmes sont belles et les hommes intelligents) et raciste (les savants asiatiques sont des “jaunes” et les gens à la peau noire sont les descendants des martiens!). Et même si le roman est maintenant considéré comme un classique de la littérature d’anticipation, il faut avouer que plusieurs éléments de l’histoire nous apparaissent comme plutôt cliché. Pire que cela, Barjavel a été accusé de plagiat car son roman comporte des similitudes embarrassantes avec celui de l’Australien Erle Cox, Out of the Silence (tr. La Sphère d’or), qui a été publié en feuilletons en 1919, puis éditer en 1925. (J’ai l’intension de faire moi-même la comparaison entre les deux romans éventuellement).
Malgré ses défauts, La nuit des temps reste un très bon roman qui m’a fortement marqué et que je recommande chaudement à tous.
La nuit des temps, par René Barjavel. Paris: Presse de la Cité (Coll. Pocket, #812), avril 2018. 416 pages, 10.8 x 17.7 cm, 7.50 € / $C 13.95. ISBN 978-2-266-23091-9. Pour un lectorat adolescent (14+).
Vous trouverez plus d’information sur les sites suivants:
“Un récit de science-fiction situé dans la province [sic] de Eeyou Istchee Baie-James, région des Monts Otish, au Québec.
Mine de diamant de « La grande Ourse ». Fin d’été. Une secousse fait trembler la terre, suivie d’un effondrement de terrain dans un secteur proche de l’exploitation. Roy Koks, le responsable de la prospection et la géologue Natane se précipitent pour examiner la nature des dégâts. Une grande partie de la colline s’est effondrée dans un glissement de terrain sans doute dû aux pluies incessantes qui se sont abattues sur la région depuis des semaines. En recherchant les causes de l’accident, les prospecteurs vont découvrir une faille qui donne accès à une cavité souterraine. Au centre de cette cavité, un gigantesque bloc de rocher parfaitement sphérique…”
J’ai souvent parlé de Philippe Gauckler, qui est un auteur que je lis depuis pas mal de temps. J’ai d’abord fait un topo sur le début de sa carrière et commenté sa série Karen Springwell (Convoi). J’ai plus récemment renoué avec son oeuvre en lisant les quatre tomes de Prince Laoet les trois tomes de Koralovski. J’avais lu sur Facebook qu’il travaillait à un nouvel album et j’espérais une suite à Koralovski mais j’ai découvert en juillet, dans le #135 de dBD, qu’il avait plutôt choisi de s’attaquer à son vieux projet d’adaptation en bande dessinée du roman de René Barjavel, La nuit des temps.
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Je me souviens d’avoir lu dans l’introduction de Blue (Métal Hurlant #107 (jan. 1985): p. 42) que la première fois qu’il aborda Moebius et Jean-Pierre Dionnet, il leur avait montré quatorze planches de son adaptation du roman de Barjavel. “Trop long”, s’était exclamé Dionnet, “travaille sur une histoire courte, et passe me voir à Paris.” Assez rapidement par la suite, MH le mis en contact avec Charles Imbert (avec lequel Gauckler produira Suicide Commando [1983] et Duel [1984]) puis avec Joël Houssin (pour Blue [1985] et Phantom [1987], que je commenterai d’ailleurs prochainement). Il collaborera une fois encore avec un scénariste, Thierry Smolderen (pour Convoi en 1990-95), avant de se mettre à écrire ses propres histoires (Prince Lao en 2006-09 et Koralovski en 2015-16). Tout ce temps-là, l’idée d’adapter La nuit des temps est resté dans un tiroir. Je suis fort heureux qu’il ait finalement trouvé un éditeur intéressé au projet, car j’ai toujours beaucoup aimé ce roman de Barjavel que j’avais lu adolescent.
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C’est donc un Philippe Gauckler beaucoup plus expérimenté et maître de son art qui se remet sur l’adaptation. J’imagine que le scénario actuel est probablement assez différent du concept que Gauckler avait développé dans sa jeunesse. Dans une interview avec le magazine dBD (dans le #135), il admet volontiers que c’est une adaptation libre (et non textuelle) du roman de Barjavel. Il s’est même aussi inspiré du roman La sphère d’or de Erle Cox (qui avait lui-même probablement influencé Barjavel). De plus, il adopte une nouvelle technique en dessinant en couleurs directes sur papier (par opposition à travailler d’abord à l’encre et de mettre en couleurs dans un second temps) — ce qui fait sans doute de plus belles planches à exposer et vendre à la galerie Daniel Maghen…). Il semble que le récit ne sera constitué que de deux tomes, dont le second paraîtra en 2020. Le bon côté de cette nouvelle est que les lecteurs n’auront pas trop à attendre avant de lire la suite de cet album. Par contre, comme le récit jusqu’à maintenant n’a fait qu’introduire l’histoire (le premier tier du roman), je me demande bien comment Gauckler réussira à nous raconter la suite en seulement un autre tome (même de quatre-vingt pages)…
Roy Koks, ex-hockeyeur professionnel autrefois surnommé “Kébek” et maintenant responsable de la prospection à la mine de diamant “La Grande Ourse” dans la régionEeyou Istchee Baie-James dans le Nord-du-Québec, fait sa déposition à son avocat alors que leur véhicule se dirige avec empressement vers l’aéroport. Il relate les événements qui entourent la découverte. Un tremblement de terre dans le “claim” des Trois Castors a causé un effondrement et une crevasse qui mena les prospecteurs à l’artefact: une sphère parfaite en carbonado (diamant noir). Les études préliminaires démontrent que ce type de matériau ne peut s’être formé que dans l’espace et que la sphère est creuse, contenant une autre sphère, séparée de la première par un liquide ou un gaz. La compagnie minière décide donc de rendre la découverte publique. Un comité scientifique international est alors créé pour étudier et analyser la sphère.
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Roy s’inquiète de la réaction de la communauté autochtone, membre de la Première Nation des Cris, qui considère que la terre (tant le sol que le sous-sol) est un bien commun qui doit être préservé. Sa copine, la géologue Natane (elle même une Crie), découvre dans une caverne adjacentes des pétroglyphes anciens représentant la sphère et qui dateraient de 400,000 ans! Roy fait des rêves étranges: une femme sans visage qui flotte dans l’eau. Un premier forage permet de confirmer que l’espace intercalaire de la sphère contient de l’eau — mais qui a des propriétés physiques bizarres. Quatre mois plus tard, on termine la découpe d’une ouverture sur le dessus de la sphère et Roy peut tenter d’y descendre en scaphandre. Un incident met sa vie en danger mais il réussi tout de même à apercevoir une sorte de sas et deux cocons. Il devient évident que la sphère tente de communiquer. Puis, subitement, la sphère expulse l’eau et les cocons. L’un d’eux semble endommagé et l’on tente de l’ouvrir, révélant un secret qui remet en question toute notre vision du Monde…
Tout au long de l’album, Roy continue son récit à l’avocat. Toutefois la mauvaise météo les oblige à rediriger leur convoi de l’aéroport vers la prison de Bordeaux. La ville semble être la proie de violentes confrontations. “Des gangs” auraient pris le contrôle mais la nature du conflit reste (pour le lecteur) mystérieuse: il y a des snipers et des protestants lancent des cocktails molotov qui font du feu bleu! Un des véhicules du convoi saute sur une mine et Roy, alors qu’il tente de sauver les occupants, est gravement brûlé par les étranges flammes…
Une expédition scientifique qui découvre un artefact remontant à la nuit des temps et qui semble une impossibilité pourrait constituer les prémices d’une nouvelle de Lovecraft. Et pourtant, Barjavel en a fait une double histoire d’amour au-delà du temps. Dans les grandes lignes, Gauckler respecte assez bien le récit de Barjavel: les deux ouvrages débutent même de façon très similaire, avec une lettre d’amour. Il y a quelques différences mineures: Simon est médecin et Roy est prospecteur; Simon est célibataire alors que Roy a une relation avec Natane, etc. Par contre, on retrouve deux différences importantes: d’une part, la sphère n’est pas en or mais en diamant; d’autre part, Gauckler déplace le cadre du récit de l’Antarctique vers le nord du Québec. Cela fait beaucoup de sens puisque l’Antarctique est un milieu un peu stérile pour développer un récit moderne, riche en intrigues socio-politiques (quoi que le récit de Barjavel se tramait tout de même sur un fond de guerre froide et de conflit nord/sud). L’idée d’y inclure les revendications autochtones est fort intéressante. Finalement, il n’y a pas tant de différences que cela et celles qu’on y retrouve étaient attendues (comme des éléments scientifiques plus à jour) ou nécessaires pour la fluidité du récit dans le cadre d’un medium graphique. Ce sont là, après tout, les prérogatives d’une adaptation… qui est somme toute assez bien réussie.
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On devine derrière le travail de Gauckler beaucoup de recherches et de repérages, ce qui donne au récit un aspect véridique ou tout au moins vraisemblable: le décor montréalais, la géographie et le patois local, les moeurs autochtones, la rigueur scientifique, etc. Si la région de Eeyou Istchee est surtout connue pour ses gisements d’uranium, on retrouve en effet des mines de diamants dans le nord du Québec (dont la Mine Renard (Stornoway Diamonds) dans les monts Otish près du lac Kaakus Kaanipaahaapisk, 250 km au nord de la communauté crie de Mistissini; d’autre cheminées [dykes] de kimberlite ont également été découvertes au complexe Lynx-Hibou — malheureusement ces projets sont pour l’instant déficitaires). Le nom de la mine “La Grande Ourse” est sans doute inspiré par la rivière La Grande (et possiblement aussi la constellation) mais ne peut manquer d’évoquer pour moi le nom de la série télévisée du même nom ! Le seul élément qui m’embête et que je trouve peu vraisemblable est le fait que les protestations aient dégénéré au point que les rue de Montréal ressemble à la Syrie de Bachar el-Assad ou à Beyrouth pendant la guerre civile ! L’armement nécessaire pour créer ce type de dégâts n’y est simplement pas disponible — mais, bon, la suite du récit offrira peut-être des explications satisfaisantes…
Je n’ai vraiment pas trop à me plaindre puisque cette bande dessinée offre un de mes romans préférés adapté par un artiste que j’admire beaucoup! Le récit est complexe, captivant et bien rythmé alors que la qualité du dessin est tout simplement superbe (on a même droit à trois illustrations double-page!). Le style réaliste de Gauckler a définitivement mûri — l’utilisation de la couleur bleue pour inspirer une atmosphère froide et mystérieuse est bien réussie. Toutefois, si je voulais être tatillon, je dirais que le lettrage script adopté pour la narration de Roy est un peu difficile à lire, mais c’est un détail insignifiant. Pour le reste, c’est beau, c’est très bon et intelligent tout en restant divertissant, alors que demander de plus sinon que de pouvoir lire la suite très bientôt! Kébek t.1: L’Éternité est donc un très bon thriller d’anticipation (et j’oserais peut-être même dire excellent — mais je réserve mon jugement final tant que je n’ai pas lu la conclusion). Néanmoins, à lire absolument !
Kebek T.1: L’Éternité par Philippe Gauckler. Paris: Éditions Daniel Maghen, août 2019. 96 pages couleurs (84 planches), 24.5x 32.5 cm, 19€ / $C 37.95, ISBN 978-2-35674-074-8.Inclus huit pages de croquis et dessins préparatoires. Pour un lectorat adolescent (14+). ou
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“Les quatre récits qui composent ce recueil sont moins des nouvelles au sens du terme que de nouvelles vues sur le monde extraordinaire et terrifiant créé par Lovecraft. L’Humanité y est aux prises avec les êtres surnaturels, maîtres de la terre avant l’arrivée des hommes, qui tendent de recouvrer leur suprématie perdue. Faisant appel aux images, aux mythes, aux récits de toutes les traditions, Lovecraft compose des philtres qui n’ont pas cessé depuis trente-cinq ans de bouleverser les esprits.”
“Dans l’abîme du temps” (The shadow out of time, 66 pages, publié en juin 1936 dans Astounding Stories) raconte l’étrange expérience d’un professeur d’économie politique à l’université Miskatonic, Nathaniel Peaslee, qui après un malaise lors d’un cours se réveille cinq ans plus tard avec aucun souvenirs de ce qu’il a fait durant cette période. Pendant près de quinze ans il tente de retracer ce qui lui est arrivé en interrogeant ses proches sur son comportement. Il apprend qu’il a voyagé autour du monde et fait de nombreuses recherches dans des bibliothèques et des universités. Aussi, toutes les nuits, il fait des rêves étranges qui semble être des bribes de mémoires qui lui permettent avec le temps de reconstituer ce qui lui est arrivé. Son esprit aurait été substitué avec celui d’un être venu d’un passé pré-humain. La Grande Race des Yith utilise ainsi ce subterfuge pour voyager dans le temps et collecter de l’information sur toutes les civilisations tant du passé que du futur. Pendant qu’un Yith était dans son corps à collecter de l’information sur notre civilisation, Peaslee était dans le corps du Yith à leur enseigner ce qu’il savait et à apprendre sur les civilisations ayant habitées ou envahis la Terre à un moment ou l’autre (les fameux Grands Anciens).
Cette explication est toutefois trop extraordinaire pour être vraisemblable. En étudiant la psychologie, il se convainc que les mythes qu’il a étudié durant son amnésie refont surface au travers de ses rêves alors que son cerveau tente de colmater les lacunes de sa mémoire. Quelques années plus tard, un prospecteur Australien qui a entendu parlé de ses recherches, lui fait part d’une découverte dans le désert. Une expédition est rapidement organisé pour fouiller un site qui semble être la cité où il a vécu dans ses rêves. Il y fait une découverte qui le terrifie et tente de convaincre les membres de l’expédition d’arrêter les fouilles car il ne faut pas réveiller l’horreur qui dors dans les profondeurs…
Un récit fort intéressant qui a été adapté en bande dessinée par I.N.J. Culbard chez Akileos (voir mon commentaire) et en manga par Gou Tanabe chez Ki-oon (commentaire à venir imminament).
“La maison de la sorcière” (The dreams of the witch-house, 36 pages, publié en juin 1933 dans Weird Tales) nous raconte le sort tragique de Walter Gilman, de l’université d’Arkham, qui étudie le lien possible entre les mathématiques et le folklore, particulièrement en relation avec une sorcière de Salem, Keziah Mason. Elle aurait eut l’habilité de se déplacer à travers les dimensions (le phénomène décrit s’apparente étrangement à un “wormhole”). Il s’installe donc dans la maison multi-centenaire de la sorcière à la recherche d’indices et d’inspiration. Chaque nuit il fait des rêves étranges, où il aperçoit la sorcière et son familier, et il lui semble qu’il se rapproche peu à peu de son objectif. Il réalisera trop tard qu’il s’est impliqué dans un culte démoniaque voué à Nyarlathotep. Avec ce récit, Lovecraft crée un lien intéressant entre les cultes sataniques et sa propre mythologie. Cette nouvelle a été adapté pour la télévision dans un épisode (S01E02) de la série Master of Horror.
“L’appel de Cthulhu” (The call of Cthulhu, 32 pages, publié en février 1928 dans Weird Tales) retrace l’enquête menée par l’anthropologue Francis Wayland Thurston après avoir découvert dans les affaires de son grand-oncle George Gammell Angell, un professeur de langues sémitiques, un étrange bas-relief et un manuscrit relatant différents événements étranges s’étant tous déroulés entre le 28 février et le 2 avril 1925. Dans un premier cas, un jeune sculpteur de Providence nommé Henry Wilcox fut épris d’une fièvre et d’un délire durant lequel il créa un bas-relief représentant des hiéroglyphes mystérieux et une figure humanoïde dont “la tête pulpeuse entourée de tentacules surmontait un corps écailleux et grotesque muni d’ailes rudimentaires.” Wilcox vint voir Angell dans l’espoir qu’il puisse identifier l’origine de sa vision mais sans succès.
Toutefois le récit du sculpteur rappela à Angell un événement similaire dont il prit connaissance lorsqu’un inspecteur de police de la Nouvelle-Orléans, John Legrasse, se présenta en 1908 à une réunion de la Société américaine d’archéologie tenue à Saint-Louis (MO) afin de faire identifier une idole mystérieuse. Elle représentait un monstre anthropoïde accroupie sur un piédestal, sa tête était couverte de tentacules, le corps évoquait celui d’un phoque, les quatre membres étaient pourvues de griffes formidables et il possédait de longues ailes minces sur le dos. L’idole avait été confisqué à une secte vaudou pratiquant des rituels sacrificiels dans des marécages au sud de la Nouvelle-Orléans. Le professeur Webb se rappela avoir entendu parlé d’un culte similaire au Groenland. Ce culte adorait Cthulhu et les Grands Anciens, venus des étoiles, qui ne mourraient jamais mais dormaient dans la cité engloutie de R’lyeh. Ils communiquaient avec les hommes dans leurs rêves en attendant le jour où, lorsque les étoiles seraient propices, ils s’éveilleraient de leur tombeau de pierre et règneraient à nouveau sur la terre.
Alors qu’il tente de confirmer les recherches de son grand-oncle, Thurston tombe sur un article de journal australien mentionnant une idole bizarre découverte sur l’épave d’un yacht en Nouvelle-Zélande en avril 1925! Thurston se rends à Auckland, puis à Sydney et finalement Oslo pour retracer le marin norvégien, Johanson, seul survivant. Il apprends que celui-ci est décédé mais réussi à prendre possession du manuscrit où Johanson relate son aventure et qui s’avère la clé de tout le mystère. Un tremblement de terre avait fait ressurgir la cité de R’lyeh, permettant à Cthulhu d’envahir les rêves à nouveau. Les matelots abordèrent l’île et libérèrent l’abomination. Toutefois, heureusement, la vivacité d’esprit de Johanson avait permis de le replonger dans son sommeil. Mais pour combien de temps encore?
Ce récit court, est plutôt intéressant mais est surtout très emblématique du mythe de Cthulhu.
“Les montagnes hallucinées” (At the mountains of madness, 79 pages, a été publié dans les numéros de février, mars et avril1936 de Astounding Stories) relate une expédition scientifique en Antarctique. Dans une caverne on découvre les restes de créatures incomparables — qui leur rappel un peu la description que le Necronomicon faisait des Grands Anciens! Mais pendant une tempête, un des camps est anéanti, les échantillons de créatures ont disparu et toutes l’équipe est massacré, sauf un membre, qui semble avoir fuit en traineau à chien. Le reste de l’expédition organise un groupe pour partir à sa recherche, avec espoir d’élucider le mystère. Loin à l’intérieur du continent, au-delà d’une chaine de montagne noire, ils découvrent et explorent une cité fantastique et antédiluvienne. C’est la cité des Grands Anciens, bâtie puis détruite par leurs esclaves révoltés, les “Shoggoths”. Rendue presque fou par l’horreur qui dors dans l’obscurité, ils décident de garder leur découverte secrète afin que l’humanité ne remette plus jamais les pieds dans ces lieux maudits.
C’est sans aucun doute le plus captivant et le plus marquant des quatre récits. Il a lui aussi été adapté en bande dessiné par Culbard chez Akileos (voir mon commentaire) et en manga par Gou Tanabe chez Ki-oon (voir le commentaire des tomes premier et second).
Comme la plupart, j’ai lu Lovecraft quand j’étais adolescent ou jeune adulte. En général, ses textes constituent d’excellents examples du fantastique selon Todorov, où les événements peuvent avoir une explication tant rationnelle que surnaturelle… Si les récits de Lovecraft sont considérés comme des chef-d’oeuvres de la littérature je me rend compte, en les relisant maintenant, que ce n’est pas si bien écrit que ça. Lovecraft est le maître de la description vague, son point culminant étant le qualificatif “indicible”! Toutefois le texte véhicule un imaginaire si puissant qu’il a laissé sa marque indélébile dans les esprits de tout ses lecteurs et a eut une influence considérable sur les genres du fantastique et de l’horreur. C’est certes une lecture indispensable pour sa culture générale mais, si vous manquez de temps, je recommande plutôt de lire les excellentes adaptations en bande dessinées ou en manga dont j’ai déjà parlé.
Dans l’abîme du temps, par H.P. Lovecraft (Traduction de Jacques PAPY). Paris: Denoël (Coll. Présence du Futur, #5), juin 1976. 224 pages. [pas de ISBN] Pour un lectorat adolescent (14+).
Vous trouverez plus d’information sur les sites suivants:
Dans les actualités nous découvrons que Kurokawa lance la collection Kuro Savoir consacrés à l’adaptation pour adolescents (16+) de classiques littéraires. Cela rappel beaucoup ce que faisait Soleil Classique. La collection débute entre autre avec Le Capital de Karl Marx (par Iwashita Hiromi), Ainsi parlait Zarathoustra de Friedrich Nietzsche (par Ichiro et Aki) et Psychologie des foules de Gustave Le Bon (par Team Banmikas). On mentionne également que les éditions Ynnis ont publié un autre ouvrage de référence thématique: Hommage à Akira: Héritage de l’apocalypsepar Stéphanie Chaptal.
Dans le Cahier Critique je note Le Mahâbhârata par Carrière & Michaud chez Hozhoni (Top! “Après trois ans de travail acharné (…) le résultat est prodigieux”), la réédition de Kirihito par Osamu Tezuka chez Delcourt (Top! “Graphiquement (…) c’est plein d’expérimentation, tant dans l’expression des émotions que dans le découpages. Cela se lit d’une traite”), une BD sur Mishima, Ma mort est mon chef-d’oeuvre, par Li-An & Weber chez Vents d’Ouest (Super), Dans l’abîme du tempsune autre superbe adaptation de Lovecraft par Gou Tanabe chez Ki-oon (Super, “Quelle ambiance oppressante (…) Ki-oon (…) a une nouvelle fois soigné à l’extrême la fabrication de son album”), L’Empereur du Japon t.1 par Eifuku, Hando, Shiba & Nojo chez Delcourt (Super, “Superbement dessiné”) et Une femme et la guerre où Yoko Kondô adapte deux nouvelles par Ango Sakaguchi chez Picquier (Top! “Une belle lecture à la gloire de la complexité humaine”).
Un numéro “double” (128 pages) où les actualités annoncent un manga de Persona 5 par Hisato Murasaki chez Mana Books et où la une nous offre un interview avec Philippe Druillet, Dimitri Avramoglou et Xavier Czaux-Zago sur Babel, un ambitieux remake de Lone Sloane chez Glénat. Ce numéro se poursuit avec des interviews de Christophe Blain au sujet de Blueberry t.1: Amertume apache (chez Dargaud, en collaboration avec Sfar), avec Balak et Bastien Vivès sur Lastman t.12 (chez Casterman), avec Juan Giménez sur sa série de La Caste des Méta-Barons(aux Humanoïdes Associés), avec Stéphane Levallois sur Léonard 2 Vinci (chez Le Louvre/Futuropolis), avec Minaverry sur Dora t.4: Amsel, Vogel, Hahn (chez L’Agrume) et Rebecca Rosen pour Morveuse(chez L’Employé du moi).
Au coeur de ce numéro on retrouve un spécial sur les cinq coups de coeur de fin de l’année qui offre des interviews avec des artistes dont l’oeuvre a été négligé par la rédaction: Jérémie Moreau pour Penss et les plis du monde (chez Delcourt), Alfred pour Senso (chez Delcourt), Georges Bess pour Dracula(chez Glénat), David Lopez pour Black Hand & Iron Head (chez Urban Comics), et Marc-Antoine Boidin & Jean-André Yerlès pour Legio Patria Nostra t.1: Le tambour (chez Glénat). Le numéro se conclu sur un article commémorant le soixantième anniversaire de la série Tanguy et Laverdure, qui avait débuté dans le premier numéro du magazine Pilote en 1959 sous la plume de Charlier et Uderzo et qui se poursuit avec un trente-troisième album, Retour aux Cigognes, par Zumbiehl, Buendia & Philippe (chez Dargaud).
Dans le Cahier Critique je note La fille de Vercingétorix par Ferri & Conrad chez Albert René (Super; cet album réponds à tous les critères qui font un bon Astérix mais les aventures des héros “n’ont plus la même saveur que quand nous étions adolescents. Pire nous ne sommes pas sûrs qu’après avoir refermé ce livre, nous penserons à le relire, contrairement aux premiers albums de la série”), Samurai 8 t.1 par Masashi Kishimoto & Akira Okubo chez Kana (Bien, “un air retrofuturiste inédit (…) mais la mise en scène ne suit pas (…) tout va trop vite (…) trop de digressions, trop de nouvelles intrigues parallèles (…) dommage car (…) l’univers créé par Kishimoto est, lui, vraiment intéressant”), Mon cancer couillon par Kazuyoshi Takeda chez Pika (Bien, manga autobiographique [Sayonara Tama-chan / lit. “Adieu mon petit testicule”] où l’ancien assistant de Hiroya Oku [Gantz] raconte sa lutte contre le cancer), ainsi que Natsuko no sake t.1 par Akira Oze chez Vega (Super, une histoire sur les coulisses du monde de la production de sake originalement publié en 1988, “belle histoire à l’ancienne (…) la narration est douce, le dessin de bonne facture”).
Des tonnes de suggestions de lectures pour les vacances et l’année à venir…
“Nous sommes à l’ombre de l’église de Cornstone, près d’Édimbourg, où Émilia et Bonnie viennent fleurir la tombe de la tante Gloria. Le Pasteur Macduff leur raconte la triste histoire de ces deux jeunes orphelins tués dans un accident de train alors que la voiture qui les transportait était immobilisée sur un passage à niveaux. Ils reposent dans “l’enclos des anges”, un lieu à l’écart et à l’abandon, où un ange veille sur eux.
Étrangement, la statue, don d’un bienfaiteur anonyme, date de 1934, un an avant l’accident funeste. Bouleversée par cette tragédie, Émilia décide de demander à son arrière-grand-père (qui était vivant en 1935) de sauver la vie des deux enfants. Pour ce faire, une solution : utiliser la machine temporelle qui dort dans l’annexe. C’est ainsi qu’Émilia part pour 1935, laissant Bonnie désemparée. Cette dernière alerte Yoko qui part sur les traces de l’adolescente et qui tentera d’éviter la catastrophe ferroviaire…”
Ce vingt-neuvième album de la série Yoko Tsuno a d’abord été prépublié dans le magazine hebdomadaire Spirou (du no 4239 [10 juillet 2019] au no 4246[28 août 2019]) à raison de huit planches par numéro. Cet album nous offre deux récits distincts. Roger Leloup raconte dans son introduction à la prépublication (Spirou #4239: p. 4) qu’à quatre-vingt-six ans il n’est pas à l’abris de problème de santé et c’est pourquoi il a décider de “faire une histoire courte de façon que, s’il m’arrivait quelque chose, je puisse peut-être au moins finir le scénario…”
Dans le premier récit (de vingt-sept planches), Bonnie et Émilia vont au cimetière pour fleurir la tombe de leur tante Gloria. Le pasteur McDuff leur parle alors de l’enclos des anges, où deux jeunes enfants sont enterrés. L’histoire de ce jeune garçon et d’une fillette qui sont mort happé par un train à un passage à niveau en 1935 les intrigue. Grâce à la machine temporelle de Sir Archibald (l’arrière-grand-père d’Émilia), et avec l’aide de Yoko, ils vont tenter de sauver les enfants en remontant dans le temps!
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Le deuxième récit (de trente-cinq planches) s’enchaîne sans heurt. Leloup raconte que “Yoko, à peine sortie du cimetière, reçoit un message du chef des services secrets britanniques pour lui proposer de raccompagner une princesse égyptienne dans sa tombe qui avait été pillée.” Évidemment tout cela cache un mystère plus tragique qui se décline comme une aventure “à la Agatha Christie.” Yoko et son équipe arrive à la Scottish Aircraft Company (SAC) où elle fait la rencontre de Sir Harold (mécène et propriétaire des lieux) et de sa pupille, Miss Dinah, pour qui elle effectuera la mission de rapatriement des momies (la princesse et sa servante) à bord du H.P. 42 Horus. Yoko et son entourage devront survivre à la mission tout en dénouant le mystère du meurtre de l’épouse de Sir Harold (dont le cadavre, selon Dinah, serait l’une des deux momies) et le complot d’une secte fantôme!
Dans son introduction, Roger Leloup révèle que si il a choisi d’installer le quartier général de Yoko au château de son amie Cécilia en Écosse, c’est que le lieu est très isolé ce qui permet à Yoko d’opérer en secret ses engins à la technologie très avancée. Il annonce également qu’il travaille déjà à la prochaine aventure de Yoko, qui devra faire face à un dilemme alors qu’elle se retrouve devant des humains robotisés!
Pour une fois, le récit est assez fluide (alors que souvent les aventures de Yoko me semblent un peu précipitées car Leloup tente de raconter son récit en trop peu de pages — on note que cet album est d’ailleurs plus long avec soixante-deux pages au lieu des quarante-six habituelles). Le fait qu’il y ait deux récit dans l’album est une bonne idée et nous offre une lecture plus satisfaisante. Toutefois, je note quelques maladresses ici et là: des tournures de phrases un peu bizarres et le fait que le dessin des personnages secondaires me semble parfois un peu bâclé (toutefois les arrière-plan — décors et équipements mécaniques — sont toujours impeccablement dessinés). Le style de Leloup a, bien sûr, beaucoup évolué depuis les premières aventures de Yoko, et il demeure très beau (pour un album jeunesse — et surtout pour l’oeuvre d’un artiste de quatre-vingt-six ans !).
Dans l’ensemble, Anges et Faucons, nous offre donc une bonne lecture, agréable et divertissante.
Yoko Tsuno 29: Anges et Faucons, scénario et dessin par Roger Leloup (mise en couleur par Studio Léonardo). Paris: Dupuis, septembre 2019. 64 pages (62 planches), 21.8 x 30 cm, 10.95 € / C$17.95 , ISBN: 979-1-0347-3803-8. Recommandé pour public jeune (9+). Un extrait peut être consulté sur le site de l’éditeur.
Pour plus d’information vous pouvez aussi consulter les sites suivants:
The first half of Father Brown S08 will air between January 6th and January 10th
Grantchester will come back for another six episodes (S05) on January 10th
In the same genre, I can say that Endeavour will soon come back for S07 (February or March?), set in 1970. A S08 is also already planned.
The young Pope will have a sequel titled The New Pope and should start airing January 13th on HBO (trailer)
Avenue 5, a sci-fi comedy with Hugh Laurie will premiere on January 19th on HBO (trailer)
Star Trek: Picard will premier on January 23rd (trailer)
Homeland S08, the final season, will premiere on February 9 (trailer)
Outlander S05 will start on February 16th 2020 (trailer)
Westworld will be back for a third season in 2020 on HBO. Sorry no more details… (trailer)
The Boys S02 should be back on Amazon Prime around mid-2020 (trailer)
And then a few shows worth talking about…
Watchmen S01
I was disappointed by the trailer because the series looked cheaply made as I thought that Rorschach’s mask was not animated but only drawn but, actually, it’s not a Rorschach’s mask at all but an imitation worn by the 7th Cavalry, a group of white supremacist terrorists. The series is actually quite excellent. It is officially a sequel that tells us what happened after the comic book, ties some lose ends and builds a new level of complexity on the original story, but there is so many flashbacks that it could also be considered a prequel as it tells the origin stories of several characters. The story revolves around three generations of mask vigilantes, mostly the Minutemen’s Hooded Justice / Will Reeves (played by Louis Gossett Jr.),the Crimebusters’ Ozymandias / Adrian Veidt (Jeremy Irons) and Doctor Manhattan / Jon Osterman (Yahya Abdul-Mateen II) — we could probably also add Laurie Blake (Jean Smart), formerly Silk Spectre, who is now an agent for an Anti-Vigilante division of the FBI — and, the newest generation, police detective Sister Night / Angela Abar (Regina King) who is the main protagonist.
In an alternate history where the vigilantes (masked heroes who won the Vietnam war and saved the world from nuclear holocaust through an elaborate hoax) are now outlawed, the social policies of the Redford government are stirring racial unrest and, as the police has become the official masked heroes, the old vigilantes seeks to ties some lose ends in order to save the world again.
The story, about racism and justice, is well written and riveting, the visuals (without any big special effects) are stunning and respects the look and spirit of the original comic book. Despite very mixed ratings on Rotten Tomatoes (critics’s rating of 96% versus an audience score of 49%), I personally think that Watchmen is a superb production and a must see TV series.
The creation of the Ring by the Protomolecule has opened the way to thousands of new worlds. However, Avasarala, the U.N. secretary-general, had ordered a blockade until it is sure that those worlds are safe for colonisation. Unfortunately, some ships were able to pass through the blockade. When crews of both Belters and an Earth Corporation landed on Ilus to claim its natural resources, Holden and the crew of the Rocinante are sent by the U.N. the assess the situation — which quickly degenerate into conflict. On top of that, the protomolecule entity known as “Miller”, with which Holden is in contact, is wreaking havoc with the planetary systems in order to investigate why its civilisation has been obliterated and by whom. Despite the truce, all factions from Earth, Mars and the Belt are on edge…
This series is an example of incredibly well written hard science-fiction, where the complexities of science and politics make for a rich and intriguing plot. It offers breathtaking visuals that make you feel like you are there with the characters. I bingewatched the entire 10-episode season in only a couple of days. It is definitely the best sci-fi TV series of the moment and my favourite show. And I’m not the only one to think that because it received excellent ratings (an overall rating of 8.5 on IMDb although the lowest episode rating for season 4 is 9.1 and on Rotten Tomatoes we find a critics’ rating of 100% and an audience score of 98% !!!). I can’t wait for season five (which has reportedly already began shooting)! It is really a must see.
“Paul à la maison est le 9e tome de la série. Cette fois-ci, l’action de déroule en 2012, Paul est auteur de bande dessinée à temps plein et lance un nouvel ouvrage au Salon du livre de Montréal. Entretemps, sa fille part travailler en Angleterre, Lucie n’habite plus avec lui et sa mère ne va pas bien…
Paul à a maison traite du deuil, sous de multiples formes. Un album émouvant.”
J’adore cette série mais malheureusement je n’en ai que très peu parlé (voir mon commentaire sur Paul dans le nord). Dans ce neuvième tome de la série nous faisons un saut dans le temps. En effet, Paul à Québec se déroulait en 1999 et les deux albums suivant, Paul au Parc et Paul dans le nord, étaient des flash-back dans la jeunesse de Paul (respectivement situé en 1970 et 1976). À l’automne 2012, Paul Rifiorati est maintenant dans la cinquantaine et dessine de la BD à temps plein, ce qui l’amène à faire des rencontres d’auteur dans les écoles et à faire des séances de signature au salon du livre. Il doit non seulement dire adieu à sa tendre jeunesse (il a toutes sortes de petits troubles de santé), mais aussi à son marriage (il est séparé de sa femme Lucie), à sa mère Aline (qui a été diagnostiquée d’un cancer et décide de ne plus combattre) et à sa fille (qui a maintenant dix-neuf ans et décide de déménager à Londres). Il doit faire face à ce deuil généralisé mais aussi à la solitude et au harcèlement de son voisin anglo-italien. Il a de la difficulté à gérer tout cela et se laisse aller un peu. Tout semble à l’abandon autour de lui: son apparence, sa cour arrière, son pommier, sa piscine… Le printemps amènera peut-être un renouveau…
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C’est un très bon album de bande dessinée qui nous ouvre une fenêtre sur la vie quotidienne d’un artiste de BD (Paul est de toute évidence l’alter égo de Michel Rabagliati et le récit est probablement très auto-biographique) et nous offre en bonus une introduction amusante à la typographie et à des techniques d’encrage. Ce qui est fascinant, c’est que Rabagliati réussisse avec un récit un peu triste, mais sincère et sans prétention, un style graphique simple mais très expressif, à toucher beaucoup de gens de ma génération. Comme beaucoup je me reconnais un peu dans le personnage de Paul: j’ai été chez les Scouts, ado j’ai voulu faire un voyage sur le pouce avec un copain, j’ai été en vacance sur les plages de la Nouvelle-Angleterre, J’ai fait du graphisme, j’ai travaillé dans le milieu de l’édition, ma mère est décédée du cancer, etc. C’est aussi un bel hommage à sa ville, car beaucoup de montréalais reconnaitrons leur quartier dans les décors de cet album: la rue Fleury dans Ahuntsic, la rue Masson dans Rosemont, le Parc de l’Île de la Visitation, le boulevard des Laurentides à Laval, le métro, la Place Bonaventure, etc.
Paul à la maison, comme toute l’oeuvre de Rabagliati, est un ode à la vie. C’est une très bonne lecture qui mérite d’être savourée. À lire.
“Après Astérix chez les Pictes(2013), Le Papyrus de César (2015) et Astérix et la Transitalique (2017), les personnages créés par René Goscinny et Albert Uderzo reviennent pour une nouvelle aventure dans La Fille de Vercingétorix, le nouvel album signé Jean-Yves Ferri et Didier Conrad.
C’est cette fois au Village que nous retrouvons nos héros préférés, qui nous prouvent une fois de plus qu’il n’est nul besoin de traverser le monde pour vivre de palpitantes péripéties. Effervescence et chamboulements en perspective ! La fille du célèbre chef gaulois Vercingétorix, traquée par les Romains, trouve refuge dans le Village des irréductibles Gaulois… Et le moins que l’on puisse dire, c’est que la présence de cette ado pas comme les autres va provoquer moults bouleversements intergénérationnels…” [Texte du site de l’éditeur]
Astérix et Obélix affrontent dans cet album ce qui est probablement leur plus terrifiant adversaires jusqu’à maintenant: une bande d’ados! En effet, peu avant de se rendre à César après la défaite d’Alésia, Vercingétorix confit la protection de sa fille à deux subordonnés de confiance, les chefs Arvernes Monolitix et Ipocalorix (d’où leur accent auvergnat!). Mais le traître Adictosérix les piste. Ils demandent donc au village gaulois de protéger Adrénaline le temps qu’ils organisent les préparatifs d’un voyage en Bretagne. Mais attention, elle fugue! En fait, ce n’est pas tant la fille elle-même que les romains redoutent, mais plutôt le torque de Vercingétorix qu’elle porte et qui est un symbole de pouvoir…
La jeune fille rebelle, qui s’habille gothique, se lie rapidement d’amitié avec les ados du coin: Blinix et Surimix (les fils du poissonnier Ordralafabetix) et Selfix (le fils du forgeron Cétautomatix). Ils flânent sous le regard protecteur d’Astérix et d’Obélix, mais Adrénaline (que la rumeur veut être inspiré par Greta Thunberg, ce que les auteurs ont nié) rêve de fuir sur une île lointaine couverte de fleurs. L’aventure et les péripéties habituelles s’en suivent, impliquant légionnaires romains, pirates, caméos humoristiques (dont un hommage à Aznavour) et un banquet à la fin. La jeune fille poursuivra son rêve d’îles paradisiaques avec le jeune marin Letitbix…
Ce trente-huitième album de la série Astérix (qui en marque d’ailleurs le soixantième anniversaire!) est très fidèle aux dessins originaux, conserve assez bien l’esprit de l’humour de Goscinny et Uderzo (il y a bien quelques excellents gags mais toutefois la plupart sont plutôt plat) et nous offre un récit amusant, dans l’air du temps (pacifisme, libertarianisme). Même si ce n’est certes pas aussi fort que les Astérix de l’âge d’or de la série (disons les vingt ou vingt-cinq premiers albums) et que la critique est plutôt mitigée, l’album se lit tout de même fort bien. À lire pour se distraire et par tradition.
Vendredi 6 décembre à 17h30 avait lieu le vernissage de “Boucler la boucle”, une exposition de photographies par Kiran Ambwani. Celle-ci “propose une version intime du quotidien des habitants des bidonvilles de Mumbai à travers le regard de ses enfants et montre la beauté et leur résilience malgré la pauvreté qui les entoure.”
En contrepartie au projet de Mumbai, Kiran Ambwani a également réalisé un projet de médiation culturelle avec des élèves de sixième année de l’École Barclay de Parc-Extension. Les étudiants ont pu ainsi s’initier à la photographie et aussi découvrir leur quartier sous un oeil nouveau, au travers l’objectif de la caméra.
C’est une exposition très intéressante qui nous montre la perception que les enfants ont de leur environnement. Cela mérite certainement un coup d’oeil (pour une fois que la salle de diffusion de Parc-Ex est bien mise à profit avec une exposition qui offre plus qu’une demi-douzaine de pièces et qui mérite un petit détour!). Malheureusement il n’y avait à peine plus d’une vingtaine de personnes au vernissage…
[ extrait de la présentation de Kiran Ambwani lors du vernissage ]
“Alors que le général Marcellus vient de montrer une finesse insoupçonnée pour entrer dans la ville de Nola, Scipion est également surpris par l’arrivée de Caius, qu’il croyait mort au combat. Mais le plébéien a changé : depuis que sa route a croisé celle de Maharbal, cette guerre est devenue pour lui une affaire personnelle…
Seulement, le chef Numide est un adversaire de taille ! Pour Scipion, pas question de le neutraliser sans avoir recours à la ruse… et ce n’est pas le genre de tactique qu’apprécie Marcellus. Pourtant, les conseils du jeune Romain lui ont permis de remporter enfin une bataille contre Hannibal… Les deux hommes seront-ils encore capables de collaborer ?
Bravoure, complots et stratégie… Plongez au cœur des batailles qui opposèrent les légendaires Hannibal et Scipion !”
Ce huitième volume est consacré à la deuxième bataille de Nola et au début du siège de Syracuse. Printemps -215, les troupes d’Hannibal tente une nouvelle fois de prendre Nola, cette fois sous le commandement de Maharbal qui est confiant en la supériorité de ses cavaliers Numides. Scipion met Marcellus en garde contre les failles de sa stratégie et concocte un plan pour aider Caius dans sa vengeance. Grâce à cela, Caius réussit à embusquer Maharbal et à le tuer en combat singulier. Marcellus se rend compte de son erreur et réajuste sa stratégie pour obtenir une nouvelle victoire. Pour sa valeur, Caius est promu centurion et demande comme récompense que Marcellus soutienne Scipion dans sa candidature à la fonction d’édile.
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Trois ans plus tard, en -212, Scipion est maintenant édile et porte le casque d’Aemilius, pour honorer son beau-père. Marcellus fait le siège de la ville de Syracuse qui est allié des Carthaginois et dont les défenses — conçues par le génie mathématicien Archimède — étaient réputées imprenables. Scipion réussi à pénétrer dans la ville en se faisant passer pour un envoyé macédonien. Il gagne la confiance d’Archimède et réussi à obtenir des renseignements précieux… mais sont subterfuge est découvert!
Ad Astra continue à nous étonner par la qualité de son graphisme et l’excellence de son récit d’action. Le dessin, précis et riche en détails, est très agréable à l’oeil. À grand renfort de stratégies militaires, de combats terrestre et de batailles navales, ce manga captive sans peine notre intérêt en nous racontant les faits saillants de ce conflits entre Rome et Carthage. La narration commence à s’accélérer un peu mais il reste toute même encore neuf ans à couvrir en cinq volumes!J’ai particulièrement aimé le récit de la rencontre entre Scipion et Archimède — qui n’était pas sans (beaucoup!) me rappeler le manga Eurêka! par Hitoshi Iwaaki. Évidemment, un récit romancé ne peut échapper aux inexactitudes historiques et l’auteur reconnait volontier avoir “un peu trop déformé la réalité, notamment dans le passage sur la deuxième bataille de Nola” et renvoie les lecteurs à Polybe et Tite-Live pour “une vision plus exacte du déroulement des combats”… Malgré cela, Ad Astra demeure un excellent manga que je recommande tout particulièrement aux amateurs d’histoire romaine!
Ad Astra: Scipion L’Africain & Hannibal Barca Vol. VIII, par Mihachi KAGANO. Paris: Ki-oon, février 2016. 210 pages (192 pl), 13 x 18 cm, 7,90 € / $16.98 Can. ISBN 978-2-35592-919-9. Pour un lectorat adolescent (14 ans et plus).
Pour en savoir plus vous pouvez consulter les sites suivants:
“La perte de son futur beau-père et de son meilleur ami a réveillé l’ambition qui dormait en Scipion… Pour qu’un massacre de l’ampleur de la bataille de Cannes ne frappe plus jamais la République, il est désormais prêt à tous les sacrifices! Seulement, pour monter en grade, il lui faut composer avec le général Marcellus, son nouveau supérieur hiérarchique. Or, l’homme ne semble guère apprécier les méthodes du jeune Romain…
De son côté, Hannibal n’a pas le loisir de savourer sa victoire : Maharbal lui reproche déjà de ne pas marcher sur Rome immédiatement, en profitant du désarroi du camp adverse pour conquérir la cité. Car le vent pourrait bien tourner… Isolé loin de sa patrie avec un contingent de Gaulois têtus, entouré de cités hostiles, le Carthaginois a toujours l’avantage, mais pour combien de temps?
Bravoure, complots et stratégie… Plongez au cœur des batailles qui opposèrent les légendaires Hannibal et Scipion!”
Ce septième volume se consacre principalement à la première bataille de Nola et aux événements périphériques. Suite à la cuisante défaite romaine à Cannes en -216 , la plupart des villes de Campanie, comme Capoue — craignant d’être entraîné dans une guerre coûteuse par leur allié romain — ouvrent leurs portes à Hannibal et aux Carthaginois. Seule la ville de Naples, en position stratégique sur la mer, leur résiste. L’armée romaine, dirigé par Marcellus, prends la ville de Nola par la ruse. Caius laelius rejoint l’armée romaine mais seulement pour se venger de Maharbal. Scipion suggère à Marcellus d’utiliser contre Hannibal ses propres stratégies. Ainsi, lorsque Hannibal attaque Nola les romains réussissent à le repousser, brisant le mythe de son invincibilité et redonnant espoir à Rome. Hannibal tente de négocier une alliance avec la Macédoine et Magon ne réussit pas a obtenir du renfort pour la campagne d’Hannibal, Carthage préférant défendre ses possession en Hispanie. Alors que Maharbal continue de défier son autorité, Hannibal décide de lui confier le commandement de l’armée…
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Ad Astra est un très bon manga et une bonne lecture pour tous ceux qui s’intéresse à l’histoire romaine. La narration est fluide et, sans trop s’attarder sur les détails de la stratégie militaire, nous offre tout de même un récit d’action captivant. Bien sûr, comme toute fiction historique, le récit prend quelques libertés avec les faits connus au profit de l’intrigue. Toutefois, le récit progresse très lentement: les sept premiers volumes n’ont jusqu’à maintenant couvert que les deux premières années du conflit (qui dura quinze ans)! Pour couronner le tout, le dessin est très beau. Le style clair et très précis est assez efficace pour bien décrire les scènes de combats. Un manga que je recommande vivement.
Ad Astra: Scipion L’Africain & Hannibal Barca Vol. VII, par Mihachi KAGANO. Paris: Ki-oon, septembre 2015. 234 pages (206 pl), 13 x 18 cm, 7,90 € / $16.98 Can. ISBN 978-2-35592-866-6. Pour un lectorat adolescent (14 ans et plus).
Pour en savoir plus vous pouvez consulter les sites suivants:
George Takei has captured hearts and minds worldwide with his captivating stage presence and outspoken commitment to equal rights. But long before he braved new frontiers in Star Trek, he woke up as a four-year-old boy to find his own birth country at war with his father’s—and their entire family forced from their home into an uncertain future.
In a stunning graphic memoir, Takei revisits his haunting childhood in American concentration camps, as one of over 100,000 Japanese Americans imprisoned by the U.S. government during World War II. Experience the forces that shaped an American icon—and America itself—in this gripping tale of courage, country, loyalty, and love.
The second season of the TV series The Terror, subtitled Infamy, was set in a Japanese-American internment camp around old Japanese ghost stories. It was quite interesting (). George Takei, of Star Trek fame, who had experienced the camps in his childhood, was asked to be a consultant and, since he is also an actor, to be a member of the cast. He incorporated a lot of his own experience into the TV series. This comic memoir, where Takei recounts the whole traumatic experience of the internment camps, could be a good companion book to the TV series.
The storytelling is excellent as it not only chronicles the daily life of his family inside the camp, how he felt as a four-year-old and what was the impact on his later life, but it also tells us of the journey that brought him to want to share this story. However, if it is presented has a book for all ages, it should probably more appropriately targets a teenage readership as the story is very serious, with references to policies and politics that kids would probably not understand.
The artwork is generally nice but often a little crude and simplistic with an overuse of screentone to add shades and textures. The story would have been better served by a more professional graphic style. However, this look was probably chosen to make the book feel more accessible.
Overall, it is a very interesting comics about an important (but little known) part of American history that should be a mandatory reading in civics or history classes all over America. A must (particularly now).
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They called us enemy, co-written by George Takei, Justin Eisinger, Steven Scott, and illustrated by Harmony Becker. Marietta: Top Shelf Comics (imprint of IDW Publishing), July 2019. 208 pages, 6.5 x 19 in, $US 19.99 / $C 25.99. ISBN 978-1-60309-450-4. For teenage readers (12+).
For more information you can consult the following web sites:
“If you are cold, tea will warm you; if you are too heated, it will cool you; If you are depressed, it will cheer you; If you are excited, it will calm you.” ― William Ewart Gladstone
Ghost in the Shell: Stand Alone Complex was a big hit in 2003 and Japanese DVD sales did great, so the creative team at Production I.G. decided to bring out a second season (titled “2nd Gig”). Now fans can look forward to another 26 episodes of cyber-political intrigue and action. 
I can easily imagine that director Kenji Kamiyama was under a great deal of stress, with his work being compared with Mamoru Oshii’s Innocence, and to meet the fans’ expectations after the first season! Despite the high stakes, the young director was up to the task and I think he did a marvellous job. The “2nd Gig” is even better and more intriguing than the first season. He succeeded totally in creating his own world, telling the story in his own personal style, and we don’t even feel the need to compare his series with Oshii’s movie. Each has its own merit. 
As the “2nd Gig” starts, Section 9, which had been dissolved at the end of the 1st season, is resuming its job as an anti-cyberterrorist mobile unit. Although the team has returned, their work isn’t easy, and many difficulties lie ahead of them. The Japanese political landscape is changing and the government is keeping a close eye on their special police. The “Laughing Man” case might be solved, but it doesn’t take long for another terrorist organization, “The Individual Eleven,” to show up. Who are they? Are they the result of another “Stand Alone Complex”? They seem to be stirring up an uprising against the Asian immigrants and refugees. Could it be that simple? But some other politically-motivated forces seem to be at work. Can Major Motoko Kusanagi and her team unravel the complex overlapping political plots before they affect the nature of the government? 
The terrorism and the Asian refugees’ problems seem to be an allusion to the Palestinian question and to some conspiracy theories that surfaced after 9/11 in Europe and in Japan (such as, American right wing groups being behind 9/11 in order to justify military action abroad and domestically limit civil liberties). But it is only used to emphasize the fact that, even in the future, terrorism — the favorite style of warfare of the 21st Century — is still omnipresent and we still haven’t found a way to deal with it. Despite all the advanced technology, humanity is still facing tremendous problems (war, pollution, corruption, poverty, overpopulation, crime). Nothing changes, and even the future’s future is still uncertain. Is there a solution to the crisis? Is there a possibility for us humans to be saved? The answer in “2nd Gig” might be in the origami cranes that appear in some episodes and that symbolize the prayers for peace and salvation. All we can do is, like Section 9, act with courage and determination (even if it means going against the rules sometimes), pray and hope for the best! 
You have to purchase the DVD to watch it over and over again, to enjoy all the minute details of this superb animation and share the experience with your friends! And if after that you want more, the series was followed by a movie: Solid State Society. 
With the TV version of Ghost in the Shell (Kokaku Kidotai) director Kenji Kamiyama (and his production team — including the full support of original creator Shirow Masamune) is bringing a new dimension to the standard police detective drama adding a techno-cyberpunk flavour. Not only is this a very high quality show visually (HD full-digital screen to satisfy even the most hard-core fan!), but it is also full of exciting, intelligent storytelling. You can see that the writers really put forward their best efforts to attract viewers.
J’ai déjà introduit 
Il est impossible d’aborder La vallée de la peur sans mentionner l’adaptation en dessin animé 
“Egyptian mummies: Exploring ancient lives” is the North American premiere of an exhibition created by the British Museum. Using digital image projections, explanatory videos and over two-hundred objects from ancient Egypt, it “reconstructs the lives of six people who lived along the Nile”. It tells the story of each of those individuals, their beliefs and the diseases they suffered from.
ou 
Clodjee's Safe-House 